FROM NASHVILLE TO L.A

BONNE ANNEE

2011-12-31T23:30:00.000-08:00

JOYEUX NOËL

2011-12-24T23:30:00.000-08:00

GENE VINCENT

2011-12-12T01:27:00.001-08:00

Biographie :
Gene Vincent, de son vrai nom Vincent Eugene Craddock (né à Norfolk, en Virginie, États-Unis, le 11 février 1935 ; mort le 12 octobre 1971 à Newhall, en Californie), est un chanteur américain de rock'n'roll et de rockabilly, qu'il contribue à populariser. Il est le créateur de Be-Bop-A-Lula, l'un des plus fameux succès du genre. Il est le fils d'Ezekiah Jackson Craddock et de Marie Louise. La famille déménage très tôt à Munden Point, dans l'État de Virginie, près de la frontière de Caroline du Nord. Ses parents y deviennent gérants d'une épicerie. Auditeur régulier de l'émission Grand Ole Opry, le jeune Eugene (qui porte à cette époque déjà le surnom de Gene) montre un intérêt pour la musique. Il écoute de la country, du hillbilly, du bluegrass. Mais il se familiarise aussi avec le blues et le gospel, car la communauté noire est importante dans le quartier pauvre où il vit1. Il reçoit sa première guitare à l'âge de douze ans. Il joue régulièrement pour les passants, perfectionnant ainsi son style vocal et son jeu de guitare. Très vite, on le reconnaît dans les rues, et ses amis le surnomment The Screamin' Kid.En 1948, ses parents décident de quitter le magasin, et de retourner à Norfolk. Chétif et souvent sujet aux taquineries de ses camarades d'école, Gene Vincent quitte assez tôt les études et s'engage dans l'US Navy à dix-sept ans, le 19 février 1952, pendant la guerre de Corée. En mars 1955, après trois années de service, Gene signe pour six années supplémentaires afin de percevoir la prime de réengagement, avec laquelle il s'achète une moto Triumph. En juillet, il est heurté dans Norfolk par une Chrysler qui brûle un feu rouge : il est grièvement blessé à la jambe gauche. À l'hôpital, les médecins veulent l'amputer, mais Gene refuse que sa famille signe les documents d'autorisation. Il passe les six mois suivants en de nombreux séjours à l'hôpital naval de Portsmouth. C'est pendant un de ces séjours qu'il s'exerce à écrire des chansons. On lui enserre finalement la jambe dans une armature métallique. Il est réformé peu après.En septembre 1955, à Norfolk, il voit sur scène Elvis Presley, encore peu connu. Le 9 octobre, Gene passe une audition lors de l'émission de Teddy "Bear" Crutchdield, DJ local.Il se marie le 11 février 1956 avec Ruth Ann Hand.Le même mois, il participe à un concours de chant dont un membre du jury est Sheriff "Tex" Davis, animateur de WCMS, une radio de Norfolk. Gene fait sa connaissance et, dès lors, se produit chaque week-end dans le « Country Showtime » de WCMS, accompagné par le trio The Virginians, qu'entourent d'autres musiciens. C'est ainsi qu'il interprète pour la première fois en public Be-Bop-A-Lula, chanson qu'il aurait écrite à l'hôpital, et qui serait inspirée de Little Lulu, une héroïne de bande dessinée.En ce début de 1956, le phénomène Elvis Presley explose avec Heartbreak Hotel, sorti en janvier. Le succès foudroyant de ce disque met en émoi tous les labels : chacun est en quête de « son » Presley, et Sheriff "Tex" Davis le sait. Il décide de miser sur Gene. Il devient son directeur artistique, et l'entoure de quatre musiciens jouant pour WCMS : Cliff Gallup (guitare solo), Willie Williams (guitare rythmique), Jack Neal (contrebasse), Dickie Harrell (batterie). Le 9 avril, Gene et son groupe enregistrent dans les studios de WCMS une démo de trois titres : Be-Bop-A-Lula, Race With The Devil et I Sure Miss You. Elle est adressée à Ken Nelson, record producer (qu'on peut traduire par « réalisateur artistique ») chez Capitol. Trois semaines plus tard, Ken Nelson convoque le groupe en studio pour réenregistrer les titres de la démo.
Le 4 mai 1956, le groupe arrive au studio d'Owen Bradley, à Nashville, où ont précédemment enregistré Buddy Holly et Johnny Carroll. Ce dernier avait suggéré d'exagérer l'écho. L'ingénieur Mort Thomasson avait alors mis au point un nouveau son. Le son est repris pour Gene et ses musiciens, dont il parvient à traduire l'innocence, la spontanéité, le tempérament adolescent et sauvage. Les trois titres de la démo sont enregistrés, ainsi que Woman Love, une adaptation d'une chanson hillbilly déjà interprétée par Jimmy Johnson. À l'issue de la séance, Vincent Eugene Craddock devient Gene Vincent, et le groupe prend le nom de Gene Vincent and His Blue Caps, en hommage à l'éternelle casquette bleue de son facétieux benjamin, Dickie Harrell15, quinze ans.Le single sort le 2 juin avec, en face A, Woman Love, et, en face B, Be-Bop-A-Lula. Les passages à la radio de la face A ne rencontrent guère de succès.Les programmateurs proposent alors la face B2 : 200 000 disques se vendent, dans le seul mois de juin. Be-Bop-A-Lula, rockabilly syncopé, devient un tube légendaire. Il sera repris par de nombreux artistes.Du 24 au 27 juin, dans des conditions de live, le groupe enregistre son premier album.Du jour au lendemain, Gene et ses quatre musiciens se voient propulsés au sommet du nouveau show business rock 'n' roll. Le 20 juillet, le groupe entame sa première tournée américaine. Le 13 août voit la sortie de l'album Bluejean Bop, et le 10 septembre celle du deuxième single, Race With The Devil.Le 14 septembre, le guitariste rythmique Willie Williams quitte le groupe. Il est remplacé par Paul Peek. Le 16 septembre, c'est au tour du lead guitar Cliff Gallup de s'en aller. Marié, il apprécie peu la vie de tournée. Il est remplacé par Russell Wilaford. Le 22 septembre, la tournée prend fin.Le 23 septembre, sort le troisième single, Bluejean Bop, qui à l'instar de Be-Bop-A-Lula sera disque d'or. Le 26 septembre, est tournée une séquence pour le film The Girl can't help it (La Blonde et moi) de Frank Tashlin. Les deux nouveaux du groupe, Paul Peek et Russell Wilaford, sont les guitaristes que l'on y voit mimer l'interprétation de Be-Bop-A-Lula. Pris par d'autres engagements, Russel Wilaford quitte bientôt le groupe sans avoir jamais enregistré.Le même mois, Gene et Ken Nelson arrivent à convaincre Cliff Gallup de faire un bref retour, le temps de participer à la session d'enregistrement du deuxième album. La session a lieu du 15 au 18 octobre, toujours au studio d'Owen Bradley, à Nashville.Les solos d'un Cliff Gallup à la guitare « plus rapide et aveuglante que la lumière » ont nettement contribué aux premiers succès de Gene Vincent. Le départ de ce guitariste joue en partie un rôle dans l'évolution ultérieure du style du chanteur.En novembre, Gene effectue sa première tournée au Canada.La fin de l'année 1956 est difficile. Gene souffre énormément de sa jambe malade, éprouvée par les concerts. Il doit faire un nouveau séjour à l'hôpital. Jack Neal, le contrebassiste, part à son tour. Et le directeur artistique Sheriff "Tex" Davis se sépare également du groupe.Le deuxième album, un des plus sauvages de Gene Vincent, un des meilleurs, sort le 4 mars 1957 sous le nom de Gene Vincent and the Blue Caps. Il contient notamment Red Blue Jeans and a Pony Tail, Cruisin', Double Talkin' Baby, You Better Believe, Cat Man...Un nouveau groupe est constitué pour les tournées, avec Johnny Meeks en guitariste solo. La guitare rythmique acoustique et la contrebasse sont remplacées par une guitare électrique et une guitare basse. Le groupe se renforce de deux choristes-clappers-danseurs chargés de soutenir le chant et d'animer les prestations scéniques.Les 19 et 20 juin, le studio de Nashville n'étant pas disponible, Gene doit enregistrer Lotta Lovin' et Dance to the Bop dans les studios du Capitol Records Building, à Hollywood. L'environnement de travail est approximatif. Le son change.Le 24 juin, Gene divorce. La chanson Lotta Lovin' sort le 22 juillet. C'est un succès. En octobre, Gene effectue une tournée de trois semaines en Australie, en compagnie de Little Richard et d'Eddie Cochran, qui devient son grand ami.Mais Gene a un caractère difficile, et les Blue Caps sont constamment remaniés.Le 17 novembre 1957, Gene et son groupe participent à la fameuse émission de télévision The Ed Sullivan Show, ce qui va contribuer au succès du single Dance to the Bop, qui sort le lendemain. Du 6 au 18 décembre, le groupe est de retour aux studios Capitol, où les conditions de travail laissent plus que jamais à désirer. Quinze morceaux sont enregistrés, en vue d'un album et de divers singles.Le troisième album, Gene Vincent Rocks And The Blue Caps Roll, sort le 8 mars 1958. Gene est alors au sommet de son succès. De nombreux adolescents américains se reconnaissent dans son style, celui d'un rebelle torturé, à la jambe fracassée par un accident de moto. Les résultats des ventes, sans atteindre ceux du premier disque, tiennent bon.Gene obtient un rôle dans le film Hot Rod Gang, où il va chanter notamment Baby Blue. Les chansons du film sont enregistrées du 25 au 29 mars, en même temps que d'autres, destinées à un quatrième album. Les séquences sont filmées le 30 mars. En mai, Baby Blue sort en single, et n'a pas de succès. Le même mois, Gene se remarie avec Darlene Hicks, qui lui inspirera un célèbre slow-rock.Une session d'enregistrement, en vue d'un cinquième album, a lieu du 13 au 21 octobre 195828. Déjà vocaliste lors de la session de mars, Eddie Cochran de façon anonyme assure la basse vocale et participe aux arrangements. C'est le dernier enregistrement des Blue Caps en tant que tels. Le groupe se sépare. Gene doit honorer sa fin de contrat avec des musiciens de studio. En novembre, sort le single Say Mama. Le même mois, sort le quatrième album, intitulé A Gene Vincent Record Date. Il ne rencontre pas le succès.Le 27 avril 1959, Darlene et Gene ont une petite fille, Melody Jean8. Gene part en été pour une tournée de trois semaines au Japon, où il reçoit un accueil délirant. Il sort un cinquième et un sixième albums, Sounds Like Gene Vincent (1er juin 1959) et Crazy Times (1er janvier 1960).Mais la fin des années 1950 marque la fin d'une époque : au grand soulagement de l'Amérique conservatrice et puritaine, le rock pur et dur commence à être boudé par les radios, qui lui préfèrent des créations moins sauvages. Après six albums et une poignée de 45 tours, Gene Vincent est désormais dépassé. Il n'a pas le physique de Frankie Avalon, ni celui de Fabian, ni même celui d'Elvis Presley — lequel glisse à ce moment-là vers un style de plus en plus mélodique et pop.Alors Gene se tourne résolument vers l'Europe. Au Royaume-Uni, les succès de pionniers comme Tommy Steele et Johnny Kidd ouvrent un chemin prometteur au rock 'n' roll dur.Gene est invité au Royaume-Uni par le producteur de télévision Jack Good, qui lui demande d'effectuer un certain nombre de passages dans l'émission Boy Meets Girls. Gene arrive à Londres le 5 décembre 1959. Il est accueilli en héros du vrai rock. Sa carrière est relancée. Jack Good, s'attendant à voir débarquer un voyou briseur de mobilier, est un peu décontenancé de rencontrer un jeune homme affable et déférent, qui l'appelle « sir ». Aussi suggère-t-il à Gene un costume de scène qui sera désormais le sien, et qui sera copié par quantité d'autres rockers : blouson et gants de cuir noir, médaillon au cou. Le 12 décembre, Gene apparaît dans l'émission.Il chante pour la première fois en France le 15 décembre, à l'Olympia de Paris.Eddie Cochran le rejoint au Royaume-Uni le 11 janvier 1960. Ensemble, ils entament une tournée dans le pays. Le destin frappe. Dans la nuit du 17 avril 1960, Eddie Cochran trouve la mort dans un accident de voiture, à Chippenham, dans le Wiltshire. Présent dans le véhicule au moment de la collision, Gene a quant à lui la clavicule et des côtes cassées, ainsi que des blessures à sa jambe déjà meurtrie. Il ne se remet jamais tout à fait de la perte de son ami. Il ne sort d'ailleurs qu'un seul single cette année-là. En hommage à Eddie Cochran, depuis cet accident, il porte toujours un gant de cuir noir à la main gauche.Le 13 octobre 1960, Darlene et Gene ont un garçon, Gene junior.Gene ne reprend le chemin des studios qu'à partir de février 1961. En avril, il divorce une deuxième fois. Il effectue un tour de galas en terre britannique, accompagné par l'orchestre Sounds Incorporated, puis par les Shouts, avec lesquels il enregistre un de ses rares albums des années 1960.Aux États-Unis, on l'oublie petit à petit, tandis qu'en Europe il est très populaire, notamment en Angleterre. En France, des groupes autochtones comme Les Chaussettes Noires contribuent à sa notoriété en adaptant ses morceaux en français.Le 23 janvier 1963, Gene se marie pour la troisième fois avec Margie Russell. Le 29 mai, le couple a une petite fille, Sherri Ann.Années tragiques (1963-1971)Gene doit affronter, en cette année 1963, le déferlement de la nouvelle génération du british beat, dont les plus éminents représentants, les Beatles, sont pourtant ses admirateurs (on a beaucoup spéculé sur une offre de Gene de produire leur premier album). Le contrat de Gene avec Capitol n'est pas renouvelé. En délicatesse avec le fisc américain, en manque d'un contrat sérieux (il a des liaisons éphémères avec de petits labels, comme Challenge, Dandelion, Kama Sutra), Gene ne conserve qu'une poignée de fans. Ses disques ne se vendent plus. Il doit se lancer dans des tournées harassantes pour vivre. Le rocker embarque alors pour le continent. Il multiplie les tournées en Europe. Il garde, en France notamment (où ses fans le surnomment affectueusement « Gégène »), mais aussi en Hollande et en Allemagne, de fidèles admirateurs.En 1964, en tournée en Afrique du Sud, il noue une liaison avec Jackie Frisco, chanteuse locale. En 1965, il quitte Margie. À la fin de l'année, sa santé et sa carrière sont au plus bas. Mal dans sa peau, torturé, Gene Vincent pousse de plus en plus son « esprit rock » à son paroxysme, multipliant les abus d'alcool. Intransigeant, il n'accepte aucun compromis, et peut parfois se montrer violent. « Personnage attachant et instable », il use « amours, amitiés et bonnes volontés avec une constance suicidaire. » Son talent cependant reste entier, tout comme sa passion pour le rock'n'roll pur et dur.En 1966, Gene et Jackie Frisco se marient à Mexico33. Gene revient en Europe en 1967, mais c'est pour retomber dans le même style de vie autodestructeur. En 1970, il se sépare de Jackie Frisco, dont il ne divorce pas. Sa dernière tournée en France, en juin, tourne au désastre.Criblé de dettes, miné par l'alcool et le désespoir, Gene trouve la mort le 12 octobre 1971, à 36 ans, victime d'une hémorragie stomacale. Il est enterré à l'Eternal Valley Memorial Park, à Newhall (Californie).Discographie :
Bluejean Bop, Capitol, 1956Gene Vincent and the Blue Caps, Capitol, 1957Gene Vincent Rocks and The Blue Caps Roll, Capitol, 1958A Gene Vincent Record Date, Capitol, 1958Sounds like Gene Vincent, Capitol, 1959Crazy Times, Capitol, 1960The Crazy Beat of Gene Vincent, Capitol, 1963Shakin' up A storm, Columbia, 1964Gene Vincent, Challenge, 1967I'm Back and I'm Proud, Dandelion, 1969If you could only see me today, Kama Sutra, 1970The Day The World Turned Blue, Kama Sutra, 1971The Last Session (BBC, 1er octobre 1971), Nighttracks Strange Fruit Records, 1987 (maxi 45 tours)

Dave Dudley

2011-03-31T13:09:00.000-07:00

Biographie :
Né à Spencer, dans le Wisconsin , Dudley avait commencé une courte carrière comme joueur de baseball semi-professionnel. Après avoir subi une blessure au bras, il n'était plus en mesure de jouer au baseball. Il a ensuite décidé de poursuivre une carrière dans la musique country. Il a été l'un des premiers artistes à enregistrer pour la Société nationale d'enregistrement.
Dudley a été blessé à nouveau en 1960, cette fois dans un accident de voiture, n'a pas freiner sa carrière dans la musique. Il est apparu sur les charts en 1961 avec « Maybe I do», publié par les Disques Vee. Il a ensuite rejoint Golden Records Ring.

En 1963, «Six days on the road" est devenu un hit pour Dudley. La chanson a été écrite par Earl Green et P. Montgomery. Elle s'est vendu à plus d'un million d'exemplaires, et a reçu un disque d'or .
Dans la version originale de la chanson enregistrée par Dudley les paroles inclure les mots «... je prends petites pilules blanches et mes yeux sont grand ouverts ...» une référence à des stimulants utilisés par certains camionneurs pour continuer à conduire (et respecter leurs délais de livraison) quand ils avaient besoin de sommeil. Certains remakes de la chanson remplacent ces mots par une référence à regarder les lignes blanches sur la route.
Dudley a marqué ses plus grands succès dans les années 1960, avec "Truck Drivin Son of a Gun" et «Trucker's Prayer". «Six days on the road» a été repris par plusieurs artistes, dont George Thorogood et les Destroyers , Steve Earle et Sawyer Brown .

Dudley a continué à avoir du succès dans les années 1970, tout en continuant à enregistrer pour Mercury Records . Il fut classé dans les dix premiers avec "Comin 'Down" et "Fly Away one more time." À la fin des années 1970, son succès dans les charts commençait à s'estomper, même si Dudley avait amassé trente-trois classements auTop 40.

Dans les années 1980, Dudley a continué à enregistrer de façon sporadique, et est resté populaire en concert. Pendant ce temps, il a été élu à la «Teamsters Nashville Truck Drivers 'Union », et a reçu une carte en or massif de membre de l'Union. Pendant ce temps, il a également découvert qu'il avait un grand nombre de fans en Europe et il a décidé d'essayer de faire appel plus à ce marché.
Au total, Dudley a enregistré plus de 70 albums.
Dudley est décédé d'une crise cardiaque le 22 Décembre 2003 à 75 ans, dans le Wisconsin.

Discographie :

1963
Dave Dudley Sings Six Days on the Road

1964
Songs About the Working Man

Travelin' with Dave Dudley

Talk of the Town

1965
Rural Route No. 1

Truck Drivin' Son-of-a-Gun

Greatest Hits

1966
There's a Star-Spangled Banner Waving Somewhere

Lonelyville

Free and Easy

1967
My Kind of Love

Dave Dudley Country

1968
Greatest Hits Vol. 2

Thanks for All the Miles

1969
One More Mile

George (And the North Woods)

1970
The Best of Dave Dudley

The Pool Shark

1971
Dave Dudley Sings Listen Betty (I'm Singing Your Song)

Will the Real Dave Dudley Please Sing

1972
The Original Traveling Man

1973
Keep On Truckin'

1975
Special Delivery

Uncommonly Good Country

1976
1776

Presents

1977
Chrome and Polish

1978
On the Road Again

1980
Interstate Gold

Diesel Duets (w/ Charlie Douglas)

1981
King of the Road

1982
Trucker's Christmas

1983
20 Great Truck Driver Favorites

1984
Nashville Rodeo Saloon

1985
Truck Drivin' Man

Amos Lee

2011-02-27T14:54:00.001-08:00

Biographie :
Né en 1978, Amos Lee est un compositeur et guitariste américain de Philadelphie, en Pennsylvanie . Son style musical se situe entre le folk , la soul et le jazz . Il a sorti quatre albums sur Blue Note Records. Il a été en tournée avec des musiciens comme Bob Dylan , Elvis Costello, Norah Jones, Paul Simon, Merle Haggard, John Prine, et Dave Matthews Band . Lee joue avec le batteur Fred Berman et le bassiste Jaron Olevsky. Certaines de ses influences musicales viennent de Stevie Wonder, John Prine, Bill Withers, et James Taylor .

Après l'université, Lee est retourné à Philadelphie et a enseigné en primaire pendant deux années avant de décider de se lancer dans la musique.

En 2003, Lee a auto-produit son premier disque qui comportait cinq chansons puis a signé un contrat chez Blue Note Records peu après. Son premier disque s'est bien vendu à Philadelphia, attirant l'attention de Norah Jones qui l'a invité à faire la première partie de sa tournée 2004.

truth/ amos lee/
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Discographie :
Amos Lee (2005)
Offer and demand (2006)
Last days at the lodge (2008)
Bell Mission (2011)

The Bangles

2011-02-03T08:32:00.001-08:00

Biographie :
Né en 1981 à Los Angeles sous le nom de « The Supersonic Bangs » puis plus tard sous le nom de « Bangs », l'existence d'un autre groupe du nom de « Bangs » dans le New Jersey les obligea à changer pour « The Bangles ».
Le groupe d'origine était composé de Susanna Hoffs, Debbi Peterson et Vicky Peterson, qui sortit localement un premier 45 tours Getting out of Hand // Call on Me. Annette Zilinskas a assuré le rôle de bassiste en 1982 et a également joué de l'harmonica. Zilinskas est partie en 1983 pour rejoindre Blood on the Saddle et a été remplacée par Michael Steele, du groupe « The Runaways ».

Le groupe fait au début partie de la scène Paisley Underground, mais leur son deviendra bientôt plus pop et le succès sera au rendez-vous. Elles n'ont cependant jamais renié leurs origines et l'ont prouvé par exemple lors de concerts en compagnie de Sky Saxon des Seeds, groupe mythique garage des années 1960.

Les Bangles connaissent une consécration mondiale avec le titre Manic Monday, paru en 1986 et écrit par un mystérieux Christopher... qui n'est autre que Prince (d'après le nom du personnage interprété par lui-même dans le film Under The Cherry Moon : Christopher Tracy). Ce titre fut classé n°2 au Billboard Hot 100 américain en avril 1986, alors que le titre Kiss de Prince était au même moment classé n°1.
À la suite du succès entamé avec Manic Monday, le single suivant fut le titre Walk Like An Egyptian qui se classa n°1 aux USA en décembre 1986. Ces deux titres sont extraits du même album : Different Light.

Bangles - Eternal flame
envoyé par djoik. - Regardez plus de clips, en HD !
Le groupe se sépara brutalement fin 1989, après un nouveau et ultime succès mondial avec le 45 tours n°1 Eternal Flame. Après de nombreux best of, le groupe se reforme en 2000 pour des tournées et quelques enregistrements. En 2003, les filles sortent un nouvel album : Doll Revolution.
En 2008, le groupe est revenu sur scène pour différents concerts aux États-Unis et en Europe.

Discographie :
The real world,1982 mini-LP 5 titres
All Over The Place, 1984
Different Light, 1986
Everything, 1988
Bangles greatest Hits, 1990* Best of, 2001
Doll Revolution, 2003
Walk Like An Egyptian - The Best Of The Bangles, 2009

Albert King

2011-01-31T11:47:00.000-08:00

Biographie:
Albert Nelson est né le 25 avril 1923 dans une famille modeste à Indianola dans le Mississippi près d'une plantation de coton où il travaille pendant sa jeunesse. Ses premières influences musicales lui viennent de son père, Will Nelson, qui joue de la guitare. Pendant son enfance, il chante également à l'église dans un groupe de gospel. Il commence sa carrière professionnelle avec un groupe appelé In the Groove Boys à Osceola dans l'Arkansas.
Son premier succès est la chanson I'm A Lonely Man sortie en 1959. Il doit cependant attendre 1961 et la sortie de Don't Throw Your Love on Me So Strong pour devenir célèbre et atteindre la quatorzième place des classements de R&B. En 1966, il signe pour le label Stax pour lequel il sort en 1967 son album Born Under A Bad Sign.

La chanson titre de cet album (écrite par Booker T. Jones et William Bell) devient le morceau le plus connu de Albert King et il sera repris par de nombreux artistes, entre autres (de Cream à Homer Simpson). Le 1er février 1968, King est embauché par Bill Graham pour ouvrir le spectacle au Fillmore West devant John Mayall et Jimi Hendrix. Albert King est le premier musicien de blues à avoir joué au Fillmore West (il y rejouera plusieurs fois au cours de sa carrière).
Albert King meurt le 21 décembre 1992 d'une crise cardiaque à Memphis.
Albert King était un guitariste gaucher qui jouait généralement sur une guitare de droitier (les cordes n'étant pas inversées) car les guitares pour gaucher n'existaient pas à l'époque ; à l'instar d'Albert King, Jimi Hendrix utilisait une guitare de droitier, mais tenue en position de gaucher. Albert King est également connu pour avoir utilisé des accordages peu communs (comme un accordage de Do (Do-Si-Mi-Sol-Si-Mi) ou de Fa (Do-Fa-Do-Fa-La-Re) lui permettant de réaliser de plus grands bends). Adepte de la guitare électrique, sa guitare la plus célèbre est une Gibson Flying V (avec une forme triangulaire très caractéristique) qu'il avait appelée Lucy, à ne pas confondre avec la guitare Lucille de BB King.

Même s'il représente le Chicago Blues, il enregistra ses meilleurs albums, pendant les années 1970, sur le label de Memphis au service de la Soul et du R&B, Stax records, alors principal concurrent de la Motown (Detroit) au style si différent. Il métissa son Blues du meilleur R&B de l'époque, en s'inspirant du rock et du funk naissant (James Brown, Curtis Mayfield, The Meters, The Mar 's Keys). Son influence sur le blues, le rock, la soul et le funk contemporain est déterminante et de plus en plus reconnue après vingt ans d'oubli de la part du grand public : rythmes funky, suramplification, voix lente, posée, même son style si particulier est copié par de nombreux jeunes bluesmen et rockeurs d'hier à aujourd'hui. En France, il a influencé de nombreux chanteurs, des musiciens comme Paul Personne, Jean-Jacques Milteau ou Bill Deraime.

Albert King
envoyé par soulpatrol. - Clip, interview et concert.
Parmi les musiciens anglophones qu'il a influencés, on peut citer parmi les plus connus Steven Crooper, Keith Richards, Ron Wood, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, Mike Bloomfield, Gary Moore, Buddy Guy, Johnny Copeland, Johnny Winter, Robert Cray, Angus Young. Tous rendent ou lui ont rendu un hommage de son vivant, ou de manière posthume. De nombreuses critiques musicales retrouvent de ci et de là quelques notes, un bend, un refrain, un arrangement qui rappelle son style, sans forcément le copier. Mais de tous ses nombreux héritiers, Stevie Ray Vaughan a sans doute été le guitariste le plus fortement influencé par Albert King comme on peut l'entendre sur ses blues lents ou rapides, et les nombreux hommages qu'il a pu rendre à son aîné.
Par ailleurs, le solo de guitare d'Eric Clapton sur la chanson Strange Brew de Cream en 1967 est une reprise note à note du solo d'Albert King sur Crosscut Saw.
Albert King avait lui-même invité le guitariste irlandais Rory Gallagher à venir jouer avec lui, pour la plus grande fierté du bluesmen irlandais1 ; Stevie Ray Vaughan a par ailleurs fait paraître un CD qu'il avait enregistré avec Albert King : In session -1989- où l'on peut entendre les deux hommes, quelques années avant leurs morts.
Moins connu que BB King, John Lee Hooker ou Muddy Waters, Albert King reste donc comme l'un des grands bluesmen du xxe siècle. Il a profondément influencé la musique contemporaine, beaucoup de chanteurs et musiciens, amateurs ou professionnels, de célèbres guitaristes ou restés inconnus, ont été inspirés consciemment ou non par une œuvre encore largement méconnue du grand public. Son style a profondément été influencé par les valeurs et les croyances d'un Sud si différent du reste des États-Unis, par les traditions liées au gospel, à la méditation et à la prière, enfin par les précurseurs dès les années 1930 et 1940 du jazz et du blues (Howlin' Wolf) alors naissants. Il faut attendre les années 1960 pour qu'à son tour il mâtine son blues de soul, de rock et de funk, et poursuive l'œuvre de création entreprise par des pionniers tels Sam Cooke, Bob Dylan ou Otis Redding, souvent aux frontières des genres.
Discographie :
1962 : The Big Blues, King Records
1967 : Born Under a Bad Sign, Stax Records
1968 : Live Wire/Blues Power, Stax Records
1969 : Years Gone By, Stax Records
1969 : King Of The Blues Guitar, Atlantic Records
1969 : Jammed together (Stax Records) avec Pops Staple et Steve Cropper
1970 : Blues For Elvis - King Does The King's Things, Stax Records
1971 : Lovejoy, Stax Records
1972 : I'll Play The Blues For You, Stax Records
1973 : Blues At Sunset, Stax Records
1973 : Blues At Sunrise, Stax Records
1974 : I Wanna Get Funky, Stax Records
1974 : Montreux Festival, Stax Records
1974 : The Blues Don't Change, Stax Records
1974 : Funky London, Stax Records
1976 : Albert, Tomato Records
1976 : Truckload Of Lovin' , Tomato Records
1977 : I'll Play the Blues For You, Tomato Records (avec John Lee Hooker)
1977 : King Albert, Tomato Records
1979 : New Orleans Heat, Tomato Records
1979 : Chronicle, Stax Records (avec Little Milton)
1983 : Crosscut Saw: Albert King In San Francisco, Stax Records
1984 : I'm In A Phone Booth, Baby, Stax Records
1986 : The Best Of Albert King, Stax Records
1986 : The Lost Session, Stax Records (avec John Mayall)
1989 : Let's Have A Natural Ball, Modern Blues Recordings
1989 : Live, Rhino Records
1990 : Door To Door, Chess Records 8 tracks A.King + 6 tracks Otis Rush
1990 : Wednesday Night In San Francisco, Stax Records
1990 : Thursday Night In San Francisco, Stax Records
1992 : Roadhouse Blues, RSP Records
2007 : The heat of the blues

Alice Cooper

2011-01-18T13:33:00.000-08:00

Biographie :
Alice Cooper (né Vincent Damon Furnier le 4 février 1948 à Détroit, Michigan1) est un chanteur et auteur-compositeur-interprète de Hard rock américain dont la carrière s'étend sur plus de 5 décennies. De par son attitude et son apparence, il est reconnu comme étant le principal père du shock rock2.
Alice Cooper était à l'origine un véritable groupe, avec Vincent Furnier, alias Alice Cooper, aux chants et occasionnellement l'harmonica, Glen Buxton et Michael Bruce à la guitare, Dennis Dunaway à la basse et Neal Smith à la batterie. Le "Alice Cooper Group" est véritablement entré sur le devant de la scène en 1971 avec son premier grand succès international, I'm Eighteen, titre issu du troisième album du groupe, Love It to Death, succès confirmé l'année suivante avec le single School's Out. Le succès commercial du groupe atteint son apogée en 1973 avec l'album culte Billion Dollar Babies.

Après la dissolution du groupe, en 1974, Vincent Furnier entame une carrière solo en conservant le pseudonyme d'Alice Cooper, et sort en 1975 l'album conceptuel Welcome to My Nightmare qui connaitra un succès retentissant. Toujours en activité, son dernier album en date est sorti en 2008, son dix-huitième album solo (et 25e en comptant ceux du groupe), Along Came a Spider et un prochain album est en préparation.

Particulièrement prolifique et éclectique, cette véritable icône du rock traversera différentes phases et différents styles musicaux durant sa carrière (hard rock, art rock, new wave, heavy metal, rock industriel,...), avec une tendance récurrente à soumettre les modes à son propre style. Hors scène, Alice Cooper est connu pour être un personnage sociable spirituel. Il a contribué à façonner le style et l'apparence du heavy metal, et est considéré comme le premier artiste rock à avoir introduit des images d'horreur dans le rock, ses mises en scène et son sens du spectacle ayant « définitivement transformé le genre ». Outre la musique, Alice Cooper est un acteur de cinéma, une célébrité du golf, un restaurateur et, depuis 2004, un animateur de radio animant l'émission Nights with Alice Cooper.
Sur la liste des 100 Greatest artists of Hard Rock (bien que ce classement soit censé classer seulement des artistes de hard rock, il comprend des artistes de plusieurs genres de rock) de VH1, Cooper est classé 20e.

Discographie :

Pretties for You (1969)
Easy Action (1970)
Love It to Death (1971)
Killer (1971)
School's Out (1972)
Billion Dollar Babies (1973)
Muscle of Love (1973)
Welcome to My Nightmare (1975)
Alice Cooper Goes to Hell (1976)
Lace and Whiskey (1977)
From the Inside (1978)
Flush the Fashion (1980)
Special Forces (1981)
Zipper Catches Skin (1982)
DaDa (1983)
Constrictor (1986)
Raise Your Fist and Yell (1987)
Trash (1989)
Hey Stoopid (1991)
The Last Temptation (1994)
Brutal Planet (2000)
Dragontown (2001)
The Eyes of Alice Cooper (2003)
Dirty Diamonds (2005)
Along Came a Spider (2008)

Albert Collins

2011-01-09T14:27:00.001-08:00

Biographie :
Albert Collins est un guitariste et chanteur de blues électrique né le 1er octobre 1932 à Leona (Texas), et décédé le 24 novembre 1993 à Las Vegas (Nevada).
Albert Collins débute sa carrière en se produisant au fil des années 1950 dans divers clubs de Houston et de ses environs. À partir de 1958, il commence à enregistrer ses premiers titres. Développés autour de la thématique du froid (The Freeze, Frosty, etc.) ses morceaux lui valent le surnom de « The Iceman ». L'idée lui serait venu un soir de tempête de neige dans sa voiture, alors que les essuie-glace étaient gelés. Sorti en 1962, Frosty est un premier succès commercial, mais sans véritable suite pour Albert Collins, dont la carrière ne décolle pas vraiment au-delà du Texas.
Un premier tournant survient en 1968 lorsque Albert Collins est découvert lors d'un concert à Houston par Bob Hite, le chanteur du groupe de blues-rock Canned Heat. Albert Collins peut alors surfer sur la vague du Blues Revival qui remet son genre musical en haut de l'affiche et signe un contrat avec la maison de disque Imperial Records qui lui permet d'enregistrer trois albums.

La mode du blues passant, Albert Collins retombe dans un certain anonymat au cours des années 1970. Il lui faut attendre la fin de la décennie pour voir sa carrière véritablement décoller. En 1978, Iceman (surnommé également The Master of Telecaster en référence au modèle de guitare sur lequel il joue) retrouve néanmoins les studios en signant un contrat avec le label Alligator. Il publie l'album Ice Pickin qui est un véritable succès. La glace n'est plus seulement un thème récurrent de ses chansons mais bel et bien un style de jeu à part entière. Son jeu agressif et dynamique donne l'impression qu'il frappe les cordes de sa guitare avec un pic à glace. Il enchaîne avec les albums : Frozen Alive et Don't Lose Your Cool seront également bien accueillis, le dernier recevant la récompense du meilleur album de blues de l'année en 1983, et il sort en 1984 l'album Live in Japan, qui restitue assez fidèlement l'énergie de ses concerts et son blues aux intonations très funky.

En 1986, l'album Showdown! qu'il réalise avec Robert Cray et Johnny Copeland reçoit le Grammy Award du meilleur album de blues traditionnel.
En 1987, il apparaît dans le film Nuit de folie (Adventures in babysitting) où il interprète un chanteur de blues dont la prestation est interrompue par l'arrivée impromptue sur scène des héros qui veulent semer des bandits à leur poursuite. Il leur annonce d'un air autoritaire : « Personne ne part d'ici sans chanter le blues » . Tous se lancent alors dans une improvisation endiablée.
Devenu un des guitaristes de blues les plus cotés de sa génération, Albert Collins publie son dernier album en 1991, simplement intitulé Iceman. L'année suivante, il part dans une longue tournée internationale avec son groupe (The Icebreakers) au cours de laquelle on lui diagnostique un cancer des poumons. L'album issu de cette tournée (Live '92-'93) sortira peu de temps après sa mort.

BONNE ANNEE 2011

2010-12-25T00:00:00.000-08:00

JOYEUX NOEL ET BONNE ET HEUREUSE ANNEE 2011 AUX LECTRICES ET LECTEURS DE CE BLOG !

Booker T & the MG's

2010-12-24T03:52:00.000-08:00

Biographie :
Le groupe est formé de deux musiciens noirs, Booker T. Jones (pianiste et organiste « électrique ») et Al Jackson (batteur), et de deux blancs, Steve Cropper (guitariste) et Donald "Duck" Dunn (bassiste), tous déjà musiciens d'accompagnement pour Stax.
Après une séance d'enregistrement pour Billy Lee Riley en mai 1962, Cropper, Jackson et Jones, accompagnés du bassiste Lewis Steinberg, gravent deux morceaux, dont Behave Yourself. Le patron de Stax Jim Stewart décide de sortir le disque et leur donne pour nom Booker T. & The M.G.'s. Les initiales M.G. signifient tout simplement « Memphis Group ». La face B du disque, Green Onions, morceau précurseur de blues "blanc", électrique, puissant et plein de swing, construit sur une base blues (à savoir My Babe, de Willie Dixon, ou What I Said), remporte un grand succès auprès des D.J. américains. Il se classe en tête de charts R&B et à la 3e place des charts pop. Après deux autres titres, Steinberg est remplacé par Duck Dunn, qui s'entend à merveille avec Jackson.

De 1963 à 1971, les MG's accompagnent toutes les plus grandes stars de Stax et d'Atlantic : Otis Redding, Sam & Dave, Wilson Pickett, Rufus Thomas, Eddie Floyd, Albert King, etc. Ils gravent également une dizaine d'albums sous leur propre nom, dont Hip-Hug-Her en 1967. Ils jouent au festival Monterey Pop avec Otis Redding. Le titre Soul Limbo est utilisé par la BBC comme jingle pour les programmes de cricket.
Leur discographie contient beaucoup de reprises de succès de l'époque, comme What'd I Say de Ray Charles ou Groovin' des Rascals. Ils obtiennent un gros tube en 1968 avec Hang 'Em High, d'après la musique du film Pendez-les haut et court avec Clint Eastwood. Ils cèdent parfois à la facilité, comme dans l'album McLemore Avenue, une reprise intégrale de l'Abbey Road des Beatles.

Après dix ans, les quatre musiciens surmenés décident de se séparer, non sans enregistrer un dernier album pour Stax : Melting Pot. Ils ont participé à l'enregistrement de plus de six cents disques et ont façonné le son de la soul de Memphis. Dunn et Jackson furent un des duos rythmiques les plus célèbres de l'Histoire. Ils assuraient un tempo métronomique d'une simplicité extraordinairement efficace. Cropper, guitariste de génie, également compositeur, et Jones, n'étaient pas en reste. Ce dernier, parfois remplacé par Isaac Hayes, apportait une touche jazzy à l'ensemble.
Dunn et Booker T. Jones tentent de reformer les M.G.'s en recrutant le guitariste Bobby Manuel et le claviériste Carson Whitsett, mais le décès d'Al Jackson en 1975 met fin à l'entreprise. Steve Cropper et Duck Dunn se retrouvent en 1980 au sein des Blues Brothers. Les trois survivants accompagnent Neil Young lors d'une tournée mondiale en 1990. Ils enregistrent un album de retrouvailles (That's The Way It Should Be) en 1994 et se retrouvent tous trois pour la suite du film The Blues Brothers. Ils sont entrés au Rock and Roll Hall of Fame en 1992 et reçoivent le Grammy Lifetime Achievement Award en 2007.
Green Onions fut repris par Brian Auger.

Discographie :
Green Onions (1962)
Soul Dressing (1965)
And Now! (1966)
In The Christmas Spirit (1966)
Hip Hug-Her (1967)
Back To Back (1967) - live
Doin' Our Thing (1968)
Soul Limbo (1968)
Uptight (1969) - bande originale film
The Booker T Set (1969)
McLemore Avenue (1970)
Melting Pot (1971)
Universal Language (1977)
That's The Way It Should Be (1994)

BUDDY GUY

2010-11-23T15:40:00.000-08:00

Biographie :
George « Buddy » Guy, né le 30 juillet 1936 à Lettsworth (Louisiane), est un musicien américain de blues et de musique rock. Il est le père de la rappeuse Shawnna.
Influencé dès son enfance par John Lee Hooker, Muddy Waters et Howlin' Wolf qui lui donneront plus tard envie d'émigrer vers Chicago, il se fabrique à l'âge de treize ans une guitare de fortune à partir d'une moustiquaire et d'un morceau de bois. Mais, c'est à seize ans que son père lui offre sa première vraie guitare, une deux cordes. Buddy joue alors simplement de la guitare pour passer le temps.
Quelque temps plus tard, alors qu'il est assis sur le seuil de sa maison en train de jouer de la guitare, un inconnu l'aborde, lui dit qu'il le regarde jouer chaque soir et qu'il voudrait lui offrir une guitare neuve. Et c'est ainsi que Buddy se retrouve le lendemain avec une guitare flambant neuve, plus motivé que jamais pour imiter ses idoles. Dès lors, il s'entraîne avec assiduité et se donne rapidement en concert à Bâton-Rouge avec les bluesmen locaux comme le Big Poppa John Tilley Band, Lightnin' Slim, Guitar Slim, Slim Harpo ou Lazy Lester. Mais Buddy sait déjà que son avenir n'est pas dans ce Sud ségrégationniste et pense déjà à partir au Nord des États-Unis. En quête d'un emploi bien payé, il part en 1957 pour Chicago, la ville de ses idoles. À cette époque, il n'imagine pas encore faire carrière dans la musique.

Sweet home chicago buddy guy et eric clapton
envoyé par noodle69. - Regardez plus de clips, en HD !
Arrivé à Chicago, il parcourt la ville pendant plusieurs jours, sans argent, jusqu'à ce qu'il rencontre un homme qui lui demande s'il peut lui jouer de la guitare en échange d'un whisky. Buddy Guy accepte et emballe l'inconnu qui le conduit aussitôt dans une boîte où joue un de ses amis, un certain Otis Rush. Et alors même que Rush s'apprête à partir, Buddy se met à jouer The things I used to do. Otis dira seulement au patron de l'engager.
Dès lors Buddy, qui joue plusieurs fois par semaine, ne tarde pas à attirer un large public et se fait même remarquer par Muddy Waters qui lui prodiguera quelques conseils. Dans cet amas de bars à blues, Buddy croise d'autres jeunes qui eux aussi ne tarderont pas exploser comme Magic Sam, Earl Hooker ou Freddie King. Mais c'est surtout la rencontre avec sa première source d'inspiration, B.B. King, qui restera la plus bénéfique pour Buddy. Sa notoriété grandissante l'entraîne alors sur les différentes scènes de Chicago en compagnie d'autres bluesmen de renom : avec Otis Rush au Club 708 ou encore au Trianon Ballroom avec B.B. King.
En 1958, Buddy rencontre Willie Dixon et enregistre grâce à lui pour le label Cobra Sittin' and cryin' the blues avant de devenir, pour Chess, guitariste de studio, puis en solo. Il enregistre ainsi avec Ike Turner (This is the end), Otis Rush, Sonny Boy Williamson, Muddy Waters et Willie Dixon. Parallèlement à sa carrière de sideman, il enregistre aussi en solo, entre 1958 et 1964, plusieurs 45 tours, Sit and cry, Try to quit my baby..., Broken hearted blues et surtout First time I met the blues qu'on retrouve aujourd'hui réunis sur les deux CD Buddy Guy on Chess vol. 1+2.
Buddy se produira ensuite avec l'harmoniciste Junior Wells sur l'album Buddy Guy & Junior Wells play the blues et sort en 1960 les singles Let me love you baby et Ten years ago. On le retrouve également sur l'album live Blues from Big Bill's enregistré au Copacabana Club à Chicago avec ses amis Howlin' Wolf et M. Waters.
Mais le grand succès n'arrive qu'au milieu des années 1960. Durant les années 1960 et 1970, il enregistre plusieurs classiques du Chicago blues comme A man and the blues, This is Buddy Guy (avec Clapton), Hold that plane et surtout Stone Crazy. Grâce au soutien d'Eric Clapton qui le cite souvent comme une de ses grandes influences, Buddy parvient à toucher facilement le public blanc et part en tournée à travers le monde. En 1965, il joue en Europe à l'American folk blues festival. En 1967, il est cette fois-ci au Mariposa folk blues festival à Toronto. En 1970, il fait la première partie de la tournée française des Rolling Stones. Néanmoins Buddy se fait progressivement oublier des maisons de disques pendant les années 1970.

Les années 1980, marquées par la new wave, mettent l'ensemble des bluesmen à l'écart du succès public. Pendant cette période Buddy Guy sort notamment, avec son ami Junior Wells, Buddy Guy and Junior Wells play the blues, Buddy Guy and the Juniors, Drinkin' TNT ou encore Going back ressorti en 1991 sous le titre Alone & acoustic.
En 1989, Buddy ouvre son club Legend à Chicago. Au début des années 1990 poussé par un renouveau du blues aux États-Unis et en Europe, il sort un album qui relance sa carrière : Damn right, I've got the blues en compagnie de Mark Knopfler, Jeff Beck et Eric Clapton. Il sort juste après, en 1993, l'album Slippin' in et joue au côté de jeunes bluesmen comme Jonny Lang.
En 2001, il sort Sweet Tea, un album lancinant et moite dans la tradition du blues hypnotique de Junior Kimbrough, dont Guy fait quelques reprises dans Sweet Tea, et dont il a recherché le même style de son.
Buddy Guy est aujourd'hui considéré comme une légende du blues, au même titre que BB King, John Lee Hooker, Muddy Waters ou Albert King.
Discographie :
1967 Left My Blues in San Francisco, Chess
1968 A Man & the Blues, Vanguard
1968 This Is Buddy Guy! [Live], Vanguard
1970 Buddy Guy, Junior Wells & Junior Mance Buddy and the Juniors, Blue Thumb
1971 In the Beginning (1958/64), Drive
1972 Buddy Guy & Junior Wells Play the Blues, Atlantic
1972 Hold That Plane!, Vanguard
1974 Drinkin' TNT 'n' Smokin' Dynamite [live], Blind Pig
1977 Live in Montreux, Evidence
1979 Pleading the Blues, Evidence
1979 Buddy & Phil Guy, JSP
1979 Got to Use Your Head, Blues Ball
1980 The Dollar Done Fell, JSP
1981 Stone Crazy!, Alligator
1982 DJ Play My Blues, JSP
1983 Buddy Guy, Chess
1983 The Original Blues Brothers Live, Magnum
1985 Ten Blue Fingers, JSP
1987 Chess Masters, Chess
1987 Complete DJ Play My Blues Session, JSP
1988 Breaking Out, JSP
1988 Live at the Checkerboard Lounge, JSP
1989 I Ain't Got No Money, Flyright
1991 Alone & Acoustic, Alligator
1991 Damn Right, I've Got the Blues, Silvertone
1992 My Time After Awhile, Vanguard
1993 Live At The Mystery Club, Quicksilver
1993 Feels Like Rain, Silvertone
1994 Drinkin' TNT 'n' Smokin' Dynamite, Sequel
1994 Slippin' In, Silvertone (Grammy Award du Meilleur disque de Blues contemporain)
1995 I Cry, Blues Masterworks
1996 Live: The Real Deal, Silvertone
1997 Try to Quit You Baby, Ronn
1998 As Good as It Gets, Vanguard
1998 Heavy Love, Silvertone
1998 Last Time Around -- Live at Legends, Jive
1999 The Real Blues, Columbia River
2001 Sweet Tea, Jive
2002 Blue on Blues, Fuel 2000
2002 Everything Gonna Be Alright, Black & Blue
2003 Blues Singer, Silvertone (Grammy Award du Meilleur disque de Blues traditionnel)
2003 Chicago Blues Festival 1964 [live], Stardust
2005 Bring 'Em In, Jive
2008 Skin Deep, Silvertone
2010 Living proof, Silverstone records

Evènement au POPB ! ZZ top & les Doobies !

2010-10-18T12:12:00.000-07:00

Un jour à marquer d'une pierre blanche, ce samedi 16 octobre 2010, les Doobie Brothers et ZZ top en concert exceptionnel au palais omnisport de Paris-Bercy.La salle était comble. Tous les fans étaient là et n'ont pas été déçu. Les Doobies ont joué une heure sans interruption leur musique rock californien impeccable, très professionnel et toujours plein de fraîcheur même après 40 années de succès. Tom Johnston et ses potes ont dû trouver l'élixir de l'éternelle jeunesse. Huit musiciens sur scène, deux batteries, un rock d'enfer parfois un peu trahi par une sono beaucoup trop puissante qui nuisait un peu aux harmonies soignées d'une musique géniale et qui n'a pas pris une ride...
Entracte, puis arrivées des légendes barbues. A la première note, le public savait qu'ils étaient enfin là, les trois tueurs texans. La classe, la puissance, le rock quoi. Tout est impeccable, règlé au millimètre. L'énergie du blues, du rock et du boogie à l'état pur. 90 minutes de folie absolue. Ils ont rejoué pas mal de tubes, mais ils en ont tellement à leur palmarès qu'il en a manqué à l'appel bien sûr. Le public ravi eut même droit à un bel hommage à BB.King et à Jimi Hendrix, ce qui a permis à Gibbons de démontrer, s'il en était besoin, qu'il est toujours un des très rares véritables guitar-héros de notre temps.
CC.RIDER was here... C'était unique et pas prêt sans doute de se reproduire. Merci la miss...

Eagles

2010-10-03T10:57:00.000-07:00

Biographie:
Le groupe Eagles a été formé à Los Angeles en 1971 par Glenn Frey.
À ses débuts, le groupe est constitué de quatre membres : Randy Meisner (chant/basse), Bernie Leadon (chant/guitare/banjo), Don Henley (chant/batterie) et son fondateur Glenn Frey (guitare, piano et chant).
Le premier album du groupe sort en 1972 sous le titre de The Eagles. Ce premier album va rencontrer un très grand succès, notamment grâce au titre Take it easy.

Leur second album, Desperado, sort l'année suivante.
En 1974, les Eagles enrôlent un nouveau guitariste, Don Felder. Le groupe va alors enregistrer un troisième album, On the Border, qui aura un tel succès qu'il va à lui seul faire connaître le groupe de part et d'autre de l'Atlantique.
L'année suivante (1975) paraît leur quatrième album, One of These Nights, avec comme titre phare Lyin'Eyes. Peu de temps après la sortie de l'album, Bernie Leadon décide de quitter le groupe. Il est dès lors remplacé par Joe Walsh, le guitariste de James Gang.
En 1976 sort le plus connu de tous les albums du groupe, Hotel California.

Eagles "Hotel California"
envoyé par Origine. - Regardez la dernière sélection musicale.
Certains pensent que la chanson éponyme de l'album a certainement été inspirée par celle de Jethro Tull, écrite par Ian Anderson, 'We Used To Know' sur l'album Stand Up publié en 1969. Mais l'écoute consécutive de ces deux chansons permet seulement de remarquer la similitude de la musique.
En 1979, après le départ du premier bassiste Randy Meisner, remplacé par Timothy B. Schmit, le groupe enregistre un sixième album qu'il croit alors être son dernier, The Long Run. Cet album sera suivi d'un double live, sorti alors que le groupe est officiellement séparé. Les tensions apparues dans le groupe ont fini par le dissoudre. Don Henley disait alors que le groupe ne se reformerait que lorsqu'il "gèlerait en enfer" (Hell Freezes Over).

En 1994, soit quatorze ans après la séparation du groupe, celui-ci fait toujours parler de lui grâce à son titre phare Hotel California. Ce succès va pousser le groupe à se reformer pour une tournée et un nouvel album, Hell Freezes Over, qui est constitué de quatre nouvelles compositions et des plus grands succès du groupe en version "live". Un titre d'un album solo de Don Henley y apparait également (New-York Minute).
Les tensions ont disparu et le groupe dira très ironiquement au début de leur tournée qu' "il ne s'est jamais séparé, il a simplement prit quatorze ans de vacances"! Un DVD suivra cette tournée, avec les morceaux du dernier album, mais aussi d'autres titres des carrières solo de Don Henley (The Heart Of The Matter) et Joe Walsh (Help Me Through The Night). Mais encore une fois, les problèmes ressurgissent et Don Felder finira par être évincé du groupe. Le groupe est donc désormais constitué de Glenn Frey, Don Henley, Joe Walsh et Timothy B. Schmit
Enfin, le groupe signe un double album, Long Road Out Of Eden, dont la sortie en octobre 2007 accompagne leur retour sur scène..
Discographie :
Eagles(1972)
Desperado (1973)
On the Border (1974)
Eagles (1975)
Hotel California (1976)
The Long Run (1979)
Long Road Out Of Eden (2007)

Le nouveau roman de B.VIALLET "Les Faux As" maintenant disponible

2010-08-30T02:16:00.000-07:00

« Dans la Cité des Asphodèles ou plutôt la téci des Faux As, la vie n'est pas toujours rose. Les jeunes s'ennuient. Certains tiennent les murs et commencent à mal tourner, d'autres se réfugient dans les mondes virtuels. L'amour de Pierre et d'Awa leur permettra-t-il de dépasser les préjugés et des interdits ? »
Véritable suite du « Mammouth m'a tuer », ce roman social ou sociétal est basé sur des faits réels et des expériences vécues, mais présentés différemment pour des raisons déontologiques évidentes. « Toute ressemblance avec des personnes existantes... etc... »
Les lecteurs de http://wwwetpourquoidonc.fr// ont pu en lire plusieurs chapitres en avant-première. Une version papier et/ou fichier pdf est disponible chez :http://www.thebookedition.com/les-faux-as-bernard-viallet-p-43273.html.
Ce livre a été placé au banc d'essai du site MyMajorCompanyBooks. Il doit recueillir les suffrages d'une majorité d'internautes pour pouvoir être proposé à des « producteurs » et être publié chez un grand éditeur. Si ce texte vous a plu, n'hésitez pas à aller le soutenir chez : http://www.mymajorcompanybooks.com/Auteurs/bernardviallet/ . Merci d'avance et bonne lecture à tous.

Blue County

2010-08-20T16:26:00.000-07:00

Biographie :
Blue County fut créé en 2003 par Aaron Benward et Scott Reeves, deux chanteurs et acteurs amis de longue date. Engagés par Curb Records la même année, le duo sortit son premier single "Good Little Girls" qui fut N°11 au Billboard country charts au début de 2004, et fut le premier de quatre qui figurèrent sur leur album éponyme produit par Dann Huff. En 2004 également, le duo se produisit au Country Music Association Music Festival.

Après "Good Little Girls" arriva le single "That's Cool", qui arriva 24ème dans les charts country. "Nothing but Cowboy Boots" et "That Summer Song" suivirent en 2005, arrivant respectivement 38ème et 53ème. Leur 5ème single, "Firecrackers and Ferris Wheels", en 2006, n'entra pas dans les charts. Leur dernière production pour Curb fut "I Get To", qui, à l'instar de "Firecrackers and Ferris Wheels" ne fut jamais inclus dans un album. Après avoir enregistré deux chansons pour la bande sonore de « the Evan Almighty », Blue County quitta Curb en 2007.
Benward rejoignit Brian McComas dans le groupe Dirt Road Hotel à la fin des années 2000.
Discographie :
2004 : Blue County

BR5-49

2010-07-27T15:14:00.000-07:00

Biographie:
BR549 (dont le nom se prononce BR 5-49 est un groupe américain de musique country qui fut fondé en 1993 et qui comprenait au départ Gary Bennett (chanteur et choeurs, guitare acoustique), Don Herron (steel guitar, Dobro, violon, mandoline, guitare acoustique), "Smilin'" Jay McDowell (basse), Chuck Mead (choeur, guitare acoustique et electrique), et "Hawk" Shaw Wilson (batterie, choeurs). Bennett and McDowell quittèrent le groupe en 2001, Chris Scruggs et Geoff Firebaugh les remplacèrent. Plus tard, Firebaugh and Scruggs quittèrent aussi le groupe; Mark Miller devint le troisième bassiste.

BR549 a publié six albums et deux EPs, dont trois chez Arista Nashville et deux chez Dualtone Records. Le premier album du groupe eut trois chansons classées au Billboard country, dont "Cherokee Boogie" en 1996.
BR542 est souvent classé comme groupe d'alternative country alors qu'il oscille entre le traditionnel, le swing, le rockabilly et le progressive.
Leur nom bizarre viendrait du numéro de téléphone d'un vendeur de voitures d'occasion dans la série télévisée humoristique Hee Haw de Junior Samples.

Discographie :
1996 : BR5-49
1998 : Big Backyard Beat Show
2000 : Coast to Coast
2001 : This is BR549
2004 : Tangled in the Pines
2006 : Dog Days

CLIFTON CHENIER

2010-06-05T14:52:00.000-07:00

Biographie:
Clifton Chenier (né à Opelousas, près de Lafayette, le 25 juin 1925 - Mort à Lafayette, le 12 décembre 1987) était un musicien de zydeco, un mélange de musique cajun et créole avec des influences de jazz, de blues. Il jouait de l'accordéon.
Il apprend très jeune à jouer de l'accordéon grâce à son père Joseph Chenier. Il commence à jouer dans les bals du samedi soir avec son frère Cleveland Chenier à la washboard (littéralement "planche à laver", instrument de musique appelé "frottoir" en Louisiane).
En 1945 il quitte la ferme familiale pour aller travailler dans les champs de canne à sucre. Il part ensuite vers Lake Charles rejoindre son frère Cleveland. Il y rencontre d'autres musiciens de zydeco et affine son style.

Sa carrière professionnelle commence en 1954, quand il signe avec Elko Record et enregistre Cliston's blues (sous le nom de Cliston Chanier) qui fit un succès local. Il continue avec Ay-téte-fee (Hé, petite fille, l'orthographe du titre cadien a connu beaucoup de variantes !) qui le fit connaître plus largement.
Il fait de nombreuses tournées avec les Zydeco Ramblers et signe avec Chess Records en 1956. Le label Chess ne fait pas trop de publicité à ses disques. Il le quitte en 1958 et s'installe à Houston.
Il signe enfin chez Arhoolie Records en 1964 qui élargit son audience au public blanc. L'Europe l'accueille en 1969 à l'American Folk Blues Festival.

En 1973 il signe la musique du film d'Alain Corneau France société anonyme. En 1979 on lui diagnostique un diabète grave et on doit l'amputer d'un pied.
Sa carrière est couronnée par un Grammy Award dans les années 1983.
Il meurt en 1987 d'une maladie des reins.
Son fils C.J. Chenier a pris la relève et continue sa musique en produisant des concerts et des disques.
Discographie :
Clifton Sings the Blues (2004)
Louisina Blues & Zydeco/Bon Ton Roulet (2001)
Live at Grant Street (2000)
Comin' Home (2000)
Live at 1966 Berkeley Blues Festival (2000)
Cajun Swamp Music (1999)
Bayou Bayou (1999)
In New Orleans (1998)
Zydeco Sont Pas Sale (1997)
I'm Coming Home (1996)
On Tour (1996)
We're Gonna Party (1994)
Live at St. Mark's (1988)
60 Minutes with the King of Zydeco (1988)
Bogalusa Boogie (1987) * Sings the Blues (1987)
The King of Zydeco (1985)
Live! at the Long Beach & San Francisco Blues Festivals (1985)
Country Boy Now (1984)
The King of Zydeco Live at Montreux (1984)
I'm Here! (1982)
Live at San Fransisco Blues Festival (1982)
Blues & Zydeco (1981)
Boogie 'n' Zydeco (1980)
Bayou Soul (1979)
Clifton Chenier & His Red Hot Louisiana Band in New Orleans (1979)
Clifton Chenier and His Red Hot Louisiana Band (1978)
Cajun Swamp Music Live (1978)
Frenchin' the Boogie (1976)
Bagalusa Boogie (1975)
Out West (1974)
Clifton Chenier Live (At a French-Creole Dance) (1973)
Bayou Blues (1970)
King of the Bayous (1970)
Clifton's Cajun Blues (1970)
Louisiana Blues (1969)
Black Snake Blues (1966)
Louisiana Blues & Zydeco (1965)

The Dixie Chicks

2010-05-08T03:56:00.000-07:00

Biographie:
Les Dixie Chicks sont un trio féminin américain de musique country formé par Emily Robison, Martie Maguire et Natalie Maines. Elles sont le deuxième groupe féminin meilleur vendeur, tous genres confondus, derrière les Destiny's Child.
Le groupe a été formé en 1989 à Dallas (Texas). Après des années de lutte et de changements personnels, la musique country et pop des Dixie Chicks a atteint un succès phénoménal, qui a débuté à la fin des années quatre-vingt-dix avec des tubes comme Wide Open Spaces, Cowboy Take Me Away et Long Time Gone. Jusqu'en 2007, elles ont remporté 14 Grammy Awards. Le groupe commence à être bien connu aux États-Unis pour leurs personnalités animées, leur virtuosité, leur goût de la mode et leurs commentaires francs à propos de la politique.

En particulier, les critiques publiques émises par la chanteuse Natalie Maines à propos du Président américain George Walker Bush, à la veille de l'invasion de l'Irak en 2003, ont abouti à une polémique considérable pour le groupe, qui leur a coûté près de la moitié de leur public aux États-Unis, comme relaté dans le documentaire sorti en 2006 Dixie Chicks: « Shut Up and Sing » (Fermez-là et chantez !)

Lors de la 49e cérémonie des Grammy Awards (2007), les Dixie Chicks ont remporté les cinq Grammy Awards pour lesquels elles étaient nominées, dont celui de l'Album de l'Année. Elles interprètent ce vote entre autres comme une réaction à la tempête qui avait été causée par les critiques de Natalie Maines.

Discographie :
Avec les membres initiaux:
1990: Thank Heavens for Dale Evans
1992: Little Ol' Cowgirl
1993: Shouldn't a Told You That
Avec Natalie Maines:
1998: Wide Open Spaces
1999: Fly
2002: Home
2003: Top of the World Tour: Live
2006: Taking the Long Way

Fats Domino

2010-04-04T15:26:00.000-07:00

Biographie :
Fats Domino, de son vrai nom Antoine Dominique Domino, né le 26 février 1928 à La Nouvelle-Orléans, est un chanteur américain de Rhythm and blues, l'un des pionniers du rock'n'roll. Pianiste dont le jeu est souvent qualifié de Boogie-woogie, il fut influencé par Amos Milburn. Il est l'auteur du rock Ain't That A Shame et le plus célèbre interprète de la ballade de 1940 Blueberry Hill.

On peut reconnaître à Fats d’avoir donné un style et un son particulier à la musique rock, dite révolutionnaire à l’époque, même s'il y avait peu de paroles choquantes ou scandaleuses. Pour Fats, ses chansons n’étaient pas révolutionnaires et ne faisaient qu’amplifier ses racines et ses traditions afro-américaines d’origine créole et catholique, mais elles étaient nouvelles pour la majorité de la population américaine. C’était plutôt une menace au statu quo des blancs dans la musique.

Fats Domino - Blueberry Hill
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Il est reconnu pour son r&b sensuel d’origine créole que les musiciens et musicologues identifient souvent comme du « boogie-woogie ». Ce qui le distingue des autres musiciens, même ceux qui ont repris ses chansons, c’est son rythme original et unique (qu’il appelait le « Big Beat ») et sa voix enrouée. Ce « Big Beat » est vite devenu synonyme de l’expression rock ‘n’ roll permettant facilement aux spectateurs de danser au rythme de ses chansons. Son rythme syncopé fut la racine du ska Jamaïque, précurseur du reggae. Ses notes triolets, au piano, sont utilisées dans tous les genres de musiques populaires.
Fats Domino est parmi les dix premiers honorés dans le Rock ‘n’ Roll Hall of Fame. Lors de la cérémonie,Billy Joel l’introduisit en le remerciant d'avoir donné au piano tant d’importance dans les instruments du rock ‘n’ roll.
Même si Domino a été l’artiste rock ‘n’ roll le plus célébré, avec le plus grand nombre d'admirateurs fervents après Elvis dans les décennies 1950 et 1960, il est aujourd’hui celui qui est le plus oublié étant même absent des grandes encyclopédies de la musique rock telles que « The Rough Guide to Rock » et « The Great Rock Discography (1st Edition) ».
Discographie :
1949: The Fat Man
1955: Carry on Rockin’
1956: Rock and Rollin’
1957: This is Fats Domino!
1958: Here stands Fats Domino
1958: This is Fats
1958: The Fabulous "Mr. D"
1959: Let's play Fats Domino
1959: Fats Domino Swings
1960: A lot of Dominoes
1961: I miss you so
1961: Let the four winds blow
1961: What a party
1962: Twistin’ the Stomp
1962: Million Sellers by Fats
1963: Here comes...Fats Domino
1964: Fats on Fire
1965: Getaway with Fats Domino
1965: Domino ’65 (Live)
1968: Fats is back
1970: Fats
1974: Live at Montreux - Hello Josephine (Live ’73)
1979: Sleeping on the Job
2006: Alive and kickin´
2007: Greatest Hits - Walking To New Orleans

COUNTRY RENDEZ-VOUS CRAPONNE 2010

2010-03-21T12:17:00.000-07:00

En avant première, les principaux invités du festival qui aura lieu les 23, 24 et 25 juillet 2010 :
Ray Wylie Hubbard

RADNEY FOSTER

ROBERT EARL KEEN (Images Hubble)

GRASCALS

DALE ANN BRADLEY

QUEBE SISTERS

SUSAN HICKMAN

BIG JOHN MILLS

LUCKY TUBB

LONE STAR SWING

MITCH WEBB & SWINDLES

MISS LESLIE & HER JUKE-JOINTERS

DOC MARSHALLS

KEVIN BUCKLEY

Cephas & Wiggins

2010-03-17T13:59:00.000-07:00

Biographie :
Cephas & Wiggins fut un duo de blues acoustique composé du guitariste John Cephas (4/09/1930 – 4 Mars 2009) et de l'harmoniciste Phil Wiggins (né le 8 Mai1954). Ils se rendirent célèbres par un style de musique traditionnelle appelé « Piedmont Blues ».
Tous deux étaient originaires de Washington D.C., bien que Cephas soit de 25 ans plus agé que Wiggins. Ils firent connaissance à une jam-session du Smithsonian's Festival of American Folklife en 1975 ou 1976, et commencèrent à jouer ensemble dans le groupe Wilbert "Big Chief" Ellis's band. A la mort d' Ellis, ils prirent la décision de continuer à jouer mais en duo.
En 1980, Cephas & Wiggins furent découvert par deux musicologues allemands, Siegfried Christmann et Axel Kustner qui les enregistrèrent.
En 1986, Cephas & Wiggins sortirent Dog Days of August, leur premier album américain sur le label Flying Fish Records. En 1989, Cephas fut récompensé au titre du National Heritage Fellowship.
Il y eut encore deux albums chez Flying Fish. Ensuite, ils quittèrent ce label pour en produire un chez Chesky Records basé à New-York, et quatre autres chez Alligator Records.
Cephas est décédé de mort naturelle le 4 Mars 2009 à l'âge de 78 ans. En 2008, le duo avait enregistré un dernier disque, Richmond Blues chez Folkways Records.

Discographie :

1981 Living Country Blues USA Vol. 1 (L+R)
1984 Sweet Bitter Blues (L+R, reissued by Evidence Records in 1994)
1985 Let It Roll: Bowling Green (Marimac)
1986 Dog Days of August (Flying Fish)
1987 Guitar Man (Flying Fish)
1988 Walking Blues (Marimac)
1992 Flip, Flop & Fly (Flying Fish)
1993 Bluesmen (Chesky)
1996 Cool Down (Alligator)
1999 Homemade (Alligator)
2002 Somebody Told the Truth (Alligator) U.S. Blues #6[9]
2006 Shoulder to Shoulder (Alligator)
2008 Richmond Blues (Smithsonian Folkways)
[edit]
1998 Goin' Down the Road Feelin' Bad (Evidence) compilation of L+R materials
2000 From Richmond to Atlanta (Rounder) compilation of Flying Fish materials

Festival country de MIRANDE

2010-03-10T02:48:00.000-08:00

A l'affiche du festival country 2010 de Mirande (Gers) du 13 au 18 juillet...
(Pour plus d'info :
http://www.country-musique.com/)

LAURETTE CANYON

LAS VARGAS

TRANS ZEB EXPRESS

BURNING DUST

BILLY CURTIS

MISS LAUREN MARIE

RICK BROUSSARD

MITCH JACOBS

JIM STRINGER

WELDON HENSON

CELTIC SAILORS

ROSE MARY LOU

HORTON BROTHERS

MIKE SANCHEZ

ROGER WALLACE

HUGUES AUFFRAY

SANSEVERINO

Johnny Cash

2010-02-16T10:38:00.000-08:00

Biographie :

Johnny Cash (né J.R. Cash à Kingsland, Arkansas, États Unis, et décédé le 12 septembre 2003 à Nashville, Tennessee) était un chanteur, guitariste et auteur-compositeur de musique country américain. Il a également pratiqué les styles Rock and Roll, Rockabilly, Blues, Folk ou encore Gospel.
Avec 90 millions d'albums vendus au long de ses cinquante années de carrière, il est considéré comme une figure majeure de la musique américaine du xxe siècle.
Il est aussi connu pour son engagement politique et son action en faveur des détenus pénitentiaires devant lesquels il s'est souvent produit.
Johnny Cash naît le 26 février 1932, pendant la Grande Dépression, dans une famille pauvre et rurale d'origine écossaise de Kingsland, Arkansas, États-Unis. Ses parents ne pouvant s'entendre sur le prénom à donner au jeune garçon, il est seulement baptisé des initiales J.R. Il adoptera le prénom John au moment de son engagement dans l'armée de l'air des États Unis, qui ne veut pas d'un soldat doté de seules initiales, puis prendra Johnny comme nom de scène en 1955.
Dès l'âge de cinq ans, il travaille avec sa famille dans les champs de coton et y est imprégné des chants des travailleurs. Le sud des États-Unis est alors baigné par le folk, les hymnes religieux, le gospel et la country. Les temps sont durs et les difficultés de la famille, qu'elles soient dues aux conséquences de la Grande Dépression ou à une inondation, inspireront plusieurs des futures chansons de Cash. Fasciné par les chansons entendues à la radio, le jeune J.R. reçoit l'enseignement musical de sa mère et d'un ami d'enfance, et commence très tôt à jouer de la guitare et à écrire des chansons. Il se produira même à la radio avant même d'être sorti du lycée.

Young Johnny Cash - I walk the line
par LostPirate77

Très proche de son frère Jack, de deux ans son aîné, Cash reste définitivement marqué par la mort de celui-ci, qui est presque coupé en deux par une scie circulaire sur laquelle il travaillait, à l'âge de 14 ans. Cash était absent lors du drame, et a exprimé à de nombreuses reprises la culpabilité qu'il ressentait quant à cet événement, affirmant voir souvent son frère en rêve.
Après plusieurs expériences de travail difficiles dans plusieurs domaines, Cash s’enrôle dans l’US Air Force et est envoyé à San Antonio, au Texas, pour y être entraîné à l'interception de communication radio codées. Il part ensuite pour la base aérienne de Landsberg, en Allemagne. Il y restera trois ans, pendant lesquelles il écoute les communications des soviétiques, achète sa première guitare et forme son premier groupe. Il est démobilisé le 3 juillet 1954, avec le grade de sergent, et retourne vivre au Texas. Un mois plus tard, le 7 août, il épouse Vivian Liberto (1934-2005), qu'il avait rencontrée au cours de sa formation militaire. Ils auront quatre filles, Rosanne (née le 24 mai 1955), Kathy (née le 16 avril 1956), Cindy (née le 29 juillet 1958) et Tara (née le 24 août 1961), mais leur mariage ne résistera pas à la vie mouvementée de Cash, à ses problèmes avec l'alcool et les drogues et à son infidélité, et ils divorceront en 1966.

En 1954, Johnny Cash et sa femme déménagent à Memphis, dans le Tennessee, où il travaille comme vendeur tout en étudiant pour devenir speaker à la radio. Il passe ses nuits à répéter avec deux amis musiciens, le guitariste Luther Perkins et le contrebassiste Marshall Grant, qui se font appeler les Tennessee Two. Il trouve finalement le courage de solliciter une audition à la maison de disque de Sam Phillips, Sun Records, berceau du Rock and Roll blanc dont elle accueille notamment les pionniers Elvis Presley et Jerry Lee Lewis. Peu impressionné par le gospel que lui présente le groupe, Phillips les encourage à trouver leur propre son, et finit par les signer lorsque Cash lui chante les chansons qu'il a lui même écrites, dans le style frénétique qui fera la célébrité de son groupe. Leur premier enregistrement pour Sun, comprenant "Hey Porter" et "Cry Cry Cry", sort en 1955 et se vend raisonnablement bien.
Dès lors, tout s'accélère : le single suivant de Cash, Folsom Prison Blues, atteint la 5e place des meilleurs ventes country, puis I Walk The Line se classe premier. Suit en juin 1957 Home of the Blues, après quoi Cash devient le premier artiste Sun à sortir un album, les singles régnant alors en maître sur le marché du disque. Mais le label de Sam Phillips devient rapidement trop petit pour Cash, pourtant son artiste le plus vendeur : Elvis Presley a déjà quitté Sun, et Phillips se concentre désormais sur la carrière de Jerry Lee Lewis. En 1957, à la recherche de plus de liberté artistique, le chanteur accepte l'offre alléchante de la compagnie de disque Columbia Records. Sur cette étiquette, il enregistre au début des années 1960, Don’t Take Your Guns to Town et The Ballad of Ira Hayes.

A la même époque, il tourne avec la Carter Family, famille de musiciens country légendaire aux Etats Unis. Une relation ambiguë naît entre Cash et l'une des filles de la famille, June Carter, chacun étant de son côté marié et chargé de famille.
Au début des années 1960, Cash commence à consommer de grandes quantité d'alcool et de drogues, notamment pour tenir lors des longues et difficiles tournées (comptant pas moins de 300 spectacles par an, souvent dans des lieux très éloignés qu'il faut rejoindre en voiture). Il devient rapidement dépendant des amphétamines et des barbituriques, qui affectent grandement son comportement. Pendant quelque temps il partage un appartement à Nashville avec le chanteur country Waylon Jennings, lui aussi dépendant des amphétamines. Cash affirmera plus tard avoir essayé "toutes les drogues qu'on pouvait essayer".
Bien que perdant peu à peu tout contrôle sur sa vie, Cash reste très productif et les succès continuent : en 1963 sort le titre Ring of Fire, chanson écrite par June Carter et Merle Kilgore et décrivant le "cercle de feu" entourant le chanteur, référence à sa dépendance à l'alcool et à la drogue. Avec son arrangement original de cuivres dans le style des mariachis, une idée de Cash, la chanson atteint la 1ère place des charts country, et entre au Top 20 des ventes de disques Pop.
En juin 1965, le camion qu'il conduit prend feu, provoquant un vaste feu de forêt qui détruit plusieurs kilomètres carrés de bois dans le parc national de Los Padres en Californie, dévastant trois montagnes et tuant 49 des 53 condors -espèce protégée- qu'abritait le parc. Ne montrant guère de remords au cours de son procès, Cash est condamné à une amende de 125 172 dollars, dont il finira par payer 82 000. Cash affirmera être la seule personne jamais poursuivie par le gouvernement américain pour avoir déclenché un feu de forêt.
En 1965 il est arrêté à El Paso (au Texas) par la brigade des stupéfiants, qui le soupçonne de transporter de l'héroïne depuis le Mexique, mais il est rapidement relâché, on ne trouve, cachés dans son étui de guitare, que des amphétamines et barbituriques légaux, pour lesquels il dispose d'une ordonnance. Il est néanmoins condamné à une peine avec sursis. Il est à nouveau arrêté le 11 mai 1965, à Starkville, Mississippi, pour s'être introduit en pleine nuit dans un jardin privé dans le but d'y cueillir des fleurs. Ce sera la source de sa chanson Starkville City Jail. Malgré ces incidents, Cash ne passera jamais plus d'une nuit en prison, ce qui ne l'empêchera pas de cultiver une image romantique de détenu endurci, de nombreux fans croyant réellement qu'il a passé des années au pénitencier de Folsom.

Johnny Cash in Dublin 01
par thenelaware

Au milieu des années 1960, Cash sort plusieurs albums concept, dont Bitter Tears en 1964, sur le thème des indiens d'Amérique, et Ballads Of the True West en 1965, disque expérimental qui mêle chansons traditionnelles du Far West et interventions parlées. C'est la pire période de ses problèmes de drogue, et son comportement erratique provoque son divorce d'avec sa première femme et de nombreuses annulations de concerts. Ce qui ne l'empêche pas d'obtenir en 1967 un Grammy Award, avec June Carter, pour la chanson Jackson.
En 1968, Cash parvient à se sevrer de la drogue. Il affirmera dans son autobiographie avoir eu une révélation surnaturelle après une tentative de suicide sous l'influence de la drogue. Il serait descendu dans une caverne pour y mourir, mais le souffle de Dieu l'aurait poussé à en sortir et à recommencer sa vie. Il vit cet épisode, réel ou fantasmé, comme une véritable seconde naissance. Plus prosaïquement, il reçoit l'aide de June Carter et de sa famille (dont sa mère Maybelle Carter), qui s'isolent chez lui pendant un mois pour s'occuper de sa désintoxication. Cash redécouvre sa foi religieuse, célébrant l'évenement par une cérémonie dirigée par le Pasteur Jimmy Rodgers Snow, fils du célèbre musicien country Hank Snow. Il demande la main de June Carter, qui a promis de l'épouser quand il serait "clean", sur scène au cours d'un concert au Londons Garden, à London au Canada, le 22 février 1968.

Johnny Cash & June Carter-1967
par LostPirate77

Impressionné en Allemagne par le film documentaire Inside the Walls of Folsom Prison (1951), Johnny Cash s'est intéressé au sort des détenus, inspirant son célèbre morceau Folsom Prison Blues, et son image romantique de prisonnier. A la fin des années 1960, il commence à se produire pour les pensionnaires de diverses prisons des États Unis. En résulteront deux célèbres albums live, Johnny Cash at Folsom Prison (1968) et Johnny Cash at San Quentin (1969).
A noter que l'album At Folsom Prison fut originellement édité dans une version censurée, débarrassée des diverses grossièretés proférées par Cash et le public au cours du concert. Les rééditions sur CD présentent l'intégralité du spectacle et des échanges entre les chansons, bien qu'une partie des réactions du public soient en fait des sons enregistrés en studio et ajoutés au mixage. L'album Johnny Cash at Folsom Prison figure dans le National Recording Registry de la Bibliothèque du Congrès, et a été classé dans la liste Les 500 plus grands albums de tous les temps du magazine Rolling Stone.
A l'occasion des concerts à la prison de Folsom, Cash rencontre le détenu Glen Sherley, lui-même chanteur country, dont il interprète la chanson Greystone Chapel, qui figure sur l'album live. La partition lui avait été donnée la veille seulement par le pasteur de la prison. Cash prendra ensuite fait et cause pour Sherley, parvenant à faire démarrer sa carrière de chanteur et même à le faire libérer de prison. Mais Sherley supportera mal la liberté et la vie de musicien célèbre, retombera dans l'anonymat dans les années 1970 avant de se suicider en 1978. Cet échec n'empêchera pas Cash de continuer à s'engager politiquement pour améliorer le sort des prisonniers aux États-Unis.

De 1969 à 1971, Johnny Cash présente sa propre émission de télévision, enregistrée au Ryman Auditorium de Nashville : The Johnny Cash Show, sur la chaîne américaine ABC. Il y reçoit régulièrement la Carter Family ou Carl Perkins, mais aussi des artistes plus contemporains, souvent assez éloignés des goûts de son public le plus conservateur : Neil Young, Louis Armstrong, Kenny Rogers and The First Edition, James Taylor, Ray Charles, Eric Clapton (au sein du groupe Derek and the Dominos), Kris Kristofferson et Bob Dylan.
Cash avait rencontré Dylan au milieu des années 1960. Admirateurs de longue date l'un de l'autre, ils étaient devenus amis alors qu'ils étaient voisins à Woodstock, dans l'État de New York, à la fin des années 60. Cash a contribué à relancer la carrière de Dylan après les années de réclusion de celui-ci suite à son accident de moto de 1966, chantant en duo avec lui sur l'album Nashville Skyline et en rédigeant les notes de pochette, pour lesquelles il obtiendra un Grammy Award.

Kris Kristofferson, quant à lui, commençait à se faire un nom en tant qu'auteur-compositeur lorsque son passage au Johnny Cash Show donna à sa carrière un sérieux coup de pouce. Cash refusa en effet, contre l'avis des cadres de la chaîne, de lui faire changer les paroles de la chanson Sunday Mornin' Comin' Down, qui comprenait une allusion à la drogue : "On a Sunday morning sidewalk / I'm wishin', Lord, that I was stoned" ("Sur ce trottoir le dimanche matin / Mon Dieu, que j'aimerais être défoncé").
Au début des années 1970, Cash est connu comme "The Man in Black" ("l'Homme en Noir") à cause de ses tenues de scène noires, qui contrastent fortement avec les tenues de scènes des autres groupes country de l'époque, généralement vêtus de chapeaux de cowboys et de costumes bariolés, mais aussi car il portait également du noir en dehors de la scène, dans sa vie quotidienne. En 1971, Cash écrit la chanson The Man in Black, renforçant encore cette singulière image. Aujourd'hui encore, on en trouve des traces dans la culture américaine : ainsi les uniformes noirs de la marine des États Unis sont surnommés des "Johnny Cashes".

Johnny Cash Willie Nelson - I Still Miss Someone
par rappa1

Au milieu des années 1970, la popularité de Cash commence à décliner, ainsi que ses ventes de disques. Il enregistre alors notamment des pièces d’auteurs progressistes tels que Bob Dylan, Kris Kristofferson et Nick Lowe. Ces collaborations ne sont pas sans prix : de nombreuses stations de radio country boycottent ce nouveau style à la faveur d’artistes au son plus populaire. Cash se lance alors dans la rédaction de son autobiographie, intitulée The Man in Black, qui est publiée en 1975 et se vend à plus d'1,3 millions d'exemplaires.
En 1980, Cash devient le plus jeune lauréat vivant du Country Music Hall of Fame. Ses années 1980 sont toutefois assombries par des problèmes de santé, un succès discographique amoindri et la fin de son association avec Columbia Records. Cash continue tout de même à parcourir l’Amérique à bord de son bus de tournée, tant en solo qu’avec ses amis Waylon Jennings, Willie Nelson et Kris Kristofferson, au sein du supergroupe The Highwaymen. Formé au milieu des années 80, le quatuor réalisera avec succès deux albums.
En 1983, il retombe momentanément dans ses problèmes de dépendance aux drogues, suite à l'absorption d'analgésiques à l'hôpital, où il est soigné après avoir été blessé par un animal dans sa ferme. De retour à l'hôpital pour des problèmes de cœur en 1988, Cash refuse cette fois l'usage d'anti-douleurs, bien que devant subir un double pontage !

JOHNNY CASH - GHOST RIDERS IN THE SKY
par hushhush112

La carrière de Cash, ainsi que ses relations avec l'establishment de la musique country à Nashville, sont au plus bas dans les années 1980. Vexé par la passivité de Columbia Records, qui ne fait à cette époque plus aucun effort de promotion à son égard, il enregistre une chanson et une vidéo auto-parodiques, « Chicken in Black » (« Le Poulet en Noir"), dans laquelle son cerveau est transféré dans le corps d'un poulet, tandis qu'on lui transplante l'encéphale d'un braqueur de banques. L'effet ne se fait pas attendre, et son contrat avec Columbia est rapidement rompu.
En 1986, Cash retourne aux studios Sun, où il a fait ses débuts, pour enregistrer avec Roy Orbison, Jerry Lee Lewis et Carl Perkins l'album Class of '55.
En 1997, on diagnostique à Johnny Cash une maladie neurodégénérative, le syndrome de Shy-Drager. Le diagnostic est ensuite changé en neuropathie associée au diabète. L'année suivante, il est hospitalisé pour une pneumonie sévère, qui endommage ses reins. La maladie force Cash à restreindre ses activités musicales et ses tournées, ce qui ne l'empêche pas d'enregistrer les albums American III: Solitary Man (2000) et American IV: The Man Comes Around (2002), qui contiennent de nombreuses allusions à ses problèmes de santé. Le second contient notamment une reprise du morceau Hurt du groupe de Rock Industriel Nine Inch Nails, particulièrement saluée par la critique et le public.
Le 15 mai 2003, June Carter décède d'une complication chirurgicale, à l'âge de soixante-treize ans. Suivant le voeux de son épouse, Cash continue à travailler, se produisant notamment en concert avec la Carter Family. Il donne son ultime concert le 5 juillet 2003, et décède à son tour le 12 septembre 2003, au Baptist Hospital de Nashville, seulement quatre mois après son épouse. Johnny Cash est inhumé avec June Carter près de leur maison, au Memorial Gardens de Hendersonville, Tennessee.

Hollywood Argyles

2010-02-12T15:08:00.001-08:00

Biographie:
Les Argyles Hollywood étaient furent de doo-wop fondé par le producteur / compositeur Kim Fowley, étudiant à l'université High School dans l'ouest de Los Angeles. Ils firent un tube "Alley Oop" en 1960, puis disparurent.
Selon Gary Paxton - qui, à l'époque, était la moitié de Skip & Flip ( "It Was I", "Cherry Pie") - "Alley Oop" a été écrit par Dallas Frazier comme un air de country:
« Quant au nom, Kim Fowley et moi vivions dans un studio à 15 $ la semaine à Hollywood .... Comme j'étais encore sous contrat (à Brent Records), je ne pouvais pas mettre mon nom sur « Alley Oop ». Voyant que le studio était à l'angle de Hollywood Blvd. et de la rue Argyle, j'ai donné au groupe de nom « Hollywood Argyles ».   «À part moi, il n'y avait pas de réel Hollywood Argyles. Tous les autres sur la piste étaient soit des amis soit des musiciens de studio à qui j'ai donné 25 $ chacun pour la session. Lorsque "Alley Oop" soudainement a décollé et queles gens ont voulu nous réserver pour des concerts, il n'y avait pas vraiment de groupe.
Quand "Alley Oop" a été produit par Kim Fowley, le déjà célèbre Sandy Nelson était là, comme percussionniste.
Il a d'ailleurs rappelé: "Tous les participants étaient complètement ivres au moment où ils ont enregistré cette chanson ...."

BO DIDDLEY

2009-12-28T13:19:00.000-08:00

Biographie :

Ellas Otha Bates McDaniel plus connu sous le nom de Bo Diddley, né à McComb (Mississippi) le 30 décembre 1928 et mort le 2 juin 2008 à Archer en Floride, était un bluesman, guitariste, chanteur et compositeur américain. Il est reconnu comme l'inventeur du diddley beat, forme évoluée et transposée sur la guitare du jungle beat, qui caractérise l'éclosion achevée du Rock en 1955 et de tout ce qui s'en suit.
Son pseudonyme lui vient du nom donné à un instrument rudimentaire, constitué d'un morceau de fil de fer accroché à un mur sur lequel on faisait glisser un goulot de bouteille selon la technique du bottleneck, et qui remplaçait la guitare chez les apprentis musiciens noirs des débuts du blues. Cet instrument, le diddle ou diddley bow est avec le jug (bouteille servant de basse dans laquelle on soufflait) à la base de l'invention des musiques afro-américaines.
Bo Diddley est né dans une famille pauvre du Mississippi alors que sa mère n'avait que 16 ans. Son père mourant peu après sa naissance, il est adopté par une cousine de sa mère qui le lui confie : Gussie McDaniel, seulement âgée de 15 ans mais formant un foyer. Il prendra le nom de McDaniel mais continuera à y accrocher celui de Bates. Des incertitudes existent aussi quant au premier prénom qui lui fut donné, celui de Ellas ou de Otha. Il aura cependant comme nom d'usage : Ellas McDaniel.
La famille McDaniel déménage en 1934 à Chicago dans la banlieue sud réputée comme un quartier difficile. Il y étudie, s'orientant finalement vers la lutherie, y pratique de petits métiers et apprend à se défendre.
En 1952, il acquiert un ampli de guitare d'où il va sortir son premier vrai son saturé allié à une réverbération généreuse. Il bidouillera lui-même l'un des tous premiers effets trémolo/vibrato avec un réveil et quelques pièces de mécanique et il crée alors son premier son spécifique qu'il va toujours plus explorer et élargir.
L'activité musicale étant trop saisonnière pour en vivre, il concède de produire une maquette comportant 2 titres : Uncle John et I'm a man. Rapidement repéré, il signe en 1954 un contrat de sortie pour un disque avec la Chess Records et Uncle John devient Bo Diddley.
Avec son premier single double face comportant Bo Diddley (A) et I'm a Man (B) sorti en 1955, il invente ou révèle au grand public un rythme qui sera abondamment repris dans le monde du blues et du rock. On le nomme jungle beat ou diddley beat. Le disque atteint la seconde place des charts Rhythm'n Blues aux États-Unis.

Bo Diddley - Hey Bo Diddley & Bo Diddley
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Si le diddley beat de la chanson Bo Diddley est considéré comme original et singulier, le riff ainsi que les paroles de I'm a Man sont souvent considérés comme inspirés d'une chanson de Muddy Waters, Hoochie Coochie Man écrite par Willie Dixon en janvier 1954. Waters, ami et collègue de Diddley à la Chess Records, lui donnera une réponse en sympathie avec Mannish Boy en 1955 juste après la sortie de son single pour lui signifier qu'il venait d'entrer dans la cour des grands.
Elvis Presley, performant depuis moins d'un an seulement, se montre fan de Bo Diddley et ce dernier attribue le développement des contorsions suggestives et caractéristiques du King, à l'inspiration ou l'audace qu'il a acquise en regardant Bo Diddley sur scène, telle sa prestation au Carnegie Hall de New York cette même année.
Le 20 novembre 1955, il passe au Ed Sullivan Show qu'il rend furieux. Annoncé comme un musicien de Folk et censé jouer sagement un morceau devenu classique de la musique country, Sixteen Tons de Tennessee Ernie Ford, comme il était convenu, il interprétera sans avertir Bo Diddley. Le très respecté Ed Sullivan lui dira qu'il est "l'un des premiers hommes de couleur à l'avoir jamais trahi (doublé)". Face à cette expression ressentie comme raciste et autoritaire (castratrice), Bo Diddley avouera s'être retenu de lui casser la figure. Suite à cet évènement, il sera empêché de pratiquer plusieurs autres shows et Ed Sullivan lui dira que sa carrière serait finie avant 6 mois. Cependant, Bo Diddley venait de lancer son premier tube sur les ondes et en kiosque tout en ayant tenu tête au système médiatique alors soumis à la ségrégation et au conservatisme.
En 1956 il fait la connaissance de celle qui deviendra en 1957 Lady Bo, Peggy Jones, la toute première guitariste de Rock, toujours active et dont il affirme qu'elle est la seule à connaitre les voies de l'origine. Parmi les femmes qui l'ont accompagné se trouve aussi celle qu'il a surnommée la Duchesse, the Duchess (1962-1966), Norma-Jean Wofford. Elle permit la transition durant l'envol en solo de Lady Bo avec son propre groupe (Lady Bo & The Family Jewel) et Bo avait fait passer la Duchesse pour une demie-sœur uniquement pour alimenter la curiosité de ceux qui osaient demander où avait pu passer Lady Bo. Il avait appris la guitare à la Duchesse et elle était entourée de deux autres choristes : Gloria Morgan et Lily "Bee Bee" Jamieson, dont le trio en compagnie de Diddley est connu sous le nom de Bo-ettes. Elle quitta à son tour le groupe pour fonder sa famille, puis il y eut notamment Cornelia Redmond surnommée Cookie ainsi que Debby Hastings.

Bo Diddley Roadrunner
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Il écrit en 1957 sous le pseudonyme de sa femme d'alors, Ethel Mae Smith, le titre Love is Strange pour le duo Mickey et Sylvia (Mickey Baker et Sylvia Robinson, créatrice de Sugar Hill Records) qui en font l'un des plus grands classiques du Rhythm and Blues. Il sera repris par Buddy Holly, les Everly Brothers, Sonny and Cher, Paul Mac Cartney, Everything But the Girl, etc., ainsi que dans le film Dirty Dancing.
Il influencera plusieurs groupes des sixties : The Rolling Stones, The Yardbirds, The Strangeloves, The Pretty Things, The Animals, Led Zeppelin, The Shadows of Knight, The Kinks, The 13th Floor Elevators, The Kingsmen, The Who, The Them et la scène rock'n'roll en général (selon l'expression des Animals dans leur reprise en 1964 de The Story of Bo Diddley qu'ils réarrangent et développent).
Les Moody Blues eux-mêmes lui consacreront des prestations live remplies d'admiration et d'énergie. Parmi ses fans et pairs ayant fait des reprises sans jamais payer de droit durant des concerts, sous couvert de bienveillance honorifique tel des medleys, on compte aussi Janis Joplin et Jimmy Hendrix.
Dans les années 1960, il produit beaucoup de morceaux dont certains sont accompagnés de paroles parlées à l'instar de son hit Say Man (1958), sur un mode cependant différent de celui de John Lee Hooker, qui sont les pales prémisses du Rap et du Slam mais en tout cas un signe de liberté musicale et de recherche de mode d'expression qui deviendront chères à Frank Zappa à la fin des années 1960. Sur certaines chansons primordiales comme Who do you love (1956) et I'm a man (1955) il adopte et développe cependant le style chanté de Hooker.
Il passe haut la main la fameuse épreuve du train relative aux bluesmen qui est d'imiter le train avec la guitare avec le morceau Please Mister Engineer (1961) où il réaffirme le son saturé et son importance, ainsi que sa toute simplicité (toujours très relative avec Bo Diddley). Il n'utilise pas le diddley beat à proprement parler sur cette chanson. Bo Diddley pense par ailleurs qu'avec son diddley beat il a trouvé « le son d'un train de marchandises » . Il n'y a aussi qu'un pas à croire que le diddley beat serait la 30ème chanson perdue de Robert Johnson, relatée dans ce même film, selon la légende du pacte à la croisée des chemins (Robert Johnson, Cross Road Blues, 1936). Le Diable enlèverait les âmes contractantes à l'age de 27 ans (Jimi Hendrix, Brian Jones, Janis Joplin, Jim Morrison, Robert Johnson...) mais ne put rien contre Bo Diddley qui à 27 ans (1955) lutte a contrario contre toute signature contraignante et toute soumission au système : à la Bête, qui le renvoie et cherche à l'écarter (Ed Sullivan). Pour illustration de ce lien logique légendaire, Eric Clapton reprendra le morceau Cross Road Blues de Johnson, certainement de manière intuitive et spontanée, avec son groupe Cream en 1968 puis durant sa carrière solo, en retrouvant de plus en plus le diddley beat primordial qui animait leur version. Robert Johnson et Bo Diddley semblent liés par la légende du Blues, l'un ayant flirté avec l'image du Diable, l'autre n'ayant jamais cru en lui, mais ils auraient pourtant rassemblé à tous les deux le registre entier du Rock ou qui le permet.
Les Rolling Stones débutent leur carrière en tournant avec Bo Diddley en 1964. Ils lui voueront une admiration toujours renouvelée et feront plusieurs reprises en s'en inspirant régulièrement. Ils l'inviteront par la suite dans plusieurs de leurs concerts pour jouer avec eux.
Avec le morceau Bodiddley-itis enregistré la décennie suivante (1972), il compte démontrer aux mauvaises langues - intriguées par la qualité peaufinée que prennent ses albums à la fin des années 1960 - qu'il maitrise en effet toujours la scène et qu'il faut même se passer des studios pour n'avoir qu'à jouer et performer. Il y exécute de remarquables sauts et contorsions (la guitare entre les jambes) toujours avec son célèbre jeu de jambes, et avait fortement influencé Pete Townshend des Who (dont beaucoup de morceaux sont des diddley beats comme Magic Bus de 1968). Pete Townshend étant finalement devenu le maitre médiatique de la hard-attitude et des sauts avec guitare (bien au-delà des Led Zeppelin), Bo Diddley renchérira sur le même morceau live (Bo Diddley at his Best) en imitant jusqu'au saut spécifique de Pete.

Discographie :

Bo Diddley (1958)
Go Bo Diddley (1959)
Have Guitar-Will Travel (1960)
Bo Diddley In The Spotlight (1960)
Bo Diddley Is A Gunslinger (1960)
Bo Diddley Is A Lover (1961)
Bo Diddley's A Twister (1962)
Bo Diddley (1962)
Bo Diddley & Company (1962)
Surfin' with Bo Diddley (1963)
Bo Diddley's Beach Party (1963)
Bo Diddley's 16 All-Time Greatest Hits (1964)
Two Great Guitars (avec Chuck Berry) (1964)
Hey Good Lookin' (1965)
500% More Man (1965)
The Originator (1966)
Super Blues (avec Muddy Waters & Little Walter) (1967)
Super Super Blues Band (avec Muddy Waters & Howlin' Wolf) (1967)
The Black Gladiator (1970)
Another Dimension (1971)
Where It All Began (1972)
Got My Own Bag of Tricks (1972)
The London Bo Diddley Sessions (1973)
Big Bad Bo (1974)
20th Anniversary of Rock & Roll (1976)
I'm A Man (1977)
Ain't It Good To Be Free (1983)
Bo Diddley - His Greatest Sides - Volume 1 (1984)
Bo Diddley & Co - Live (1985)
Hey...Bo Diddley in Concert (1986)
Breakin' Through The BS (1989)
Living Legend (1989)
Rare & Well Done (1991)
Live At The Ritz (avec Ron Wood) (1992)
This Should Not Be (1992)
Promises (1994)
The Mighty Bo Diddley (1995)
A Man Amongst Men (1996)
Moochas Gracias (avec Anna Moo) (2002)

Arlo Guthrie

2009-11-28T11:28:00.001-08:00

Biographie :
Arlo Guthrie est né à Brooklyn, New York, il est le fils du chanteur folklorique et compositeur Woody Guthrie et de Marjorie Mazia Guthrie, danseuse professionnelle, figurante au Martha Graham Company et fondatrice du Comité pour combattre la maladie de Huntington (maladie qui a provoqué la mort de Woody en 1967).
Ayant reçu le diplôme de l'école de Stockbridge au Massachusetts en 1965, il passe ensuite très rapidement au Rocky Mountain College.
Comme chanteur, compositeur de chansons et activiste politique perpétuel, Arlo a toujours suivi la route de son père légendaire. Il reçut le Peace Abbey Courage of Conscience Award le 26 septembre 19922.

Il écrivit la chanson Alice's Restaurant Massacree en 1967, une critique satirique du service militaire obligatoire aux États-Unis au moment de la guerre du Vietnam, dans le style humoristique des hippies. Il s'agit d'une histoire vraie vécue en 1965 : Arlo et un ami avaient vidé les poubelles de leurs amis Alice et Ray en les jetant en bas d'une colline. Ils furent arrêtés par l'officier Obie et durent comparaître devant le juge, ramasser les déchets et payer une amende de 25$. À la fin de l'histoire de la chanson, Arlo ne peut pas servir dans l'armée à cause de son passé de délinquant. En 1969, il joua son propre rôle dans le film Alice's Restaurant tiré de l'histoire dans la chanson et mis en scène par Arthur Penn.
Il fut aussi présent au festival de Woodstock (1969) où il interpréta son plus célèbre titre Coming into Los Angeles. Il a su se faire un prénom grâce à ce titre qui incarne l'état d'esprit hippie.

Il a rendu populaire City of New-Orleans, morceau de Steve Goodman, qui est la version originale de Salut les amoureux chanté en français par Joe Dassin.
Depuis, Arlo Guthrie poursuit sa carrière et a fait, fin 2006, une série de concerts en Allemagne avec Hans-Eckardt Wenzel, musicien et poète allemand.
Une de ses filles, Sarah Lee Guthrie, chante aux côtés de Johnny Irion ; une autre, Cathy Guthrie est la moitié du groupe Folk Uke, avec Amy Nelson, fille de Willie Nelson.
Discographie :
1967 : Alice's Restaurant (Reprise), musique du film éponyme d'Arthur Penn
1968 : Arlo
1969 : Running down the road (Warner) avec Ry Cooder produit par Lenny Waronker et Van Dyke Parks
1969 : Washington County (Warner) avec Ry Cooder produit par Lenny Waronker
1972 : Hobo's Lullaby
1973 : Last of Brooklyn cowboys avec Ry Cooder produit par Lenny Waronker
1974 : Arlo Guthrie (Warner) avec Ry Cooder, Jim Keltner, Chris Ethridge..
1975 : Together In Concert (Live with Pete Seeger)
1976 : Amigo
1977 : The Best of Arlo Guthrie
1978 : One Night (with Shenandoah)
1979 : Outlasting the Blues (with Shenandoah)
1981 : Power Of Love
1982 : Precious Friend (with Shenandoah and Pete Seeger)
1986 : Someday
1990 : Baby's Storytime
1991 : All Over the World
1992 : Son of the Wind
1992 : 2 Songs
1994 : More Together Again (Live with Pete Seeger)
1995 : Alice's Restaurant - The Massacree Revisited
1996 : Mystic Journey
1997 : This Land Is Your Land: An All American Children's Folk Classic
2001 : Bouncing Around the Room on Sharin' in the Groove
2002 : BanjoMan - a tribute to Derroll Adams
2005 : Live In Sydney
2007 : In Times Like These

ALAN JACKSON

2009-11-23T07:56:00.000-08:00

Biographie :

Alan Eugene Jackson (né le 17 octobre 1958 à Newnan, Géorgie) est un chanteur américain de musique country ayant vendu plus de 50 millions de disques. Il est influencé par la country traditionnelle, et il est l'un des plus populaires dans ce genre, pendant les années 1990, mélangeant le honky tonk et les sonorités country classiques. Il a composé lui-même plusieurs de ses succès. Dans sa carrière, il a enregistré une vingtaine d'albums et plusieurs compilations, tous sous le label Arista Nashville. Plus de 50 de ses singles ont atteint le Top 30 (dans la catégorie country) selon le classement du magazine Billboard, dont 25 ont atteint la première place. Il a reçu de nombreuses récompenses dans le domaine de la musique cuntry. Il participe également au programme Grand Ole Opry, et a été intronisé au Georgia Music Hall of Fame en 2001.
Alan est le fils d'Eugene Jackson et Ruth Musick, il a quatre soeurs aînées. Dans sa jeunesse, il a d'abord écouté de la musique gospel, sans être un mordu de musique. Cependant, un de ces amis lui fit découvrir la musique de Gene Watson, John Anderson et Hank Williams Jr.. Alan monta un groupe après sa sortie de la High school. Quelques temps après, Alan et sa femme, Denise, partirent de Newnan pour s'installer à Nashville dans l'espoir de se consacrer à la musique à plein temps.

Dans le Tennessee, Alan travaillait pour The Nashville Network (au service postal). Denise l'a mis en relation avec Glen Campbell, qui l'a aidé à démarrer sa carrière. Jackson signa finalement avec Arista.
Son premier album, paru de façon indépendante (sous label Americana Records) en 1987, est intitulé : "New Traditional". Il inclut les titres : "W. Lee O'Daniel And The Light Crust Dough Boys", "They Call Me A Playboy", "Just Forget It, Son" et "Merle and George".
Sa carrière solo a débuté en 1989, après son départ du groupe "The Strayhorns" qui était composé de Monty Allen, Danny Groah, Robbie Flint, Mark McClurg, Bruce Rutherford, Tony Stephens et Roger Wills.
Son deuxième album, Here in the Real World (1989), paru sous label Arista Records, était un franc succès, tout comme son troisième album, Don't Rock the Jukebox (1991). Son album A Lot About Livin' (And a Little 'bout Love) (1992) fut également un succès, engendrant cinq singles majeurs. Toujours en 1992, Randy Travis planifiait trois singles co-écrits par Jackson : "Forever Together", "Better Class of Losers", et "I'd Surrender All". Inversement, Travis co-écrivit le single de Jackson : "She's Got the Rhythm (And I Got the Blues)".

En 1994, Jackson quitta sa société de production, Ten Ten Management, qui supervisait jusqu'à maintenant sa carrière, et se dirigea vers Gary Overton.
C'est à ce moment que Jackson commença à se faire connaître pour ses talents de compositeur. Parmi les chanteurs de musique country qui ont co-écrit des chansons avec Jackson, citons Clay Walker ("If I Could Make a Living"), Chely Wright ("Till I Was Loved By You") et Faith Hill ("I Can't Do That Anymore").
"Alan Jackson: The Greatest Hits Collection" est paru le 24 octobre 1995. Le disque contient 17 hits, deux chansons nouvellement enregistrées ("I'll Try" et "Tall, Tall Trees"), et la chanson "Home" de son deuxième album, jamais parue en tant que single.
Avec la sortie de « Under the Influence » en 1999, il prit le risque de conserver un son traditionnel pour son album, bien que la tendance de la radio country était aux sons pop-rock.
Quand la Country Music Association (CMA) demanda à George Jones de réduire sa participationt à 90 secondes lors des 1999 CMA awards, il décida de boycotter l'événement. En guise de solidarité, Jackson interrompit sa chanson et reprit celle de Jones : "Choices."
Après que la musique country prit une nouvelle tournure en direction de la musique pop dans les années 2000, Jackson et George Strait critiquèrent l'état actuel de la musique country dans la chanson "Murder on Music Row". La chanson suscita un débat au sein de la communauté de la musique country à propos de la fin ou non de la musique country "traditionnelle". Le duo fut invité à inaugurer la cérémonie des Academy of Country Music Awards (ACMAs) de 2000 avec une interprétation de leur titre. Après le 11 septembre 2001, Jackson fit paraître "Where Were You (When the World Stopped Turning)". La chanson devint un succès et le propulsa rapidement sur le devant de la scène.
Aux CMA Awards de 2001, Jackson interpréta la chanson "Where Were You When the World Stopped Turning". Sa performance fut de l'avis général, le clou du spectacle, et le site web de Jackson croula sous les requêtes les jours suivants. La chanson vint soudainement à Jackson, elle n'avait pas été prévue pour une quelconque parution officielle. Mais sa interprétation en direct fut diffusée à la radio puis parut finalement en tant que single.
Jackson sortit un album de Noël, intitulé Let It Be Christmas, le 22 octobre 2002.

Jeannie Kendall contacta Jackson pour un duo, et il suggéra la chanson "Timeless and True Love". Elle figure sur son premier album solo, sorti en 2003.
Au début de l'année 2006, Jackson fit paraître son premier album gospel intitulé « Precious Memories », suite à la requête de sa mère, qui apprécie la musique religieuse. Jackson considéra cet album comme un projet parallèle, qui n'avait rien d'officiel, mais il fut reçu comme tel par le public. L'album fut peu ou non diffusé par les stations de radio, et n'eut pas le même succès que ses prédécesseurs.
Seulement quelques mois après la sortie de « Precious Memories » en 2006, Jackson sortit son album suivant : « Like Red on a Rose ». Le producteur principal d'Alan, Keith Stegall, ne prit pas part à cet album. Ce fut Alison Krauss qui produisit l'album, elle choisit également les titres.
Bien qu'il fut classé "country" ou "bluegrass", « Like Red on a Rose » utilisait de nouvelles sonorités, ce qui chagrina ses fans, faisant croire à certains d'entre eux que Jackson abandonnait son style traditionnel pour des sonorités pop.
Cependant, pour son album suivant, il revint à ses racines country. « Good Time », parut le 4 mars 2008. Le premier single de l'album, "Small Town Southern Man", fut diffusé à la radio le 19 novembre.
"Country Boy" et "Sissy's Song" sortirent également sous forme de single. "Sissy's Song" est dédiée à une amie de longue date de la famille d'Alan (Leslie "Sissy" Fitzgerald). Fitzgerald fut tuée dans un accident de moto à la moitié de l'année 2007.
Alan travaille actuellement à son prochain album, dont la sortie est prévue en automne 2009.

Discographie :

Here in the Real World (1990)
Don't Rock the Jukebox (1992)
A Lot About Livin' (And a Little 'Bout Love) (1993)
Honky Tonk Christmas (1993)
Who I Am (1994)
The Greatest Hits Collection (1995)
Everything I Love (1996)
High Mileage (1998)
Under the Influence (1999)
Super Hits (1999)
When Somebody Loves You (2000)
Drive (2002)
Let It Be Christmas (2002)
Greatest Hits Volume II (2003)
What I Do (2004)
Precious Memories (2006, gospel)
Like Red On A Rose (2006)
Good Times (2008)

BILL HALEY

2009-11-03T14:59:00.000-08:00

Biographie :

Bill Haley (6 juillet 1925- 9 février 1981) est le premier artiste blanc à réellement avoir du succès dans le rock and roll avec son groupe Bill Haley & His Comets et leur chanson “Rock around the clock”.
Né sous le nom William John Clifton Haley Junior (certaines sources ajoutent Junior à son nom mais son frère aîné a déclaré que c'était une erreur) à Highland Park banlieue de Detroit dans le Michigan, il grandit en Pennsylvanie. En 1946, Haley rejoint son premier groupe professionnel, les Down Homers. Il sort quelques titres de country dans les années 1940 pour des labels, comme Cowboy Records. En 1948-1949, il travaille aussi comme musicien itinérant et DJ. En 1951, avec son groupe The Saddlemen, il change de style et enregistre des reprises remarquées de rock afro-américain comme Rocket 88 (Jackie Brenston & His Delta Cats) et Rock this Joint (Jimmy Preston), qui lui donnent la clé du succès. Ils convainquent Haley qu'il pourrait peut-être avoir d'autres succès dans le rock and roll. En 1952, The Saddlemen deviennent Bill Haley and His Comets. En 1953, l'enregistrement de sa chanson Crazy Man, Crazy devient le premier titre de rock and roll blanc à atteindre les charts américains. Le fait qu'il soit originaire de Pennsylvanie, un état du nord, contribue à ce qu'il enregistre des compositions d'artistes noirs. Un artiste du sud les dédaignerait plutôt, ou craindrait le qu'en-dira-t-on. Il faudra attendre 1954 pour que dans le Tennessee (état du sud), Elvis Presley reprenne ce principe dont Haley fut un pionnier, et fasse logiquement scandale en reprenant le répertoire et les attitudes suggestives des afro-américains - avec le succès que l'on sait.
En novembre 1952, une chanson intitulée Rock around the clock a été écrite pour Bill Haley mais il n'a pas été possible pour lui de l'enregistrer avant le 12 avril 1954 parce que Jimmy DeKnight n'en voulait pas. À l'origine (mai/juin 1954), "RATC" entre dans le Top 40 et atteint la 23e place et est n° 17 au Royaume-Uni en décembre. Haley fait un succès international de sa reprise de Shake, Rattle and Roll qui s'écoule à 1 million d'exemplaires. Haley et son groupe ont joué un rôle majeur dans le lancement du rock and roll auprès d'un plus large auditoire, notamment les blancs après des années pendant lesquelles ce style était encore marginal.

Bill Haley - Rock Around The Clock
par SamFisher037

Quand Rock Around the Clock apparaît en 1955 sur la bande originale du film Graine de violence ((The) Blackboard Jungle), c'est une véritable révolution musicale qui ouvre la porte à Elvis Presley et bien d'autres. Pendant les années 1950, Haley continue à produire de grands succès comme See You Later, Alligator. Il apparaît également dans les premières comédies musicales rock. Sa notoriété a cependant vite été dépassée par le séduisant Elvis Presley, mais Haley est resté une star incontestée en Amérique Latine: 1961-1966, les Mexicains le surnommaient le "Roi du Twist" (Florida Twist a été no 1 au Mexique ainsi que le LP TWIST). En Europe, surtout la France, la Belgique et les Pays-Bas le considéraient comme l'indiscutable roi du rock'n'roll. Son dernier concert a lieu en 1980 en Afrique du Sud. Bill Haley meurt fou à cause d'une tumeur au cerveau le 9 février 1981 à Harlingen.

Discographie :

L'ultime LP de Bill Haley and The Comets avec des invités: The Air Mail (musiciens de studio inconnus) est sorti sur EUROPA 111 548.0 en 1980. La face A comprend 6 titres dont deux instrumentaux (All On The Floor & Ribcord Rock) signés J. Sprangers (la gravure indique P1980 111548.0A-1 et la B également 6 titres dont deux instrumentaux (Tony's Corner & Rock Around The World du même compositeur (la gravure indique P1978-111548 0 B-1 G). Il semble que A1 (RATC) et Razzle-Dazzle (B1) soient de faux live. Il est assez facile de trouver une trace de cet LP en tapant "Bill Haley And The Air Mail" dans une barre de recherche comme Google. Cependant, Bill Haley ne joue sur aucun de ces quatre instrumentaux!

Johnny Burnette

2009-10-21T10:59:00.000-07:00

Biographie :

Né le 25 mars 1934 dans un hôpital de la charité à Memphis il est très vite influencé par son frère aîné Dorsey. Il vécut une bonne partie de son enfance sous une tente, ses parents étant trop pauvres pour louer un appartement ou même une chambre. Enfant, Johnny va à la même école qu’Elvis Presley et, adolescent, travaille dans la même compagnie d’électricité, Crown Electric, où Elvis est conducteur de camion. Il se met ensuite à la boxe et étudie la guitare.
Au début des fifties, les Burnette Bros rencontrent un troisième boxeur, le guitariste Paul Burlison (né à Brownsville, Tennessee en 1929), qui a joué une fois avec Howlin' Wolf. Vers 1953 les trois jeunes gens décident de mettre leur punch au service de la musique qu’ils aiment, le hillbilly. Au début de l’année 1954 à Corinth (Mississipi), Johnny (vocal et guitare rythmique), Dorsey (contrebasse) et Paul (guitare électrique) enregistrent un premier single, produit par le père d’Eddie Bond. Le disque est pressé sur le rarissime VON 1006 qui contient une première version de You’re Undecided et Go Mule Go'.

Refusé par Sam Phillips, le groupe part tenter sa chance à New York où il prend le nom de Rock'n'Roll Trio. Ils sortent Tear It Up chez Coral et tournent avec les Drifters, Carl Perkins et Gene Vincent. En 1957, ils enregistrent l'album Johnny Burnette And The Rock And Roll Trio où figure l'excellent rockabilly Train Kept A Rollin'. La même année, ils enregistrent sur un 45 tours Coral Records (9-61918) le mythique Rock Billy Boogie, titre qui sera repris par Robert Gordon ou Johnny Winter, entre autres. Puis le trio se sépare et les frères Burnette écrivent pour Roy Brown ou Ricky Nelson.

En 1960 Johnny Burnette connaît son heure de gloire avec une ballade Dreamin' qui entre dans le top 10. La même année un autre titre You’re Sixteen apparaît dans le top 10 US. Ce morceau sera repris en 1974 par Ringo Starr qui sera classé n°1 aux États-Unis.
Le 14 août 1964, Johnny Burnette trouve la mort accidentellement, alors qu’il pêche en bateau sur le Clear Lake en Californie, laissant une veuve et deux orphelins. Son fils Rocky Burnette chante aujourd’hui du rockabilly avec le chanteur Darrel Higham. En 1979 il entre au Top 10 anglais avec le titre rockabilly Tired of Toein’ The Line. Son neveu Billy Burnette fait une belle carrière comme chanteur de musique country et comme acteur.

Discographie :

11.09.1958 I'm Restless / Kiss Me (Freedom F-44001)
06.03.1959 Me And The Bear / Gumbo (Freedom (F-44011)
24.06.1959 I'll Never Love Again / Sweet Baby Doll (Freedom (F-44017)
10.11.1959 Settin' The Woods On Fire / Kentucky Waltz (Liberty F- 55222)
08.03.1960 Don't Do It / Patrick Henry (Liberty F-55258)
04.05.1960 Dreamin' / Cincinnati Fireball (Liberty F-55258)
05.10.1960 You're Sixteen / I Beg Your Pardon (Liberty F-55285)
03.01.1961 Little Boy Sad / (I Go) Down To The River (Liberty F-55298)
30.03.1961 Big Big World / Ballad Of The One Eyed Jacks (Liberty C-33318 33 1/3 Single)
14.06.1961 I've Got A Lot Of Thing / Girls (Liberty F-55345)
08-09.1961 Fools Like Me / Honestly I Do ( Liberty 55377)
27.09.1961 God, Country And My Baby / Honestly I Do (Liberty 55379)
26.01.1962 Clown Shoes / The Way I Am (Liberty 55416)
13.04.1962 The Fool Of The Year / The Poorest Boy In Town (Liberty 55489)
30.07.1962 Damn The Defiant / Lonesome Waters (Liberty 55489)
01.08.1962 I Wanna Thank Your Folks / The Giant (Chancellor C-1116)
01.10.1962 Tag Along / Party Girl (Chancelor C-1123)
01.12.1962 Remember Me (I'm The One Who Loves You) / Time Is Not Enough (Chancellor C-1129)
19.08.1963 It Isn't There / All Week Long ( Capitol 5023)
20.01.1964 The Opposite / You Taught Me The Way / To Love You ( Capitol 5114)
04.05.1964 Sweet Suzie / Walkin' Talkin'Doll (Capitol 5176)
01.07.1964 Fountain Of Love / What A Summer Day (Sahara 512)
01.09.1964 Bigger Man / Less Than A Heartbeat (Magic Lamp 515

PAUL ANKA

2009-10-11T14:08:00.000-07:00

Biographie :

Né au Canada de parents libanais et Syrien , il est naturalisé américain le 6 septembre 1990.
Encouragé par ses parents, Paul Anka développe très tôt un talent de chanteur et enregistre son premier titre I Confess à l'âge de 14 ans.
Le 7 août 1957, il fait sa première apparition télévisée à New York, dans l'émission American Bandstand appartenant au réseau ABC. Il y présente une chanson composée pour son ancienne baby-sitter, Diana Ayou. La chanson Diana remporte un succès immédiat et passe en tête des meilleures ventes de disques le 9 septembre.
Irving Feld, propriétaire d'une chaîne de magasins de disques et producteur du spectacle Biggest Show of Stars engage alors Paul Anka pour sa première tournée aux États-Unis en septembre 1957.
Diana reste aujourd'hui un des 45 tours les plus vendus de l'histoire de la musique avec 9 millions de copies. Grâce aux titres You Are My Destiny et Crazy Love, également classés dans les 20 meilleures ventes de l'année 1958, Paul Anka devient l'idole du public adolescent.

Après une tournée en Grande-Bretagne en novembre 1957, il réalise une série de concerts avec Buddy Holly en Australie en janvier 1959.
Au début de l'année 1959, Anka débute une carrière d'acteur en chantant le titre Lonely Boy dans le film Faibles Femmes. Il jouera également un rôle dans le film Le Jour le plus long en 1962 dont il écrira la musique et la chanson du film The Longest Day qui sera un succès international.
Il enchaîne les succès commerciaux avec les titres Put Your Head On My Shoulder, It's Time To Cry, Puppy Love et My Home Town, tous classés dans les dix meilleures ventes de l'année.
Ayant atteint la majorité, il se produit dans les casinos de Las Vegas : le Sahara Hotel en 1959 et le Copacabana en 1960.
Sa popularité auprès du jeune public diminuant, il signe en 1962 chez le label RCA Victor, puis chez Buddah Records en 1971. Il renoue enfin avec le succès en signant en 1974 chez United Artists Records, une compagnie connue pour son style conventionnel. Son premier titre, (You're) Having My Baby, un duo avec Odia Coates, devient numéro 1 des ventes (sous la pression des mouvements féministes naissants, le titre est modifié en (You're) Having Our Baby). Deux autres duos, également avec Odia Coates, seront classés dans les dix meilleures ventes.
En 1975, il enregistre le jingle The Times of Your Life pour la marque Kodak. La campagne publicitaire est un succès et une version longue de The Times of Your Life est produite en 45 tours.
Paul Anka a également composé pour d'autres artistes : le titre It Doesn't Matter Anymore pour Buddy Holly, She's A Lady pour Tom Jones et My Way, version beaucoup plus morbide et réaliste du tube français Comme d'habitude, pour Frank Sinatra. Il a également composé le générique du Johnny Carson's Tonight Show.

En 1963, il compose Watching you pour Sylvie Vartan, offrant à celle-ci son premier titre en anglais, titre qu'il interprètera d'ailleurs en duo avec elle à la télévision américaine deux ans plus tard. En 1979, il compose et produit un album pour Mireille Mathieu intitulé Mireille Mathieu sings Paul Anka pour la version américaine et Mireille Mathieu chante Paul Anka pour la version française dont les paroles sont adaptées par Eddy Marnay. Il chante trois duos avec Mireille You and I/Toi et moi, After You/Comme avant et Bring the Wine dans ces deux albums. Ces albums ont été distribués dans le monde entier.
Il renoue avec ses origines libanaises en 1999 en se produisant à guichets fermés au Forum de Beyrouth.
Il est père de cinq filles, Alexandra, Anthea, Amanda, Alicia et Amelia.
Il est invité à chanter avec les élèves de la Star Academy 6 et 7. Sa dernière apparition sur TF1 était le 11 janvier 2008.

Discographie:

2007 : Classic Songs - My Way (Compilation titres réenregistrés) (Sortie officielle : 7/01/2008)
2005 : Rock Swings
1998 : Body of Work (Album de duos et 123ième album signé par Paul Anka)
1975 : Times of Your Life
1974 : Having My Baby (duo avec Odia Coates)
1974 : I Don't Like to Sleep Alone (duo avec Odia Coates)
1974 : One Man Woman/One Woman Man (duo avec Odia Coates)
1961 : Tonight My Love, Tonight
1959 : It's Time to Cry
1959 : Lonely Boy
1959 : I Miss You So
1959 : (All of A Sudden) My Heart Sings
1959 : Puppy Love
1959 : Put Your Head on My Shoulder
1958 : Crazy Love
1958 : EP ABC Paramount 90836 - red sails in the sunset
1958 : 10" ABC Paramount 1501 - red sails in the sunset
1958 : You Are My Destiny
1957 : Diana

BUDDY HOLLY

2009-10-05T04:30:00.000-07:00

Biographie :

Buddy Holly, de son vrai nom Charles Hardin Holley, (né le 7 septembre 1936 à Lubbock au Texas - mort le 3 février 1959 à Clear Lake dans l'Iowa) est un chanteur, guitariste et compositeur de rock’n’roll.
En 1941, Buddy Holly effectue sa première apparition sur scène en compagnie de ses frères Larry et Travis. Ils gagnent ce jour là, un prix après avoir chanté « Down the river of memories ». Vers l’âge de 11 ans, Buddy étudie le solfège et le piano. Après une unique année d’étude musicale, il continue son travail au piano seul.
En 1949, il forme un duo avec un ami rencontré au collège, Bob Montgomery. Les deux amis jouent ensemble jusqu’en 1953, date à laquelle ils enregistrent deux titres sur une bande chez Buddy : Footprints in the snow de Bill Monroe et un instrumental. À cette époque, ils commencent tous deux à animer de petites soirées locales. Un bassiste viendra se joindre au duo, formant en 1954 une petite formation qui tourne régulièrement au Texas.
À la fin de l’année 1955, le groupe compte quatre membres : Buddy, Bob, Don Guess qui reprend la basse et Jerry Allison à la batterie. Jerry Allison raconte que, remarquant l'absence de batterie dans les premiers enregistrements d'Elvis Presley réalisés chez Sun Records, à Memphis, Buddy lui demandera de se retirer momentanément du groupe, question de reproduire fidèlement la sonorité des titres de son idole... décision qui fut renversée lorsqu'Elvis incorpora la batterie dans son petit ensemble. Remarqué quelque temps plus tôt par le label Decca, Buddy enregistre à Nashville quatre titres, Blue Days, Black Night, Midnight Shift, Love Me, et Don't Come Back Knocking avec ses complices Don Guess (basse) et Sonny Curtis (guitare solo).
Durant un second voyage à Nashville en 1956, Holly eut recours aux services de J.I. Allison à la batterie pour l'enregistrement d'une version mythique de "Rock Around With Olie Vee" (composée par Sonny Curtis) et du premier jet d'un morceau qui entrera plus tard dans l'histoire: "That'll Be the Day". À la fois proche - mélodiquement - et loin - structurellement- de la version de 1957, le "That'll Be the Day" version Nashville, sans être mauvais, ne présente pas Buddy Holly sous son meilleur jour : à la demande des responsables de l'enregistrement, la chanson fut enregistrée dans une tonalité qui s'avère être trop haute pour B. Holly, provoquant un certain inconfort tout au long de la prestation.

Lors d'une dernière session avec Decca, Grady Martin, talentueux musicien de studio de Nashville ayant aussi participé aux enregistrements de Johnny Horton, Brenda Lee, Johnny Burnette et de nombreux autres artistes, prit la relève de Curtis sur "Modern Don Juan" et une ultime version de "Rock Around With Olie Vee" - cette dernière pièce impliquant aussi le "session man" Buddy Harmon à la batterie-. Les titres n’ont malheureusement aucun succès et au bout de trois sessions d’enregistrements, le contrat n’est pas renouvelé. Pourtant, des titres comme Modern Don Juan, Ting a ling, Rock Around With Ollie Vee, entre autres, constituent une référence exceptionnelle en matière de Rockabilly primitif.
En 1957, Buddy reforme un nouveau groupe composé de Jerry Allison à la batterie, Larry Wellborn à la basse et Nicky Sullivan à la guitare rythmique, le nom des « Crickets » est donné à cette formation où Holly assume lui-même la guitare solo. Ayant découvert le studio de Norman Petty, situé à Clovis, New Mexico, Buddy s'y rend régulièrement afin d'enregistrer de nombreuses maquettes dont quelques-unes feront l'objet de publications posthumes après s'être vues sur imprimer quelques pistes musicales additionnelles, question de répondre à la demande des années 1960 pour le son stéréophonique. Au nombre de ces morceaux enregistrés à Clovis avant que Buddy Holly eut connu la renommée, citons "Bo Diddley", "Brown eyed hansome man", "Baby Won't You Come Out Tonight", "I'm Gonna Set My Foot Right Down", "Mona" ainsi que de nombreuses autres pièces d'autres artistes locaux pour lesquels il assure la guitare.

Dans la foulée de ces sessions supervisées par Norman Petty, Buddy enregistre donc « That"ll Be the Day » avec son groupe qui se hissera à la troisième place des charts. D’autres hits suivront comme “Maybe baby”, “Peggy Sue”, “Oh Boy”, “Rave On”, “Early in the Morning”. Outre ces titres, le son Crickets était né, un son original influençant bon nombre d’artistes par la suite. Des passages télé et des tournées suivront les sessions en studio. Sur scène, les Crickets côtoient entre autres, Eddie Cochran, Chuck Berry, Paul Anka, Fats Domino, et The Everly Brothers, etc.
Le 2 février 1959 à Clear Lake dans l'Iowa, l’affiche est composée entre autres de Ritchie Valens (La Bamba), de Big Bopper (Chantilly lace) et de Buddy Holly. Les trois artistes, ainsi que Dion et the Belmonts, sont les têtes d'affiche de la Winter Dance Party, une série de concerts qui doit traverser le Midwest. Cette tournée marathon s'effectue dans des conditions très éprouvantes: le bus, où dorment bien souvent les musiciens, doit affronter un barrage continuel de glace et de neige. Pour comble de malheur, son chauffage tombe en panne (Waylon Jennings, embauché comme bassiste par Buddy, attrapera des engelures dans le car...) Après le show de Clear Lake, Buddy, Big Bopper et Richie Valens décident de regagner Fargo dans le Dakota du Nord par avion pour pouvoir se reposer en évitant les interminables voyages en bus, mais l’avion s’écrase quelques minutes plus tard. (3/02/1959)
Son œuvre influencera de nombreux groupes, notamment les Beatles, qui reprendront nombre de ses titres. Le nom de Beatles (Beetle = scarabée) était d'ailleurs un hommage aux Crickets de Buddy Holly.

Buddy Holly - Oh Boy
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The Byrds

2009-08-20T08:09:00.000-07:00

Biographie :
The Byrds est un groupe de rock des années 1960 et du début des années 1970 originaire de Los Angeles, fondé par Roger McGuinn (guitare, chant), Chris Hillman (basse, chant), David Crosby (guitare, chant), Gene Clark (chant, percussions) et Mike Clarke (batterie). Ils sont des pionniers du folk rock, mais également du psychédélisme puis du country rock.
Chaque membre du groupe était déjà une célébrité locale sur la côte ouest des États-Unis. Ce sont donc des professionnels qui se réunissent autour de Roger McGuinn. Tous passionnés de Bob Dylan, celui-ci leur fait écouter sa chanson Mr. Tambourine Man en 1964, alors qu'elle n'était pas encore publiée, et ils ont une idée fort simple pour en faire un tube : l'électrifier.
Les choses auraient pu se borner à une simple reprise, mais les Byrds lancent ainsi un nouveau genre, le folk rock. Après le single, qui atteint le sommet des charts aux États-Unis et au Royaume-Uni, leur premier album, Mr. Tambourine Man, sort au début de l'année 1965. Le groupe connaît un succès fulgurant et se produit dans le célèbre Ed Sullivan Show. La même année, ils enchaînent avec un second album, Turn! Turn! Turn!

Leur musique prend alors des reflets psychédéliques avec le single Eight Miles High, qui sort en mars 1966. Gene Clark quitte le groupe peu après, paralysé par sa peur de l'avion qui l'empêche de suivre le groupe dans ses tournées. McGuinn, Crosby et Hillman continuent à creuser dans la même direction avec leur troisième album, Fifth Dimension, dont le succès médiocre s'explique par le boycott de ces « chansons de drogués » par les radios. Le groupe revient en 1967 avec Younger Than Yesterday.
Un single composé par Crosby, Lady Friend, est un nouvel échec, et la prestation tendue du groupe au festival de Monterey, en juin, accroît le malaise au sein du groupe, où Crosby est de plus en plus isolé du fait de ses escapades avec le groupe Buffalo Springfield. Pendant l'enregistrement de leur cinquième album, Crosby est viré (on peut entendre une dispute entre ce dernier et Michael Clarke à la fin des titres bonus du disque). Malgré ces complications, The Notorious Byrd Brothers sort en janvier 1968, mais Mike Clark a également quitté le groupe entre-temps.
McGuinn et Hillman, seuls rescapés, veulent un nouveau départ pour les Byrds. Hillman, principal artisan du virage country rock du groupe, rencontre puis recrute un jeune chanteur-compositeur du nom de Gram Parsons. Ce dernier va tenter de prendre les rênes du groupe en proposant d'enregistrer le prochain album à Nashville, avec les requins de studio du coin. Le résultat, Sweetheart of the Rodeo, est le premier album de country sorti par un groupe de rock américain reconnu.
Peu après la sortie du disque, lors d'une tournée en Angleterre, Parsons quitte le groupe avant les dates prévues en Afrique du Sud, sans doute sous l'influence de Keith Richards, avec qui il se lie d'amitié. Hillman le suit bientôt pour s'en aller former avec lui les Flying Burrito Brothers. McGuinn est alors le seul membre rescapé des Byrds originels. Pour compenser les départs de Hillman et Parsons, il recrute des musiciens chevronnés à leur place : Clarence White à la guitare (déjà guitariste de studio pour certains titres des Byrds depuis 1966 et remplaçant de Parsons pendant la tournée sud-africaine de l'été 1968), Gene Parsons à la batterie (aucun lien avec Gram) et John York à la basse. Certains, dont David Crosby, verront dans cette nouvelle version des Byrds une carrière solo de Roger McGuinn déguisée sous le nom plus vendeur des Byrds. McGuinn tentera pourtant avec plus ou moins de succès d'instaurer une sorte d'égalité au sein du groupe, en partageant le chant et l'écriture avec les autres membres.
Le premier disque des Byrds nouvelle version, Dr. Byrds & Mr. Hyde, voit le jour début 1969. Sans doute pour ne pas effrayer les fans de la première heure, c'est McGuinn qui chante tous les titres de l'album. Les ventes sont faibles, et en raison d'anciens contrats signés sous le nom des Byrds à honorer, le groupe doit tourner souvent et devient un habitué des festivals hippies pullulant à cette époque.
McGuinn rencontre peu après Jacques Lévy, metteur en scène à Broadway, et les deux décident d'écrire une comédie musicale, McGuinn se chargeant de la musique, Lévy des textes. C'est pourquoi l'album suivant des Byrds est rempli de reprises et de titres écrits par les autres membres du groupe. Roger McGuinn compose Ballad of Easy Rider pour le film Easy Rider de Dennis Hopper et Peter Fonda, deux vieux fans des Byrds. Le succès du film offre quelques retombées positives au groupe : leur album, également intitulé Ballad of Easy Rider, entre dans le top 40 aux États-Unis et au Royaume-Uni. Entre-temps, le projet de comédie musicale avec Lévy est tombé à l'eau, et McGuinn utilisera les chansons écrites avec Lévy pour les trois albums à venir des Byrds.
Le premier à venir s'appelle tout simplement (Untitled) (1970), un double album avec un disque live et un autre en studio. La partie live, où les Byrds reprennent leurs anciens succès et quelques nouveaux titres, montre leur aisance technique, avec l'arrivée d'un nouveau membre : Skip Battin remplace John York à la basse. Battin, ami de Kim Fowley, devient le second compositeur du groupe en écrivant 3 chansons pour (Untitled). Chestnut Mare, extrait du disque studio, est un succès inattendu, qui se classe dix-neuvième au Royaume-Uni.
(Untitled) est suivi en 1971 de Byrdmaniax, descendu par la critique comme par le public, principalement en raison de l'orchestration ajoutée sans le consentement du groupe par le producteur Terry Melcher. Celui-ci est promptement renvoyé par le groupe, qui produit lui-même son album suivant, Farther Along, toujours en 1971. Farther Along échoue à rattraper le désastre de Byrdmaniax, n'atteignant que la 152e place dans les charts américains.
Le groupe continue à donner des concerts en 1972 et 1973, avec John Guerin remplaçant Gene Parsons. Ce line-up du groupe apparaît sur deux titres de la bande originale du film Banjoman, ainsi que comme groupe d'accompagnement sur l'album solo de Skip Battin Skip. Battin et Guerin quittent le groupe en février 1973 et son remplacés par Chris Hillman et Joe Lala pour les deux derniers concerts des Byrds, les 23 et 24 février.
Entre-temps, les cinq Byrds originaux s'étaient réunis fin 1972 pour un unique album, Byrds, qui sort en mars 1973. La réaction mitigée qu'il suscite annule tout projet de tournée qui aurait pu être envisagé. Par la suite, McGuinn, Clark et Hillman travaillent ensemble, mais la fin des années 1980 est marquée par de nombreuses querelles concernant l'usage du nom « The Byrds », repris par Mike Clarke sans l'accord de McGuinn, Hillman et Crosby. Finalement, ces derniers obtiendront qu'aucune formation où ils n'apparaissent pas puisse porter le nom de « Byrds ».
Les Byrds sont entrés dans le Rock and Roll Hall of Fame en 1991, sous leur formation originelle. Gene Clark est mort la même année, suivi deux ans plus tard par Michael Clarke.

Discographie :
1965 : Mr. Tambourine Man (U.S. #6, UK #7)
1965 : Turn! Turn! Turn! (U.S. #17, UK #11)
1966 : Fifth Dimension (U.S. #24, UK #27)
1967 : Younger Than Yesterday (U.S. #24, UK #37)
1968 : The Notorious Byrd Brothers (U.S. #47, UK #12)
1968 : Sweetheart of the Rodeo (U.S. #77)
1969 : Dr. Byrds & Mr. Hyde (U.S. #153, UK #15)
1969 : Ballad of Easy Rider (U.S. #36, UK #41)
1970 : (Untitled) (U.S. #40, UK #11)
1971 : Byrdmaniax (U.S. #46)
1971 : Farther Along (U.S. #152)
1973 : Byrds (U.S. #20, UK #31)
2000 : Live at the Fillmore - February 1969
2008 : Live at Royal Albert Hall 1971

Line Dance (Bonus Craponne)

2009-07-29T15:00:00.000-07:00

A Craponne, les line dancers venus particulièrement nombreux s'en sont donné à coeur joie aussi bien sur les deux grandes pistes de danse du festival officiel que sur les place de la ville. Ces deux vidéos sont de moi. Excusez la qualité technique. Je suis plutôt néophyte et il fallait filmer à bout de bras au-dessus des têtes des spectateurs !

COUNTRY RENDEZ VOUS/ CRAPONNE 2009

2009-07-29T11:47:00.000-07:00

Pendant 3 jours, les 24, 25 et 26 juillet, les collines auvergnates autour du village de Craponne sur Arzon ont pris comme chaque année un petit air de Far West à l’occasion de cette 22ème édition du meilleur et du plus important festival country d’Europe. Le temps fut un peu frais voire glacial dans les nuits de vendredi et de samedi, mais heureusement sans pluie à part quatre gouttes d’eau dans l’après midi. Un public nombreux et fervent se pressait à tous les concerts. Tous les terrains de camping improvisé sur les prairies alentour ainsi que le petit bois réservé aux bikers étaient bondés. Jamais vu autant de monde. Il faut dire que le spectacle offert valait le déplacement…
Sur les deux places du village le festival « off » fut de très bon niveau et très largement suivi par le public.

Un bon point très particulier pour Dan Galli & the Driftin’Boys pour la qualité de sa prestation et de ses reprises des grands standards « revival » (Johhny Cash, Elvis Presley, Fats Domino, Hank Williams).

Bravo aussi à Kevin Buckley pour son repertoire énergique et ses reprises des plus grands actuels :

Le festival “officiel” a duré trois jours. Un vrai marathon de country, rock, blue grass, hillbilly, americana, honky tonk, rockabilly. Au total 16 groupes, on était gate cette année !
Le coup d’envoi des festivités fut donné le vendredi 24 à 19 h. Tahiana et son country « ethnique » eut le redoutable honneur d’ouvrir le bal et de prouver que la musique populaire n’a pas de frontières et qu’on peut parfaitement interpréter de la country en… malgache !

Avec Paula Nelson, la fille de l’immense Willie Nelson, on monta d’un cran… A croire que le talent est héréditaire. On avait eu l’exemple d’Arlo Guthrie, le fils de Woody, en voilà un autre !

La belle Paula sut déchainer un country rock d’excellente qualité. A Austin, c’est une étoile montante, elle dispose d’une belle voix et d’une bonne présence en scène, mais elle est encore un peu statique.

La soirée continua avec un grand gaillard, W C Edgar qui accompagna à la steel-guitar les plus grands comme Alan Jackson, Dale Watson ou Tim McGraw. Au violon, Savannah, sa fille de 16 ans. Du vrai, du pur honky tonk et une voix à la Johnny Cash.

Avec Owen Temple, on change complètement de style. Place aux jeunes ! Textes décapants à la Van Zandt, musique plus americana que texane. Un très grand moment.

Je ne résiste pas au plaisir de joindre cette video de lui à la guitare sèche. A Craponne, on a eu droit à la grosse artillerie. (Basse, batterie, lead guitar Fender telecaster)

La soirée se termina avec la prestation magistrale des Flatlanders, une sorte de supergroupe compose de trois légendes de la musique texane : Jimie Dale Gilmore, Butch Hancock et Joe Ely. De grands compositeurs, de grosses personnalités, qu’on ne peut voir nulle part ailleurs qu’à Craponne .

Le samedi, les concerts démarrèrent à 6 heures avec un programme encore plus chargé : rien moins que six spectacles d’affilée et ne se termina qu’à 2h30 du matin ! (dans un froid de canard…)
On passera pudiquement sur la performance de niveau médiocre de deux françaises, Dazzler & Layne, plus flamenco que bluegrass, plus agitation que feeling pour s’intéresser à un groupe de six filles, The FIGS, cajuns de Lafayette avec leur mélange détonnant de bluegrass, old time, folk et country. Sympathiques, naturelles, elles surent mettre le public dans leur poche.

Et, ce qui ne gâte rien, la guitariste, Sarah Gray, parlait très bien français.

Puis ce fut Paul Eason, un jeune guitariste auteur compositeur interprète, plus rock, mais pendant cette journée mémorable, nous étions loin d’avoir tout vu…

Lunettes noires, casquette de baseball, guitares électriques saturées, on est aux frontières de la pop…

Puis ce fut le tour de Carrie Hassler et de son groupe “Hard Rain”. Du vrai et excellent bluegrass. Une chanteuse à la voix magnifique et émouvante qui nous gratifia même d’un « Amazing Grace » poignant (a capella).

Avec la nuit (glaciale) arriva la grosse, l’énorme vedette Jo Dee Messina, un CMA Award, plusieurs disques de platine, 9 singles classés N° 1 au Billboard. Déjà une légende. Un son géant, mais un public assez peu réceptif, sans doute à cause de la température extérieure devenue fort basse avec la nuit…

Mais la grosse surprise et le gros carton vint de la vedette suivante, Eric Church, l’étoile montante avec son rock lourd quasi métallique. Un mur de son avec rien moins que deux guitares électriques solos (une Gibson Les Paul saturée soutenue par une Fender Telecaster). Du lourd, du très lourd, à cent lieues des banjos, violons et guitare sèche du hillbilly. Comme quoi la country a mille facettes bien différentes…

Une video studio d’Eric Church « unplugged » en studio qui ne correspond pas du tout à l’énorme son que nous avons eu. Désolé, je n’ai rien trouvé d’autre.

Dimanche, les concerts reprirent sous un soleil brûlant et devant une foule aussi nombreuse que samedi, mais qui cherchait désespérément les coins d’ombre. The Toy hearts, groupe de blue grass britannique ouvrit les festivités avec talent et virtuosité. Il faut dire que ces jeunes, élus meilleur groupe de bluegrass britannique et titulaires de la médaille d’argent à l’European World of bluegrass furent le seul et unique groupe européen invité à se produire à la Convention Bluegrass de Nashville.

Ensuite ce fut au tour des Bastard Sons of Johnny Cash d’investir la scène et de nous réjouir avec leur musique faite de rockabilly (ce style fut assez peu représenté cette année) et de country rock. Encore des jeunes très prometteurs.

Avec Star de Azlan, petite chanteuse d’origine mexicaine, il fallut quitter le registre du country pour celui du folklore hispanisant électrifié. Dommage. Mais sur une telle quantité de groupes, il fallait bien qu’il y en eut quelques-uns que l’on appréciât moins.

L’arrivée de Jeff Griffith, cow-boy costaud, viril et rassurant relança la machine. Avec son country traditionnel fait de morceaux rapides alternés avec des mélodies romantiques, sa voix grave et son énergie, il se tailla un vif succès, que dis-je, il fit un vrai malheur !

La nuit et la fin de ce festival arrivèrent avec Matt Skinner, un des meilleurs entertainer d’Austin, un grand gars en costume élégant, fort bon guitariste solo qui sut allumer le feu avec son orchestre renforcé par le bassiste et le violoniste de Paul Eason et le joueur de pédal-steel de Jeff Griffith. Peu à peu, les autres participants vinrent le rejoindre pour un final sous forme de boeuf endiablé et un rappel avec « Folsom Prison Blues » de Johnny Cash, suivi d’un second rappel avec « Will the circle be unbroken » chanté en duo avec Paula Nelson. Le public ne voulait pas voir partir sa bande de cow boys.

Mais les meilleures choses ont une fin. Il était temps de lever le camp…

Craponne, ce n’est pas seulement un immense festival country ; c’est aussi une ambiance festive et débonnaire. Aucune violence, aucun débordement. Une musique saine et joyeuse, des fans heureux de célébrer la musique qu’ils aiment. Deux immenses plateaux de danse rempli en permanence par des centaines de line-dancers. Une organisation impeccable, bien qu’un peu rustique côté camping. Sanitaires insuffisants. Il faut faire la queue aux douches et un peu partout…
La rançon du succès en quelque sorte...
Mais c’est aussi une concentration des plus beaux gros cubes et des bikers les plus sympas de l’Hexagone…

De magnifiques choppers...

Et de belles américaines rutilantes sorties des années cinquante ou de « Fast and Furious »...

Vivement la cuvée 2010 !!!!

Eddie Cochran

2009-07-06T03:32:00.000-07:00

Eddie Cochran est né le 3 octobre 1938 à Albert Lea dans le Minnesota sous le nom de Edward Ray Cochrane.
Durant sa jeunesse, il prend des leçons de musique à l'école qu'il abandonne très vite car on lui demande de jouer en plus du piano. C'est donc à la maison qu'il continue sa formation sur la guitare familiale et en écoutant des airs de country music à la radio.
En 1953, la famille d'Eddie déménage à Bells Garden en Californie. Eddy perfectionne sa technique à la guitare et monte un groupe avec un copain d'école. Il rencontre alors Hank Cochran (futur auteur de country music). Malgré la ressemblance des noms, ils ne sont pas parents. Ils commencent alors à se produire ensemble dans un duo qu'ils nomment les frères Cochran. Eddie Cochran commence à écrire des chansons et présente une "démo" à Jerry Capehart, son futur manager. En 1956, le duo se sépare et Eddie travaille alors avec Jerry Capehart.
En 1956, Boris Petroff demande à Cochran d'apparaître dans la comédie musicale The girl Can't help it (La Blonde et moi). Eddie accepte et présente une chanson Twenty Flight rock, une chanson assez brutale, dans ce style de rock qui inspira tant le punk rock que le rockabilly revival illustré par les Stray Cats. En 1957, Cochran sort son premier succès Sittin in the Balcony, un des rares titres qu'il enregistre qui soit écrit par un autre auteur (John D Loudermilk). S'en suit une tournée en Australie avec Gene Vincent et Little Richard.
Durant sa brève carrière, Eddy Cochran remporte un certain nombre de succès dans le Rock'n Roll: C'mon Everybody, Somethin' Else, My Way (trois titres de chansons repris plus tard par Sid Vicious, sinon que My Way n'est pas la chanson de Cochran mais celle dérivée par Paul Anka de Comme d'habitude de Claude François et Jacques Revaux), Weekend, Nervous Breakdown et son titre posthume Three Steps to Heaven. Un de ses plus grands succès Summertime Blues, co-écrit avec Jerry Capeheart, fut repris par de nombreux artistes depuis sa création, notamment les Beach Boys, les Who, Van Halen, les Stray Cats, Blue Cheer, etc.
Eddie Cochran est aussi connu pour ses performances à la guitare, d'abord une guitare électrique acoustique modèle Gibson puis, à partir de 1956, sur un modèle Gretsch 6120 qu'il a lui-même modifié.
Le 16 avril 1960, alors qu'il se rend en taxi de Bristol à l'aéroport de Londres, en compagnie de sa fiancée Sharon Sheeley et du chanteur Gene Vincent, il est victime d'un accident : le taxi s'encastre dans un réverbère. Transporté à l'hôpital dans un état grave, il meurt le lendemain à peine âgé de 21 ans.
Sharon Sheeley malgré une fracture du bassin survivra, Gene Vincent aura la clavicule et des côtes cassées ainsi que des dommages à sa jambe déjà diminuée.

Discographie:
The Cochran Brothers [modifier]
Juin 1955 : Mr Fiddle (face A, single)
Juin 1955 : Two Blue Singin' Stars (face B, single)
Fin 1955 : Your Tomorrows Never Come (face A, single)
Fin 1955 : Guilty Conscience (face B, single)
Jerry Capehart & The Cochran Brothers [modifier]
Janvier 1956 : Walkin' Stick Boogie (face A, single)
Janvier 1956 : Rollin’ (face B, single)
Mai 1956 : Tired & Sleepy (face A, single)
Mai 1956 : Fool's Paradise (face B, single)
Eddie Cochran [modifier]
Juillet 1956 : Skinny Jim (face A, single)
Juillet 1956 : Half Loved (face B, single)
Février 1957 : Sittin' In The Balcony (face A, single)
Février 1957 : Dark Lonely Street (face B, single)

Mai 1957 : Mean When I'm Mad (face A, single)
Mai 1957 : One Kiss (face B, single)
Août 1957 : Drive-In Show (face A, single)
Août 1957 : Am I Blue (face B, single)
Novembre 1957 : Completely Sweet (face A, long play)
Novembre 1957 : Undying Love (face A, long play)
Novembre 1957 : I'm Alone Because I Love You (face A, long play)
Novembre 1957 : Lovin' Time (face A, long play)
Novembre 1957 : Proud Of You (face A, long play)
Novembre 1957 : Mean When I'm Mad (face B, long play)
Novembre 1957 : Stockin's & Shoes (face B, long play)
Novembre 1957 : Tell Me Why (face B, long play)
Novembre 1957 : Have I Told You Lately That I Love You (face B, long play)
Novembre 1957 : Cradle Baby (face B, long play)
Novembre 1957 : One Kiss (face B, long play)
Juin 1958 : Summertime Blues (face A, single)
Juin 1958 : Love again (face B, single)

Brooks and Dunn

2009-06-18T15:23:00.000-07:00

Biographie:

Brooks & Dunn sont un duo américain de musique country, composé de Kix Brooks (né Léon Eric Brooks III le 12 Mai 1955 à Shreveport, Louisiane) et de Ronnie Dunn (né Ronald Gene Dunn, le 1er Juin 1953 à Coleman, Texas). Tous deux commencèrent leur carrière comme auteurs compositeurs interprètes avant la formation du duo à la fin des années 80.
Le duo démarra vraiment en 1991 avec leurs quatre premiers simples qui arrivèrent tous en tête du Billboard country américain. Leur premier album, Brand New Man, sortit la même année et a été six fois disque de platine. Brooks & Dunn ont eu plus de 40 titres classés don’t 20 à la première place. Ils ont enregistré 10 albums en studio, 2 compilations et 1 album de Noël.
Brooks & Dunn se sont également vus décerner le titre de meilleur Duo Vocal chaque année entre 1992 et 2006 par la Country Music Association (CMA) excepté en 2000 où ils durent céder la place aux Montgomery Gentry. De plus, Brooks & Dunn furent sacrés “Entertainer of the Year” (meilleur divertissement de l’année) en 1996. Deux titres « My Maria » (1996) et “Ain’t Nothing ‘Bout You (2001) furent également classés N°1 au Billboard.

Discographie :

1991: Brand New Man (N°3 HitParade Country US)
1993: Hard Workin Man (N°2)
1994: Waitin’on Sundown (N°1)
1996: Borderline (N°1)
1998: If You See Her (N°4)
1999: Tightrope (N°6)
2001: Steers & Stripes (N°1)
2003: Red Dirt Road (N°1)
2005: Hillbilly Deluxe (N°1)
2007: Cowboy Town (N°4)
Plus 4 albums de compilations et un album de Noël

CHUCK BERRY

2009-06-16T10:17:00.000-07:00

Chuck Berry, de son vrai nom Charles Edward Anderson Berry, (né à Saint Louis, Missouri le 18 octobre 1926) est un guitariste, chanteur et compositeur américain. Il fait partie des artistes les plus importants du rock and roll. Il a influencé de nombreux autres artistes, et son répertoire a été très souvent repris (dont ses 2 titres les plus célèbres, Johnny B. Goode et Roll over Beethoven). En 2003, Rolling Stone l'a classé 6ème meilleur guitariste de tous les temps.
Biographie:

Chuck Berry découvre la musique dans l'église locale où il se rend régulièrement avec ses six frères et sœurs. Ses parents font en effet partie de la chorale locale. Il est scolarisé à la Simmons Grade School puis à la Summer Grade School. Il apprend la basse dans le club musical Glee.
En 1944, encore jeune homme, il passe 3 ans dans une maison de redressement pour tentative de cambriolage. À sa sortie, il travaille pour la General Motors et décide de se lancer dans la musique.
Il a encore plus d'ennuis en décembre 1959, lorsqu'il invite une jeune apache de 14 ans qu'il a rencontrée à Mexico pour travailler dans son club de nuit (le « Berry's Club Bandstand ») à Saint Louis. Après que la jeune fille est arrêtée pour prostitution, c'est le tour de Berry, accusé pour sa part d'avoir transporté une mineure entre deux États pour l'exploiter. Berry fut condamné à 5 ans de prison et dut verser une amende de 5 000 $. Il est relâché en 1963.
Malgré cela, son influence est restée profonde, particulièrement dans les groupes anglais des années 1960. Les Rolling Stones et les Beatles lui ont beaucoup emprunté dans leurs débuts.
Pendant des années, Chuck Berry a tourné avec sa seule guitare Gibson, confiant dans le fait qu'il pourrait trouver un groupe qui jouerait déjà sa musique. Parmi les artistes qui ont joué ce rôle, on trouve Bruce Springsteen ou Steve Miller. Le 13 septembre 1969, il fit une prestation remarquable lors d'un concert au Rock'n'Roll Revival Festival de Toronto, auxquels participent également Bo Diddley, Little Richard, Jerry Lee Lewis et John Lennon.
Après avoir profité de la vague oldies des années 70, il a de nouveaux problèmes avec la justice en 1979. Accusé d'évasion fiscale, il plaide coupable et est condamné à 4 mois d'emprisonnement et 1 000 heures de travaux d'intérêt général.
À la fin des années 80, Berry ouvre un restaurant à Wentzville dans le Missouri, le « Southern Air » où il eut encore des problèmes avec la justice pour avoir placé des caméras dans les toilettes des femmes en 1990. Berry possède aussi un domaine à Wentzville, le Berry Park. Pendant des années, Berry y a hébergé des concerts de rock. Depuis, il a fermé ce domaine au public devant le caractère agité de certains de ses invités. À la fin des années 70, Berry a continué à jouer régulièrement aux Etats-Unis et à travers le monde. Un mercredi par mois, il joue au Blueberry Hill, un restaurant et bar situé près de Saint Louis (Missouri).
Dans les années 9à, il a été à nouveau sous le feu des projecteurs pour une affaire de voyeurisme vis-à-vis de quelques unes de ses invitées.

La plupart des morceaux de Chuck Berry, commencent avec le riff de la chanson "Johnny B. Goode", ce qui lasse parfois le public qui attend qu'il chante ce titre.
Alors qu'on débat encore du titre qui a été la première chanson de Rock n’ Roll, les premiers enregistrements de Chuck Berry tel son premier succès « Maybellene » (1955) combinent déjà tous les éléments du rock, mélange de blues et de country, des textes simples qui parlent de filles et de voitures, des solos de guitare électrique sans compter le jeu de scène associé (dont le « duckwalk », danse qu'il inventa) qui emportent l'adhésion du public ...
Il élabore son style à partir d'harmonies simples et répétitives et de textes entrainants ou drôles, mais tout aussi simples. Il a été influencé par la musique country, mais aussi et surtout par le blues, notamment Muddy Waters, chanteur et guitariste qui a présenté Chuck Berry à Léonard Chess de Chess Records. Parmi les idoles de Chuck Berry on compte aussi Nat King Cole, chanteur et pianiste ou Louis Jordan.
Ses plus célèbres compositions ont été enregistrées par les disques Ches Records avec le pianiste Johnnie Johnson et le légendaire producteur Willie Dixon à la basse, Fred Below aux percussions et bien sûr lui à la guitare solo.
Au cours de sa carrière, Chuck Berry a aussi enregistré des ballades comme « Havana Moon » et des chansons de blues telles que « Wee Wee Hours ». Plus de 30 de ses titres se sont hissés dans le Top 10 et ses chansons ont été reprises d'innombrables fois par des groupes de blues, de country ou de rock and roll.
Il enregistre un nouveau tube en 1972 avec My ding-a-ling. Il est un des premiers à être entré au Rock and Roll Hall of Fame en 1986.
En 2008, Chuck Berry est, à 82 ans, toujours en tournée pour quelques concerts en France, Belgique, Suisse et Luxembourg. Le rythme semble toutefois un peu moins précis, les notes un peu moins justes

Discographie :

Enorme… Les titres les plus importants :
Johnny B. Goode
Come on (reprise en 1er single des Rolling Stones)
School Days
No particular place to go
Rock n’Roll Music (reprise par les Beatles sur scène à Hambourg)
Promised Land (reprise par Elvis Presley)
Around and around (reprise par les Rolling Stones et les Animals)
Sweet Little Sixteen (reprise par les Beatles sur scène à Hambourg et par les Beach Boys sous le nom de « Surfin’ USA »))
Roll over Beethoven (reprise par les Beatles)
Carol (reprise par les Rolling Stones)
Let it Rock (reprise par Bob Seger)
Maybelline
Thirty Days (reprise par the Tractors)
Too much monkey business
Brown-eyed handsome man (reprise par Jerry Lee Lewis)
Back in the USA
Nadine
Memphis Tennessee
No particular place to go
You can never tell

Liens:

Chuck Berry - Roll Over Beethoven (bbc'72)
envoyé par eu-stache - Clip, interview et concert.

Garth Brooks

2009-05-15T06:12:00.000-07:00

Biographie :

Troyal Garth Brooks (né le 7 février 1962 à Tulsa en Oklahoma) est un auteur-compositeur interprète de musique country.
Garth Brooks a connu un succès commercial phénoménal dans les années 1990 avec plus de 70 chansons à succès lui permettant de vendre 128 millions d'albums uniquement aux Etats-Unis.
Gêné par les conflits entre carrière et vie de famille, Garth Brooks a annoncé sa retraite en 2001 et a disparu aussi vite qu'il était apparu. Ses fans le considèrent toujours comme une légende vivante.
Garth Brooks a fait son retour sur scène dernièrement pour l'enregistrement d'un show exceptionnel, qui sera édité en DVD.
Il a également sorti un best of (Ultimate Hits) en novembre 2007, contenant ses plus grands tubes, ainsi que quelques chansons inédites.

Cet artiste est l'un des meilleurs vendeurs de disques de tous les temps, en compagnie d'Elvis Presley et de Michael Jackson.
Il s'est produit lors du spectacle donné en l'honneur de Barack Obama,le 18 janvier 2009.

Discographie :

1989: Garth Brooks (N°2 au Hit parade Country US)
1990: No Fences (N°1 -- -- --)
1991: Ropin’ the Wind (N°1)
1992: The Chase (N°1)
1993: In Pieces (N°1)
1995: Fresh Horses (N°1)
1997: Sevens (N°1)
1999: Greatest Hits
2001: Scarecrow (N°1)
Plus 5 albums de compilations, 3 albums de Noël et 2 coffrets.

Paul Brandt

2009-04-24T15:38:00.000-07:00

Biographie
Brandt, Paul (né Paul Rennee Belobersycky). Auteur-compositeur-interprète (Calgary 21 juillet 1972). Brandt grandit en écoutant de la musique gospel et en chantant à l'église, mais il développe rapidement un grand intérêt pour la musique country et, en 1992, il remporte 1000 $ lors d'un concours d'artistes amateurs au Calgary Stampede. Simultanément, il poursuit une carrière d'infirmier en pédiatrie, mais la musique prend une place prépondérante dans sa vie après la nomination par la SOCAN, la société de perception du Canada, de sa chanson « Calm Before the Storm » au titre de meilleure chanson country originale, durant la Semaine de musique country annuelle. Brandt attire ainsi l'attention de Warner Music Canada et de Reprise Records à Nashville et signe bientôt un contrat conjoint avec les deux maisons de disques.
« Calm Before the Storm » devient la chanson titre du premier album de Brandt (1996), qui se vend à plus de 200 000 exemplaires au Canada. Country Music Television le nomme vedette masculine montante de la vidéo en 1996 et son single « My Heart Has a History » atteint la première place à la charte de musique country canadienne de fin d'année et est bien accueilli aux États-Unis. Brandt est nommé meilleur chanteur masculin country aux Prix Juno de 1997 et, la même année, aux Canadian Country Music Awards, il remporte quatre prix - meilleur chanteur masculin, meilleur single, meilleure vidéo et chanson de l'année de la SOCAN pour « I Do ». Outside the Frame paraît à l'automne suivant et se vend à plus de 100 000 exemplaires au Canada. Il procure à Brandt un autre titre de meilleur chanteur masculin aux Canadian Country Music Awards et, aux Juno, ceux de meilleur chanteur masculin et de meilleur chanteur country masculin. Brandt sort un album de Noël en 1998 et un autre CD de nouvelles chansons, That's the Truth, en 1999, qui lui vaut le prix du meilleur artiste country masculin aux Juno de 2000. Un album de ses meilleurs succès, What I Want to Be Remembered For, paraît en 2000.
Brandt crée son propre label, Brand-T Records, et quitte Warner pour BMG en 2002 pour sortir un autre album gagnant, Small Towns & Big Dreams. Pour This Time Around (2004), Brand-T fait équipe avec Orange Record Label, une marque d'éditeur basée à Toronto et distribuée par Universal Music Canada. Le disque lance les succès « Leavin' », « Convoy » et « Home » et les ventes sont propulsées au-delà du statut de disque d'or. À la fin de 2004, résidant alors à Nashville, il enregistre un duo intitulé « Hands » avec sa femme Liz. Brandt est un chrétien dévoué qui s'investit dans l'Organisation internationale de perspective mondiale, Samaritan's Purse, la Billy Graham Evangelistic Association et d'autres groupes. Il a grandi dans une maison sans télévision jusqu'à 13 ans et, depuis, il est un fervent amateur de l'univers télévisé; il passe à diverses émissions au petit écran. Il anime l'émission télévisée des prix de l'Association de la musique country canadienne à cinq reprises.
En moins de 10 ans, Brandt est devenu l'artiste masculin le plus récompensé de l'histoire canadienne. Il remporte six prix Juno, douze prix de l'Association de la musique country canadienne et ses ventes d'albums au Canada dépassent largement le million. En 2005, il est également nommé artiste country de l'année par l'American Country Music Association. Le prix reconnaît les réalisations exceptionnelles d'artistes de musique country qui accroissent la popularité du genre et qui attirent l'attention sur celui-ci dans leur région.

Discographie

Calm Before The Storm : 1996; Reprise Records/Warner Music Canada.
Outside The Frame : 1997; Reprise Records/Warner Music Canada.
A Paul Brandt Christmas (Shall I Play For You) : 1997; Reprise Records/Warner Music Canada.
That's The Truth : 1999; Reprise Records/Warner Music Canada.
What I Want To Be Remembered For : 2000; Reprise Records/Warner Music Canada.
Small Towns And Big Dreams : 2001; Brand-T Records/BMG Music Canada.
This Time Around : 2004; Brand-T Records/The Orange Record Label.

Jarrod Birmingham

2009-04-11T11:25:00.000-07:00

Biographie :

Jarrod Birmingham a été comparé à Waylon Jennings et à Hank Williams Jr à leurs débuts. C’est un jeune chanteur qui sort de l’Amérique profonde. Le producteur Eric Paul le présente comme « le premier vrai chanteur du XXIème siècle ». « Je crois que la musique doit refléter les gens du commun», dit Birmingham. «C'est un peu ma mission, de rester ancré dans la réalité du pays. » Il se sent col bleu, issu du peuple. « Beaucoup de gens sont comme moi et je tiens à être leur voix. » Ce natif du Texas du Sud n'est pas « fabriqué » comme certains autres artistes country. C’est un véritable cow-boy, un ancien professionnel du milieu des rodéos qui a assez de broches, plaques et vis dans le corps pour qu’il lui soit difficile de passer les scanners de sécurité sans déclencher toutes les alarmes !
Sa musique est imprégnée d’un réalisme frappant. « En fait, je n’ai jamais abandonné la fréquentation des taureaux », dit-il en riant. « Ce que vous voyez et ce que vous entendez, c’est moi et c’est ce que je veux exprimer par ma musique. » Les critiques s’accordent à dire que c’est un showman parmi les plus authentiques. Son tube « If You don’t like me » a confirmé sa place sur la scène texane et son nouvel album « Like my Daddy did » devrait le faire connaître au reste de la nation américaine.
Son groupe est composé de Michaël Fitch à la batterie, Billy High à la guitare solo, Jakeb Hall à la basse et Dwayne Boehnemann aux claviers. Pour sa part, Jarrod joue de la guitare rythmique. Ayant eu le plaisir de le voir au festival de Craponne, je peux assurer que le groupe est excellent. Birmingham est vraiment un vrai espoir pour la musique populaire américaine en général et pour la country en particulier, à la condition qu’il reste comme il est, authentique et chaleureux.

Discographie:

2006 : No apologies
2009 : Like my Daddy did

Liens:

http://www.youtube.com/watch?v=Fvj1EWdemp0
http://www.youtube.com/watch?v=Z4SHstBvCcg
http://www.youtube.com/watch?v=HbQaMxiab8o
http://www.youtube.com/watch?v=b4QObXdhIj0

BEACH BOYS

2009-04-05T03:01:00.001-07:00

Biographie:

The Beach Boys est un groupe de pop-rock américain formé en 1961 en Californie et ayant connu une popularité certaine dans les années 1960 et 70.
The Beach Boys fut l'une des formations majeures de cette époque, et l'un des rares groupes américains à avoir pu rivaliser musicalement avec les groupes britanniques, tels que les Beatles, les Rolling Stones ou les Who. Affilié à l'origine à la surf music, le groupe s'est surtout distingué par ses chansons aux harmonies vocales complexes et très mélodiques, caractéristiques de leur style. Très populaire aux États-Unis au début des années 1960, les Beach Boys vont amorcer un déclin à la fin de la décennie, dû notamment aux problèmes mentaux de Brian Wilson, compositeur principal de la plupart des succès du groupe.
Toujours irrégulièrement actifs depuis cette époque, et auteurs de quelques retours fracassants dans les années 1980 (avec des titres comme California Dreamin', Good Vibrations ou Kokomo), les Beach Boys sont l'un des plus grands groupes américains de tous les temps et sont entrés au Hall of Fame en 1988. D'après le Billboard Magazine, ils sont avec leurs singles et leurs albums, le premier groupe américain en termes de vente.

Discographie :

Les « tubes »
1963 : Surfin’ USA/ Surfer Girl/ Be true to your school
1964: Fun, Fun, Fun/ I get around
1965: Dance, Dance, Dance/ Help me Rhonda
1966: Barbara Ann/ Sloop John B/ Wouldn’t il be nice
1967: Good Vibrations
1968: Kokomo

Liens:

Big & Rich

2009-03-28T09:09:00.000-07:00

Big & Rich est un duo de musique country américaine composé de deux auteurs compositeurs: Big Kenny (alias Kenny Alphin, ancient soliste du groupe “LuvjOi”) et John Rich (ancien chanteur et bassiste de « Lonestar »). Tous deux chantent tour à tour en solo et jouent de la guitare rythmique. Ils commencèrent sur scène en 1998 et, après avoir écrit de nombreux titres pour d’autres artistes country, ils obtinrent un contrat chez Warner en 2003. Leur premier album studio « Horse of différent colors » date de 2004. Il comportait des contributions de Cowboy Troy, Gretchen Wilson et Martina McBride et obtint 3 titres au top 40. Ils produisirent ensuite deux autres albums « Comin to Your City » et « Between Raising”. Après quelques détours en dehors de la musique country, (surtout avec les rappeurs John Legend, Wyclef Jean et Lil Jon), ils se séparèrent et Rich reprit fin 2008 un carrière en solo.

Biographie :

Avant 1998, Big Kenny et John Rich avaient tous deux enregistré des albums chacun de leur côté comme “Live a little” (Kenny) et “Underneath the same moon” (Rich). Leurs chansons furent rapidement enregistrées par d’autres artistes. Ainsi McBride and the Ride prit “Amarillo Sky” comme titre vedette de son “Album 2002”. Leur propre version sortit en simple mais ne fut pas classée. Jason Aldean reprit la chanson début 2005 sur son premier album et la classa 4ème au hit-parade. Alphin et Rich écrivirent aussi "She's a Butterfly" pour Martina McBride et la chantèrent avec elle en 2003.
Big Kenny, John Rich, Jon Nicholson et Cory Gierman créérent Muzik Mafia en 2001, sorte de collectif d’auteurs compositeurs et de musiciens qui se produisaient quotidiennement à Nashville (Tennessee). Parmi ses membres les plus célèbres, on note la présence de Gretchen Wilson, Cowboy Troy et James Otto.
Alphin et Rich commencèrent par jouer ensemble les chansons qu’ils avaient co-écrites tout en maintenant leur statut de solistes indépendants. Sous la pression des fans, ils finirent par se comporter officiellement comme un véritable duo. En 2003, ils en étaient déjà aux démos quand le directeur de la Warner, sur les conseils de sa fille qui les avait vus sur scène, leur signa un contrat.
En Février 2004, le duo sortit son premier simple, “Wild West Show”. La chanson n’eut qu’un succès restreint n’arrivant qu’en 21ème place. Ils poursuivirent avec d’autres titres comme "Rollin' (The Ballad of Big & Rich)" et "Live This Life" en avril 2004.
Leur premier album, “Horse of a different colour”, sortit en mai 2004 et fut immédiatement propulsé à la première place des hits country et pop-music. Le titre vedette “Save a horse, Ride a cowboy” servit de générique aux Championnats de Poker de 2005. Big & Rich en firent également une version country-rap qu’ils chantèrent aux CMT Awards. Ils participèrent la même année à la tournée de Martina McBride et Tim McGraw et à celle d’ American Revolution en partageant la vedette avec Gretchen Wilson et d’autres membres de Muzik Mafia.
Leur second album, « Comin’ to Your City », sortit le 15 novembre 2005. Au début 2007, le duo sortit “Lost in the moment”, titre phare de leur 3ème album “Between Raising Hell and Amazing Grace” qui fut classé dans le Top Ten en Juin 2007 et arriva premier au classement en juillet. Rich fut également co-auteur de chansons pour Wynonna Judd, Faith Hill et Keith Anderson alors que Big Kenny offrit à Tim McGraw son hit N°1 “Last Dollar (Fly away)”. Rich joua aussi le rôle de producteur pour certains membres de Muzik Mafia comme Gretchen Wilson, Cowboy Troy et James Otto et également pour l’album country “Perfectly Clear” de Jewel en 2008. Rich déclara dans une interview que Big Kenny devant se soigner d’une blessure, ils avaient été amenés à prendre la décision d’une séparation provisoire jusqu’en 2009. Son album solo doit sortir en Mars chez Warner Bros. Deux titres "Another You" et “Shuttin’ Detroit Down” sont déjà classés.
Ce duo, mélange de country, de rock et de hip-hop est fort diversement apprécié par les fans et par les musiciens country. Certains applaudissent à ce métissage musical et s’y réfèrent ouvertement. D’autres, et en particulier les tenants de la tradition rejettent leur style musical. Le chanteur country texan Keith Davis a même déclaré : « Big & Rich, une tendance à éliminer. »

Discographie :

2004: Horse of a different color/ Big & Rich’s Super Galactic Fan Pak
2005 : Comin’ to your city
2007 : Between Raising Hell and Amazing Grace
2008 : Big & Rich’s Super Galactic Fan Pak 2

Liens :

BELLAMY BROTHERS

2009-03-21T05:29:00.000-07:00

Les Bellamy Brothers sont un duo pop et country formé de deux frères, David Milton Bellamy (né le 16/09/50) et Homer Howard Bellamy (né le 2/02/46), originaires de Darby (Floride). Ils rencontrèrent un grand succès au cours des années 70 et 80 qui commença avec leur grand tube « Let your love flow » en 1975, classé N° 1 au Billboard Hot 100. Ayant débuté à la fin des années 70, les Bellamy Brothers se taillèrent une place de choix dans le monde de la country music en propulsant vingt titres à la première place et en en classant plus de cinquante autres au hit-parade. Ils ont produit plus de 40 albums surtout chez Curb.
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Biographie :

David et Howard Bellamy s’inspirèrent de sources musicales variées. Leur père jouait de la musique country à la maison et faisait également partie d’un orchestre de western swing local. De plus, ils furent influencés par le rock n’roll joué par leur soeur tout autant que par le calypso chanté par les travailleurs jamaïcains qui ramassaient les oranges dans les plantations familiales. Par eux-mêmes, les deux frères apprirent à jouer de la guitare, de la mandoline et du banjo. De son côté, David y ajouta l’accordéon, le violon, l’orgue et le piano. Après des études à l’Université de Floride, David décrocha un diplome de psychologue pendant qu’Howard terminait ses études de vétérinaire. En 1968, ils donnèrent leur premier concert en compagnie de leur père au Rattlesnake Roundup de San Antonio (Floride). La même année, ils partirent pour Atlanta (Géorgie) pour former un groupe nommé “Jéricho”. Jouer dans des clubs et des groupes leur sembla si ingrat qu’ils rentrèrent assez vite chez eux. Mais les deux frères furent bientôt remarqués par un ami de Jim Stafford qui avait l’intention d’enregistrer "Spiders and Snakes", une chanson écrite par David. "Spiders and Snakes" arriva n° 5 au hit parade permettant aux Bellamy de monter à Los Angeles (California). Howard s’improvisa “road manager” pour Stafford.
Années 70 : Ils signèrent un contrat avec Curb Records en 1974. Dennis St. John (qui fut un temps le batteur de Diamond) interprêta avec eux "Let Your Love Flow", morceau écrit par Larry Williams, (un des roadies de Diamonds). Sorti en 1976, ce tube fut No. 1 dans les pop-charts américaines, anglaises, allemandes, scandinaves et même dans quinze autres pays à travers le monde. Par la suite, le succès des Bellamys resta relatif jusqu’en 1979, quand "If I Said You Had a Beautiful Body Would You Hold It Against Me" sortit. La chanson à double sens, inspirée d’une blague de Groucho Marx, leur permit de redevenir N°1 au Country Hit américain et tout comme ‘’Let Your Love Flow’’, connut un succès international phénoménal. Années 90 : Beaucoup d’autres titres suivirent le même chemin comme "Redneck Girl», «Santa Fe", "Old Hippie" et "Kids of the Baby Boom". Avec l’arrivée de la New Country, les Bellamys passèrent chez Atlantic Records en 1991 où ils ne sortirent qu’un seul album avant d’être les premiers artistes country à créer leur propre label. En 1998, les deux fils aînés de David montèrent un groupe appelé ‘’Burnin Sky’’, qui devint ensuite ‘’Elston Gunn’’ et finirent par se présenter sous leurs prénoms, ‘’Jesse and Noah’’. Ils rencontrèrent un certain succès dans les charts texans avec deux singles placés au Top 50 en 2007.
En 2005, les Bellamys coproduisent avec Curb Records (leur précédent label) leur album de compilation “Angels & Outlaws, Volume 1”, comportant les plus gros succès du groupe avec la participation d’artistes comme Dolly Parton, George Jones, Alan Jackson, Tanya Tucker ou Montgomery Gentry. La nouvelle version de "If I Said You Had a Beautiful Body Would You Hold It Against Me" avec Dolly Parton, se classe 60ème durant une semaine au Billboard Hot Country en 2005. Le tout dernier opus des Bellamys fut un album de gospel music, intitulé “Jesus Is Coming », sorti le 8 Mai 2007. Il fut nominé pour deux Dove Awards catégorie meilleure chanson avec « Drug Problem » et meilleur album. Les Bellamy Brothers continuent de se produire sur scène environ 100 fois par an dans tous les pays du monde ainsi que sur les bases américaines militaires. Pour l’heure, ils travaillent sur un autre album d’anthologie et sur un livre parlant de leur famille, leur carrière et leurs voyages.

Discographie :

1976 : Let your love flow
1977: Plain & Fancy
1978 : Beautiful Friends
1979 : The Two and Only
1980 : You can get crazy, Sons of the sun
1982 : When we were boys, Strong weakness
1984 : Restless
1985 : Howard and David
1986 : Country Rap
1987 : Crazy from the heart
1988: Rebels without a clue
1990 : Reality check
1991 : Rolling thunder, Neon Cowboy
1992 : Beggars and heroes
1994 : Nobody’s perfect, Rip off the knob, Take me home
1995 : Sons of beaches
1996 : Tropical Christmas, Dancin
1997 : Over the line
1998 : Reggae Cowboys
1999 : Live at Gilley’s, Lonely Planet
2002 : Reason for the season
2007 : Jesus is coming

Liens :

http://www.youtube.com/watch?v=WKSNHcsqqKM
http://www.youtube.com/watch?v=nAVUrq7jvtM
http://www.youtube.com/watch?v=-KLBCVwXM-w
http://www.youtube.com/watch?v=MzdvQOXxRD4
http://www.youtube.com/watch?v=T0AxCD84Rfs

David Ball

2009-03-13T06:54:00.000-07:00

Biographie :
David Ball est né dans une famille de musiciens à Spartanburg (Caroline du Sud) le 9 juillet 1953. Son père était un pasteur baptiste et sa mère une musicienne aux multpiles talents qui aime toujours jouer des morceaux de musique ragtime au piano. David est le troisième d’une fratrie de quatre frères et sœurs. Ayant commencé par jouer de l’ukulélé, il passa à la guitare à l’âge de 12 ans. Pendant ses années de lycée, il monta « l’Uncle Walt’s Band » avec deux copains, Walter Hyatt et Champ Hood. En 1971, le trio part pour Nashville (Tennessee) où il passe une année à jouer dans de petits clubs, à crever de faim et à squatter chez des amis. Finalement, ils pensent avoir plus de succès à Austin (Texas).
« Nous étions jeunes et affamés, dit David en parlant de ses années d’apprentissage du métier de musicien, nous ne faisions qu’écouter de la musique et en jouer ». Dans le groupe, David chantait à la fois comme soliste et comme choriste. Il jouait de la basse. Le groupe proposait ses compositions ainsi qu’un vaste répertoire de chansons folks et country roots (Jimmie Rogers, Hank William Sr, Will Pierce et Bob Wills principalement). A la fin des années 80, le groupe avait atteint une honnête notoriété et une sorte de statut légendaire dans le Sud Ouest des Etats-Unis.
David Ball décida alors de tenter une nouvelle fois sa chance en solo à Nashville. Et cette fois tout se passa différemment. En 1993, premier énorme succès avec l’enregistrement de « Thinkin’Problem », disque de Platine (Warner). Au printemps 2000, il co-écrit avec Wood Newton, compositeur chevronné de Nashville « Amigo » pour Dualtone Records. Les deux compères utilisent d’authentiques instruments d’époque comme une steel-guitar hawaïenne Fender de 1953 (sans pédales), un accordéon, un harmonica chromatique et des trompettes. Avec ce son si particulier, l’auditeur du disque a l’impression de se retrouver sur une piste de danse texane des premières années de David qui garde une profonde nostalgie de cette époque : « Nous vivions tous ensemble dans un appartement situé au-dessus d’une boutique d’alcools sur la 6ème rue d’Austin et payons 75 dollars de loyer mensuel. Chaque lundi soir, je pouvais aller voir jouer Stevie Ray Vaughn pour 5 dollars… »

Discographie :

1989 : Steppin’ out
1993 : Thinkin’ Problem
1994 : David Ball
1996 : Starlite lounge
1999: Play
2000: Superhits Series
2001: Amigo

Liens:

Hoyt AXTON

2009-03-03T07:39:00.000-08:00

Hoyt Wayne Axton (25/03/38 – 26/10/99) fut à la fois un chanteur auteur-compositeur de musique country et un acteur de cinéma et de télévision. Il acquit sa réputation au début des années 60 sur la Côte Ouest grâce à son style “roots” et à sa voix puissante. Avec le temps, nombre de ses chansons comme "Joy to the World", connu sous le titre "Jeremiah was a Bullfrog!" et surtout "Greenback Dollar" (« Sacré dollar ») furent célèbres dans le monde entier.

Biographie :

Il naquit à Duncan (Oklahoma) et passa son enfance à Comanche (Oklahoma) avec son frère John. Sa mère, Mae Boren Axton, fut la co-auteure du grand classique du rock n’roll « Heartbreak Hotel », premier véritable succès d’Elvis Presley qui enregistra ensuite certains titres de Hoyt. John T. Axton, son père, officier dans la Marine, était affecté à la base de Jacksonville (Floride) où la famille le rejoignit en 1949. Axton quitta le lycée R.E.Lee en 1951. Un peu plus tard, il s’engagea dans la Marine et servit à bord du USS Princeton avant d’entamer une carrière musicale.
Revenu à la vie civile sur la Côte Ouest, il commença à chanter du folksong dans des boîtes de nuit de San Francisco. Au début des années 60, il sortit son premier album intituled Balladeer (enregistré au légendaire “Troubadour”) et qui comportait sa chanson « Greenback Dollar » qui devint un hit en 1963 quand elle fut reprise par le « Kingston Trio ». Axton sortit un grand nombre d’albums jusque dans les années 80, évoluant un peu avec le temps, mais restant fidèle à ses racines "country".
Mais la plupart de ses compositions furent rendues célèbres par d’autres interprètes comme Three Dog Night, Steppenwolf, Ringo Starr, Joan Baez, John Denver, Waylon Jennings. Il chanta également en duo avec Linda Ronstadt (“Lion in Winter” et “When the morning comes”).
Axton apparut pour la première fois à la télévision dans “Histoire d’un chanteur folk” sur ABC en 1963. En 1965, il participa à un épisode de “Bonanza” puis à de nombreuses autres séries. Il dut passer du temps à lutter contre son accoutumance à la cocaïne et nombre de ses chansons comme « The Pusher », « Snowblind Friend » et « No No Song » évoquent ses expériences négatives de drogué. Il était connu comme un farouche opposant à la libération de l’usage de la drogue quand en février 1997, il fut arrêté avec sa femme dans leur maison du Montana en possession de 500 g de marijuana. Sa femme expliqua plus tard qu’elle avait donné de la marijuana à Hoyt pour soulager les souffrances qu’il ressentait à la suite de son attaque de 1995. Hoyt ne se releva jamais complètement de cette attaque. Il passait son temps dans un fauteuil roulant. Sa mère Mae se noya dans son bagnoire dans sa maison du Tennessee en 1997 et Hoyt mourut d’une attaque cardiaque à Victor (Montana) le 26 octobre 1999 à l’âge de 61 ans. Il avait été opéré deux semaines plus tôt suite à une grave attaque cardiaque. Le 1er Novembre 2007, sa mère et lui furent reçus à titre posthume dans le Country Music Hall of Fame de Muskogee (Oklahoma).

Discographie:

• "Greenback Dollar" repris par Kingston Trio
• "The Pusher," reprise par Steppenwolf sur leur premier album en 1968
• "No-No Song," qui fut n°3 au hit-parade avec Ringo Starr en Mars 1975
• "Never Been To Spain", reprise par Elvis Presley, Three Dog Night et Waylon Jennings
• "Joy to the world”, devenu un tube dans l’interprétation de Three Dog Night et qui fut six semaines N° 1 au hit parade
• "Snowblind Friend" (1971), repris par Steppenwolf
• Lightning Bar Blues" (1973) repris par Brownsville Station, Arlo Guthrie et même Hanoï Rocks, un groupe finlandais dans les années 80
• "Sweet Misery" (1974) repris par John Denver
• "The Morning Is Here" (1974)
• "Boney Fingers" (1974)
• "Della and the Dealer" (1979)
• "Hotel Ritz" (1979)
• "Rusty Ol' Halo" (1979)

GENE AUTRY

2009-02-28T14:44:00.000-08:00

Orvon Gene Autry (Né le 29 septembre 1907 à Tioga, Texas, décédé à l’âge de 91 ans le 10 octobre 1998) fut un artiste américain surnommé “Le Cowboy chantant” qui rencontra un énorme siccès à la radio, au cinéma et à la télévision.

Biographie

Petit-fils d’un prècheur méthodiste, il naquit au Texas. En 1920, ses parents Delbert Autry et Elnora Ozment partirent s’installer à Ravia en Oklahoma. Quand il quitta l’école en 1925, Autry travailla d’abord comme télégraphiste pour la compagnie de chemin de fer Saint Louis- San Francisco. Il commença comme chanteur guitariste amateur et se produisit dans de petites salles de bal. Il eut la chance de rencontrer Will Rogers et de faire sa première apparition sur une radio locale en 1928 en temps que « Cowboy yodler de l’Oklahoma » (« Oklahoma's Yodeling Cowboy »).
Il signa un contrat chez Columbia l’année suivante et disposa de son propre show sur une radio de Chicago (WLS) pendant quatre ans. Il rencontra l’auteur compositeur interprère Smiley Burnette. Autrey abordait différent genres : le chant de travail (“The Death of Mother Jones" , 1931), mais également le « hillbilly » dans un style proche des Prairie Ramblers ou de Dick Justice ("Do Right Daddy Blues","Black Bottom Blues" qui ressemblent beaucoup à "Deep Elem Blues", chansons de l’époque de la prohibition qui parlent des bootleggers, de la corruption de la police et des femmes de petite vertu.
Mais son premier grand succès fut “That silver haired daddy of mine” (1932) en duo avec un ami cheminot, Jimmy Long. Autry enregistra également de nombreux autres titres comme “Back in the saddle again”, un classique de Ray Whitley, de nombreux chants de Noël parmi lesquels son plus grand succès, “Rudolph the red nosed reindeer”. Propriétaire du label « Challenge Records », il fut responsable du lancement de « Tequila », des Champs qui donna le coup d’envoi en 1958 à la folie du rock and roll instrumental.
Dans les années 30 et 40, il participa à 44 films, la plupart des westerns de série B dans lesquels il chevauchait son cheval Champion et trouvait toujours le moyen de chanter quelques romances. Il fut le premier des « Cowboys chantants » et laissa sa place à Roy Rogers quand il entra dans l’US air Force comme pilote pendant la Seconde guerre mondiale.
Au début de 1947, il fonda sa propre société de production de westerns, distribués par Columbia et monta son propre show de télévision en 1950. Il quitta le show bisiness en 1964 avec à son actif une centaine de films et plus de 600 disques.

Les 10 commandements du Cowboy
Il les rédigea à l’intention des fans qui cherchaient à l’imiter..
Le Cowboy ne doit jamais tirer le premier, frapper un homme plus petit, ou le désavantager.
Il ne doit jamais revenir sur sa parole, ou sur un secret confié.
Il doit toujours dire la vérité.
Il doit être gentil avec les enfants, les vieillards, et les animaux.
Il ne doit ni promulguer, ni entretenir d'idées raciales ou d'intolérance religieuse.
Il doit aider les personnes en difficulté.
Il doit être un bon travailleur.
Il doit veiller à garder ses pensées saines, tant en paroles, qu'en action et dans ses habits personnels.
Il doit respecter les femmes, ses parents, et les lois de sa nation.
Le Cowboy est un patriote.
Discographie
"A Face I See at Evening", "That Silver-Haired Daddy of Mine", "The Last Roundup", "Cowboy's Heaven", "South of the Border", "Tumbling Tumbleweeds”, "Mexicali Rose",
"Take Me Back to My Boots and Saddle", "Gold Mine in the Sky", "South of the Border (Down Mexico Way)", "Back in the Saddle Again", « Blueberry Hill », "Be Honest With Me"
"Here Comes Santa Claus", « Ghost riders in the sky », “Rudolph the red nosed Reindeer”, "Peter Cottontail", "Frosty the Snow Man", "Up on the Housetop", "Nobody's Darlin' but Mine"
Liens
http://www.youtube.com/watch?v=87gXrWfcmMA
http://www.youtube.com/watch?v=rBfKfVaHY50&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=sOqCF5o8WPY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=HXXBxYZiRPU&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=o6dx8AfTmQk&feature=related

Chet Atkins

2009-02-16T02:14:00.000-08:00

Biographie

Chester Burton Atkins est né dans une ferme près de Lutrell, Tennessee, le 20 juin 1924. Élevé dans une ambiance musicale avec un père pianiste et un frère guitariste qui fit plus tard partie de l'orchestre de Les Paul, il devient violoniste professionnel à l'âge de 17 ans pour une radio de Knoxville. Amateur de disques de Merle Travis, il se met à la guitare.Vers 1946, il débute à Nashville sous le nom de Chester Atkins and The All Star Hillbillies enregistrant l'intéressant « Guitar Blues ». En 1948, il joue avec deux amis qui deviendront célèbres sous le nom de Homer et Jethro et rencontre les Carter Sisters et Mother Maybelle avec qui il apparaît sur la scène du Grand Ole Opry de Nashville en 1950. Remarqué par RCA, il devient musicien de session, remportant un premier hit au début des années cinquante avec « Galloping Guitars ».
Il rêvait aussi d'être chanteur, mais partout on ne réclame que sa guitare magique et il participe aux dernières sessions d'Hank Williams et aux premières d'Elvis Presley pour RCA en janvier 1956, jouant notamment sur « Heartbreak Hotel ». Nommé responsable des studios RCA de Nashville à partir de 1957, il contribuera à forger le fameux « Nashville Sound » en compagnie du pianiste Floyd Cramer, des guitaristes Hank Garland et Grady Martin, du bassiste Bob Moore et du batteur Buddy Harmon, fournissant l’accompagnement musical de nombreux artistes dont la chanteuse de rockabilly Janis Martin. Il fut également producteur de plusieurs albums de Hank Snow. Il se fera lui-même un nom grâce au succès de son album « Teensville » en 1960 qui contenait deux de ses premiers hits Boo Boo Stick Beat (1959) et One mint Julep (1960). En 1963 sortie de l'album « Teen Scene » avec I got a woman, Susie Q. Notons également « What'd I say/Charlie Brown » ainsi qu'une soixantaine d'albums dans lesquels Chet aborde tous les styles musicaux. Roi du picking et du finger style, il fut l'un des guitaristes les plus prolifiques et les plus influents des années cinquante à nos jours. Son style country imité par le célèbre guitariste Marcel Dadi lui vaudra la plus large part de sa notoriété enFrance. Véritable institution, Chet Atkins, vice-président de RCA Nashville et découvreur d'innombrables talents comme Charlie Pride, fut élu meilleur musicien de l'année par la Country Music Association (CMA) en 1967, 1968, 1969 et 1984 !
La physionomie de la country music des années soixante aurait été différente sans son apport. Et c'est à juste titre qu'il fut élu en 1973 membre du Country Music Hall of Fame. Paradoxalement, Chet Atkins qui avait contribué à la sophistication de la musique « Made in Nashville », s'inquiètait des nouvelles directions, prônant un retour aux sources salvateur. Outre son rôle de producteur, il restera avant tout comme l'un des guitaristes les plus importants de l'histoire de la musique populaire, à l'instar de son maître, le regretté Merle Travis. Spécialiste de la guitare électrique durant les années cinquante (il collabora avec Gretsch pour l'élaboration de la fameuse guitare « Chet Atkins Country Gentleman »), il deviendra également au début des sixties, l'un des rois de la guitare classique.Technicien hors pair et « picker » impressionnant, il resta au plus haut niveau tout au long des années soixante-dix. Il donna son dernier concert en France à l'Olympia le 10 décembre 1977 avec Marcel Dadi.

Discographie

Guitar blues
Mister guitar
Most popular guitar
Guitar country
A man and his guitar
Mark Knopfler + Chet Atkins « Neck and neck » (peut-être le meilleur)
(En tout plus de 60 albums)

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=SoHeMlh_8A0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=7Svm_Vnntyk&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=c2Th5LAhw-E&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=qZMcF0SJEFk&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=AfIdvTAXysI&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=gO6m7uZ8ois&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=5wTVLIZaxMk&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=BtgFRqz_gXE&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=LAKXrj0-8cg&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=Dn0lcu5CLGc&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=8ArKtjF8LGU&feature=related

Asleep at the wheel

2009-02-04T13:47:00.000-08:00

Biographie

Asleep at the Wheel est un groupe de country et western swing récompensé par de multiples Grammies qui fut formé à Paw Paw (West Virginia) puis basé à Austin (Texas) et co-fondé en 1969, par Ray Benson et Lucky Oceans (Reuben Gosfield). Très vite ils se retrouvèrent en première partie d’Alice Cooper et de Hot Tuna à Washington DC. Un peu plus tard, ils s’installèrent à West Oakland (Californie) à l’invitation du groupe Commander Cody and his lost planet Airmen. En 1973, leur premier album parut chez United Artists. Sur les conseils de Willie Nelson, ils arrivèrent à Austin en 1974, année où ils sortirent leur deuxième album « Asleep at the wheel » contenant une reprise du titre de Louis Jordan « Choochoo boogie » qui leur permit de figurer au hit parade country. En 1977, ils furent sacré « Meilleur groupe Country et Western » par la revue « Rolling Stone » et « Meilleur groupe live » par l’Academie de Musique Country (CMA). Ils accompagnèrent Emmilou harris dans sa tournée européenne.

Les années 80 furent très mouvementées pour le groupe : changement de maison de disques (MCA puis Epic), départ de Lucky Oceans et de Chris O’Connell. Très endetté, ils durent travailler pour la publicité et des musiques de films et ne rebondirent qu’avec la sortie de 10 en 1987 (deuxième Grammy Award). En 1991, Ray Benson dirigea la musique et partagea l’affiche avec Dolly Parton dans le film « Wild Texas Wind ». En souvenir du 66ème anniversaire de la création de la Route 66, le groupe démarra une grande tournée « Route 66 » dans tout le pays. D’après le magazine « Rolling Stone », Ray Benson ne se contenta pas de récupérer les fans de Bob Wills comme Merle Haggard, Willie Nelson ou Lyle Lovett pour son album hommage, il permit également à des jeunes pousses comme les Dixie Chicks, Tim McGraw ou Lee Ann Womack d’apparaître sans oublier un gardien de l’authentique comme Dwight Yoakam
Asleep at the Wheel reçut 6 fois l’Austin Music Award et fut déclaré “Groupe de l’année en 2007, Compositeur de l’année (Benson), meilleur groupe country de l’année, producteur de l’année et meilleur chanteur de l’année (Benson) et meilleur guitariste acoustique de l’année (McQueen). A l’occasion du centième anniversaire de la naissance de leur inspirateur, Bob Wills (6 mars 1905 à Kosse Texas), il fut question de produire un nouvel album hommage. Mais comme il y en avait déjà eu deux, Benson préféra mettre sur pied une véritable comédie musicale avec l’aide de son amie compositrice Ann Rapp. « A ride with Bob » démarra à Austin au printemps 2005 avec quatre dates à guichets fermé puis le spectacle partit en tournée dans tout le Texas, l’Oklahoma et l’Arkansas où il rencontra partout un immense succès. Il fut joué aussi bien à San Francisco qu’à Washington DC devant deux spectateurs inattendus, George W.Bush et sa femme Laura. « La plus extraordinaire soirée de divertissement du Texas”, nota Liz Smith dans le New York Post.
Le groupe est actuellement compose de Ray Benson, Jason Roberts, David Sangle, David Miller, John Whitby, Eddie Rivers et Elizabeth McQueen.

Discographie

1973: Comin’ right at ya
1974: Asleep at the wheel
1975: Fathers and sons, Texas gold
1976: Wheelin’ and dealin’
1977: The wheel
1978: Collision course
1979: Served lived
1980: Framed
1985: Asleep at the wheel
1987: 10
1988: Western standard time
1990: Keepin’ up nights
1992: Route 66
1993: A Tribute to the music of Bob Wills
1995: The Wheel keeps on rolling
1997: Back to the future now (Live in Arizona), Merry Christmas y’all
1999: Ride with Bob
2003: Take me back to Tulsa, Wide awake (Live in Oklahoma), Live at Billy Bob’s Texas, Remember the Alamo
2006: Live from Austin Texas
2007: Kings of Texas swing, Santa loves to boogie

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=ZtDn5ChHI28
http://www.youtube.com/watch?v=r9KVuLRRnUI&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=UWv68pcv3H0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=MicJmfFhjnw&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=8P2JdCjdZVI&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=OID0ys7B90o&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=-A62VdaFAhw&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=8pZvCnjiAbI&feature=related

Eddy Arnold

2009-01-18T06:44:00.000-08:00

Eddy Arnold (né Richard Edward Arnold le 15 mai 1918 à Henderson, Tennessee) est un chanteur country américain décédé le 8 mai 2008. 146 de ses chansons furent parmi les meilleures ventes dans leur Etat et parmi celles-ci, 28 furent n°1 au hit-parade national. Eddy Arnold se range parmi les chanteurs les plus connus de la musique country.
Biographie
Natif du Tennessee, il fit sa première apparition à la radio en 1936. Pendant son enfance, il perdit à la fois son père et la ferme familiale. Quand il eur 18ans, il quitta la maison pour essayer de laisser sa marque dans le monde musical. Ses années de formation consistèrent à lutter pour être reconnu avant d’être engage comme chanteur soliste dans le Pee Wee King band. En 1943, Arnold était déjà devenu le star de Grand Ole Opry. Il signa un contrat d’enregistrement chez RCA Victor et en décembre 1944, il enregistra son premier disque. Bien que tous ses anciens enregistrements se vendirent fort bien, son veritable premier grand hit arriva en 1946 avec "That's How Much I Love You." Comme beaucoup d’autres chanteurs de country et western de l’époque, il fut surnommé : « Le laboureur du Tennesse », "The Tennessee Plowboy."
Pris en main par le Colonel Tom Parker (qui lança plus tard la carrière d’Elvis Presley), Arnold commença à dominer la scène country. En 1947-48, il plaça 13 de ses chansons dans le top 20. Il réussit parfaitement la transition entre la radio et la télévision, apparaissant souvent dans le nouveau médium. Avec l’arrivée du Rock and Roll, les ventes de disques d’Arnold se mirent à chuter vers la fin des années 50. Avec Jim Reeves, chez RCA, il essaya d’élargir son public en se rapprochant des sonorités pop, des arrangements à cordes créant un style qui sera plus tard connu sous le nom de « Nashville Sound ».

En passant dans l’écurie du manager Jerry Purcell en 1964, Arnold se lança dans une seconde carrière qui dépassa encore le succès de la première.n the process, he succeeded in his ambition of carrying his music to a more diverse audience. Déjà enregistré par de nombreux artistes, "Make The World Go Away", à nouveau reprise par lui et le producteur Chet Atkins, arrangé par Bill Walker et accompagné par les Anita Kerr Singers et par le pianiste Floyd Cramer devint un hit international. A cette époque, Arnold plaça 16 titres dans le hit parade, commença à se produire avec des orchestres symphoniques sur des scènes prestigieuses comme le Carnegie Hall de New York, au Coconut Grove d’Hollywood et joua longtemps à guichets fermés à Las Vegas. Dans les années 70, il quitta RCA pour MGM où il enregistra: "I Wish That I Had Loved You Better" qui entra au Top 20 hit en 1974. Après quelques nouveaux enregistrements chez RCA l’album “Eddy”, et le hit single "Cowboy", qui rappelle le classique "Cattle Call" il fit ses adieux, ce qui ne l’empêcha pas d’enregistrer chez RCA un dernier album, « After all these years » en 2005 à l’age de 87 ans. Arnold détient le record de la plus longue carrière discographique puisqu’il s’est écoulé 62 ans et 11 ans mois entre la sortie de son premier disque le 30 juin 1945 "Each Minute Seems Like a Million Years" et celle de son dernier "To Life" daté du 31 mai 2008, peu après son décès.
Discographie
1955: Anytime, The chapel on the hill, Wanderin, 1956: A little on the on the lonely side, 1957: My darling, my darling, When they where young, 1958: Praise him, praise him, 1959: Have guitar, will travel, Thereby hangs a tale, 1960: Eddy Arnold sings them again, More Eddy Arnold, You gotta have love, 1961: Christmas with Eddy Arnold, Let’s make memories tonight, One more time, 1962: Our man down south, 1963: Cattle call, Faithfully yours
1964: Folksong book, Sometimes I’m happy, sometimes I’m blue, My world, The easy way, I want to go with you, Somebody like me, The last word in lonesome, Lonely again, Turn the world around, The everlovin’ world of Eddy Arnold, The romantic world of Eddy Arnold, Walkin’ in love land, Songs of the young world, The glory of love, The warmth of Eddy Arnold, Love and guitars, Standing alone, Loving her was easier, Portrait of my woman, Welcome to my world, Eddy Arnold sings for housewives and other lovers, Lonely people, The world of Eddy Arnold, I wish that I had loved you better, She’s got everything I need, The wonderful world of Eddy Arnold, Eddy, I need you all of the time, Many tears ago, Hand holdin’ songs, You don’t miss a thing, (2008): After all these years.

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=hTKeo4w7npA

Une bonne année...

2008-12-28T04:41:00.001-08:00

Pleine de bonne musique...

A toutes et tous.

America

2008-12-19T12:12:00.000-08:00

America est un groupe de folk rock anglo-américain. Fondé par Gerry Beckley, Dewey Bunnell et Dan Peek, il est surtout connu dans les années 70 pour ses tubes « A horse with no name », « Tin Man », « Lonely People », « Ventura Highway » et «You can do magic », quoique beaucoup d'autres aient obtenu un succès raisonnable. Bien qu'apprécié par la critique, le groupe n'a pas toujours connu de succès commercial, malgré la réussite de son premier album « America » qui a atteint le sommet des charts britanniques.

Biographie :
Gerry Beckley est un des membres fondateurs du groupe “America”. Né le 12 septembre 1952 à Fort Worth, Texas de père américain et de mere anglaise. Il commença à jouer du piano à l’âge de 3 ans et de la guitare quelques années plus tard. En 1962, il jouait de la guitare dans un groupe instrumental de Virgionie, les «Vanguards ». En passant ses vacances d’été en Angleterre, il découvrit le « British sound ».En 1967, son père devint commandant de la base de l’US Air Force de West Ruislip, proche de Londres. Gerry suivit les cours de la Central High School d’Hartfordshire où il joua dans de nombreux orchestres étudiants et où il rencontra les dues autres members d’America, Dewey Bunnell and Dan Peek.

La chanson « A Horse with no name » a été placée dans la bande-son du jeu video Grand Theft Auto San Andreas » et a été utilisée, en France, dans une publicité pour la Renault Modus. On peut aussi la retrouver dans un épisode des séries télé « Friends » et « Six feet under ». Horace Andy en a fait une version reggae dans son album « Me kit Burn ».
Discographie :
1972 : America, Homecoming
· 1973 : Hat Trick
1974 : Holiday
1975 : Hearts, History: America’s Greatest Hits
1976 : Hideaway
1977 : Harbor, America Live
1979 : Silent Letter
1980 : Alibi
1982 : A view from the ground, The last Unicorn
1983 : Your Move
1984 : Perspective
1985 : In Concert
1991 : Encore : More Greatest Hits
1992 : Ventura Highway and other Favourites
1994 : Hourglass
1995 : King Biscuit Flower Hour
1998 : Human Nature
2000 : Highway, 30 years of America (box set)
2001 : The definitive America
2002 : Holiday Harmony, The grand Cayman Concert, Complete Greatest Hits
2007 : Here & Now
Liens :
http://www.youtube.com/watch?v=CxUGR8vc8NE
http://www.youtube.com/watch?v=LDL02th72u4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=X-VGxYAVx-0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=Dd2Ch6WBeQU&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=rQ3ax8NWNGA&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=Qk-7n1hdK3M&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=aS1c9U2LI3U&feature=related

Lynn Anderson

2008-12-04T08:32:00.000-08:00

Biographie

Née à Grand Forks (Dakota du Nord), le 26 septembre 1947 puis élevée en Californie, Lynn se vit transmettre l’amour de la musique country par le biais de sa mère Liz Anderson, célèbre compositrice qui écrivit des hits comme "The Fugitive" et "My Friends Are Gonna Be Strangers" pour le groupe de Merle Haggard, The Strangers. La première apparition de Lynn dans le monde de la country fut, quand, à peine teenager, elle participa à un concours de chant sponsorisé par le programme « Country Corners » de Sacramento. Vers 20 ans, elle signa un contrat de trois ans avec une compagnie nationale ce qui lui permit d’enregistrer une série de hits comme : "That's a No No," "Rocky Top," "Promises, Promises," "I've Been Everywhere," and "Big Girls Don't Cry." Elle était déjà une habituée des meilleurs plateaux télé. Quand elle entra au Lawrence Welk show, elle devint la seule chanteuse country à se produire chaque semaine sur le petit écran au niveau national. En 1970, Lynn partit pour Nashville et entra chez Columbia. Avec son mari et producteur Glenn Sutton, elle commença à enregistrer toute une série de disques qui rencontrèrent un grand success populaire. Puis Lynn entra en studio pour enregistrer le morceau de Joe South, "Rose Garden". La chanson atteignit le sommet des classements aussi bien country que pop ce qui était tout à fait inhabituel à l’époque. "Rose Garden" transforma Lynn Anderson en superstar internationale. L’album, "Rose Garden, " sortit après le single en février 1971. Il devint disque d’or un peu partout dans le monde et disque de platine aux USA. Elle reçut 32 récompenses pour ce succès phénoménal. "Rose Garden" demeurait l’album le plus vendu par une chanteuse country depuis 1971 quand en 1997, Shania Twain lui ravit ce record.
Après "Rocky Top" and "Rose Garden," sortirent encore un grand nombre d’autres tubes comme: "Cry," "How Can I Unlove You," "Keep Me in Mind," "You're My Man," "Man What a Man My Man Is" et "Top of the World". Pendant une carrière étalées sur plus de 4 décades, Lynn a aligné 8 N° 1, 18 titres placés dans le Top-Ten, et plus de 50 au Top-40. Elle a eu un total de 17 Albums d’or et gagné pratiquement tout les Awards possibles pour une chanteuse. Elle fut « Chanteuse de l’année » au CMA (Award de l’académie de musique country) à deux reprises, “Meilleure chanteuse américaine” au AMA (American Music Award), Meilleure artiste de la décade (1970-1980) et meilleure artiste Billboard de la décade (1970-1980) sans parler des prestigieux Grammy Award. Ses disques se sont vendus par millions dans le monde entiers et nombre de ses disques sont devenus des standards comme les « Bluegrass Sessions » de 2004. Son nouvel album intitulé « Cowboy Sweetheart » rassemble une série de chansons de cowboy représentant bien son amour de l’histoire de l’Ouest américain, sa tradition et son influence sur la nation tout entière.
Non contente d’être multi-millionnaire en nombre de disques vendus, Lynn a également rencontré un grand succès dans le monde équestre. Elle a été 16 fois championne des Etats-Unis, 4 fois Championne du monde et a remporté nombre de trophées célèbres. Elle a produit un spectacle exceptionnel "American Country Cowboy's" au profit de plusieurs associations en faveur des handicapés. Son esprit philanthropique est connu de longue date. Un de ses enregistrement fut même choisi comme hymne de la campagne de Noël pour la défense des phoques. Elle s’est aussi intéressée à la thérapie équestre au travers de programmes d’équitation pour enfants et adultes.
Lynn habite depuis 20 ans à Taos, Nouveau Mexique. Elle possède de nombreux chevaux et continue à participer à des compétitions équestre au niveau national et à tourner deux ou trois fois par mois dans les plus importants casinos, les centres culturels, les foires et les festivals. La Société américaine de la rose a créé une jolie hybride rose thé, couleur crème bordée de rose et l’a appelée la « Lynn Anderson ». Lynn n’avait pas promis un jardin de roses, mais elle a donné aux amoureux de la musique beaucoup plus, elle a caractérisé le mot « Légende ».

Discographie
Rocky top
Feel me
Listen to a country song
Cry
What a man, my man is
You’re my man
How can I unlove you
Top of the world
Rose garden

Liens
http://www.youtube.com/watch?v=RZ8UEnqP9zw&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=pCGMHnAEWvI&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=s4wZ1WAxr1A&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=iitO6_jXgc4&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=KBRljZYCFVs&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=ZBIrjj0Gsk8&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=o7RLe2LZkSs&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm
http://www.youtube.com/watch?v=XtvjAOXUttw&eurl=http://www.lynnandersonshow.com/videos.htm

Jason Allen

2008-11-22T15:06:00.000-08:00

Biographie

Etoile montante de la scène country texane actuelle, Jason Allen auteur compositeur interprète et maintenant co-producteur de son dernier album « The Twilight Zone » joue de la guitare solo et acoustique avec son groupe Al Quaid composé de Brian Dunn à la batterie, Randy Reinhardt à la steel-guitar et Chris Whitten au violon. Ils se sont produits au festival de Craponne (France) en juillet 2005. Jason, qui vient d’être père en janvier dernier, a grandi sur la route, apprenant à chanter et à jouer de la guitare dans l’Est du Texas quand son père, maçon, promenait sa famille de ville en ville au gré de ses chantiers de construction. Allen commença par chanter dans des cours puis sur de petites scènes avec l’aide de sa famille. A dix ans, il avait déjà une guitare sur le dos et à 18 ans, il prenait la route et commençait une carrière de guitariste solo dans un orchestre de bars. Avec les années, son succès n’a fait que s’amplifier. Il affirme que son but est de « perpétuer la tradition » et le pari est réussi pour ce jeune artiste dont tout le monde parle à Austin (Texas). 100% country, 100% texan !

Discographie:

“Jason Allen”
“Wouldn’t it be nice”
“Live at Gruene Hall”
“The Twilight Zone” (2008)

Liens:

http://www.youtube.com/watch?v=yud0AxnYbXQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=ycPn67RN5Qs&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=3o1XPajVLtE&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=EDCMdPz-9Yo&feature=related

GARY ALLAN

2008-11-08T09:08:00.000-08:00

Biographie

Né en Californie en 1967, Gary Allan a commence à accompagner dès l’âge de 11 ou 12 ans son père et son frère qui jouaient de la musique country dans les bars de la West Coast. Chez les Allan, la musique a toujours été une affaire de famille. Son père était influencé principalement par Merle Haggard et Buck Owens et c’est en les écoutant que Gary a appris. Il fut également influencé par Willie Nelson, Waylon Jennings et tous les artistes californiens en général.
Habitant toujours la Californie, il fait de nombreuses tournées toute l’année dans le pays. Participa au festival de Gstaad en 1999 et se produisit en première partie d’Allan Jackson et de Willie Nelson lors de ses débuts.
Au début, un peu marginal par rapport au new country actuel de Nashville, Gary Allan est maintenant une vedette confirmée de la scène country US.

Discographie :

1996 : Used heart for sale
1998 : It would be you
1999: Smoke rings in the dark
2001 : Alright guy
2003 : Tough little boys, See if I care
2005 : Tough all over
2007 : Living hard , Greatest hits

Liens:

http://www.dailymotion.com/video/x2dz03_gary-allan-the-one_music
http://www.dailymotion.com/video/x1p3u9_gary-allan-best-i-ever-had_music
http://www.aufeminin.com/video/see_60079/gary-allan-is-back.html
http://fr.youtube.com/watch?v=6XX9awjX_zo
http://fr.youtube.com/watch?v=aC5uSKLdRCI
http://fr.youtube.com/watch?v=iQFYlq3ootM
http://fr.youtube.com/watch?v=rULQNIEX_6k
http://fr.youtube.com/watch?v=SzmgAM8rIgo
http://fr.youtube.com/watch?v=P3_7ph6XK-g

JOHN ANDERSON

2008-11-01T13:39:00.000-07:00

Biographie

L’histoire de John Anderson et de son fameux album de super platine “Seminole Wind”, est celle du plus extraordinaire "come-back" de la décade 90. La juste récompense d’un chanteur qui entra dans la musique country comme un ouragan et parvint à la garder fidèle à ses racines dès le début des années 80. Ses chansons les plus célèbres de cette époque furent : Wild and Blue, I'm Just An Old Chunk Of Coal, 1959, I Just Came Home To Count The Memories, Black Sheep et Swingin'. Swingin' fut non seulement déclarée chanson de l’année 1983 mais également classée par l’AMOA au niveau des meilleurs titres des Beatles, Elvis Presley, Frank Sinatra, Patsy Cline, George Jones, et des Rolling Stones.
« Straight Tequila Night”, la face 2 de “Seminole Wind” arriva numéro un dans tous les charts. « When It Comes To You” atteignit la seconde place pendant que “Seminole Wind”, atteignait la première dès sa sortie en 1992. John Anderson écrivit « Seminole Wind » après avoir rendu visite à sa grand mère âgée de 95 ans et après avoir découvert, au volant de sa voiture, les terribles changements écologiques que le temps et le progrès avaient apportés à l’Etat où il était né. La vidéo fut tournée dans une réserve naturelle des Everglades (Floride) avec l’aide et la participation des Indiens Séminoles. Elle fut également classée n°1 dans les charts vidéos.

Né en 1955 en Floride, John Anderson commença sa carrière musicale à Nashville en 1972 alors qu’il était âgé de 17 ans. Il monta un à un les échelons en commençant par chanter sur de toutes petites scènes pour 5 dollars la nuit du côté de Lower Broadway alors qu’il travaillait le jour comme couvreur pour le nouveau Grand Old Opry House à Opryland. Après Seminole Wind, John enregistra encore de nouveaux hits très appréciés des critiques comme “Money In The Bank”, “I’ve Got It Made”,” I Wish I Could Have Been There”, “Let Go Of The Stone”, “Bend It ‘Til It Breaks”, “Mississippi Moon”et “Somebody Slap Me”. Il continue à tourner un peu partout et tout le monde apprécie son courage et sa loyauté. Il reste une référence pour un grand nombre de jeunes chanteurs country en raison de sa fidélité à la véritable tradition.

Discographie

1981: I just came home to count the memories, John Anderson II
1982: Wild and blue
1983: All the people are talking
1984: Eye of a hurricane, Greatest Hits
1985: Tokyo Oklahoma
1987: Blue skies again, Countrified
1990: Too tough to tame, Geatest Hits II
1992: Seminole wind
1993: Solid ground
1994: You can’t keep a good memory down, Christmas time, Country till I die
1995: Swingin’
1996: Paradise, Greatest hits
1997: Takin’ the country, The Encore Collection
1998: Super hits, Essential John Anderson
1999: Backtracks
2000: Nobody’s got it all
2002: Country Legend, Anthology
2004: Ultimate hits
2006: Country classics
2007: Easy money

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=KGoBQIhyFFM
http://www.youtube.com/watch?v=1Rh3e7MPxEg&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=WFc4j3zlrko&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=qr3wI39cuGQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=EZUx1RGUDXA&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=7pJL7TRM00Y&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=HGMv8f_qZTY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=HmLM4W2hySc&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=JjI5wotM_ZU&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=yOqADwinTKc&feature=related

REX ALLEN

2008-10-16T10:43:00.000-07:00

Biographie

(1921- 1999)

Célèbre sous le nom de “Cowboy de l’Arizona”, Rex Allen fut le dernier des cowboys chantants d’Hollywood. Entre 1950 et 1954, il fut la vedette de 19 films des studios Republic. Le cinéma lança la carrière musicale d’Allen qui enregistra un certain nombre de singles et d’albums au début des années 50 avant que ce style ne disparaissez lentement des bacs. Fils d’un violoniste, Rex se vit offrir sa première guitare à onze ans car son père souhaitait qu’il l’accompagne dans ses prestations. Il commença très vite à chanter. A la fin de ses études, il travailla quelque temps dans une station de radio de Phoenix puis il entra dans le circuit des rodeos où il ne resta pas car il fut blessé par un taureau. Il revint à la chanson, engagé par WTTM à Trenton dans le New Jersey en 1943.
Grâce à sa rencontre avec le duo Lulu Belle et Scotty, il rejoignit le National Barn Dance et la station WLS de Chicago, ville dont il devint une célébrité. Il fut l’un des premiers artistes du Country and Western à signer chez Mercury qui édita son succès « Afraid » en 1949, année où il rejoignit Hollywood. Participant aux émissions de radio chez CBS, il fut embauché par Republic Pictures comme vedette du film, The Arizona Cowboy, qui sortit en 1950 et qui fut un succès. En 1951, il enregistra un premier tube: "Sparrow in the Tree Top" chez Mercury, qui intégra le country Top Ten et le Top 30. Peu après, Allen signa avec Decca, qui publia son plus grand succès "Crying in the Chapel” qui parvint au Top Five en 1953. Dans la seconde moitié de la décade, il sortit plusieurs albums de chansons western et joua dans les 39 épisodes de la série télévisée « Frontier Doctor”. Dans les années 60, Rex Allen signa à nouveau avec Mercury. En 1962, "Don't Go Near the Indians," ramena le chanteur dans le country Top Ten dans le pop Top 20. On peut noer également : "Marines Let's Go" (1961) et "Tear After Tear" (1964).

A la fin des années 60, le chanteur retourna chez Decca où il n’obtint qu’un relatif succès avec "Tiny Bubbles" (1968). A cette époque et au début des années 70, il enregistra encore pour Disney, Buena Vista, and JMI. Il était devenu plus célèbre comme récitant dans nombre de films et séries télévisées et comme voix dans des dessins animés. Dans les années 80, son fils aîné, Rex Allen Jr, devint star à son tour. Dans sa ville natale de Willcox, Arizona, se trouve un musée Rex Allen. Allen fit quelques apparitions dans des fêtes du film western où il put constater qu’il était toujours aussi apprécié du public. Il mourut le 17 décembre 1999, dans un accident de voiture alors qu’il était âgé de 78 ans.

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=332pwlof53g
http://www.youtube.com/watch?v=lgmkuKAWPbQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=B1dJRsFYbXs&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=CIgq6uHMZqM&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=8y-_9ADCzmM&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=_f3anjSzk0M&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=mgIyAUCjKcs&feature=related

JULES VERNE ALLEN

2008-09-29T14:03:00.001-07:00

Biographie

Né en 1870, décédé en 1945, Jules Verne Allen fit partie de la poignée d’authentiques chanteurs et compositeurs cow boys, tout comme Carl T. Sprague, qui eurent une vie en rapport avec leurs chansons. Il conduisit vraiment des troupeaux, participa à des rodéos et à des spectacles ambulants présentant la vie du Far West dans tout le pays au début du XXème siècle. Il publia ses mémoires en 1933 et effectua quelques enregistrements en 1928-29 dans la plus pure tradition.
Il commença sa carrière de chanteur dans les années 20 sur des radios locales à Dallas, San Antonio et Los Angeles, utilisant divers pseudonymes comme Longhorne Luke. Il enregistra les toutes premières versions de : "The Cowboy's Dream," "Home on the Range," and "Days of Forty-Nine." Sa version de "The Dying Cowboy," more familiar as "Oh Bury Me Not on the Lone Prairie," est la plus authentique d’une chanson don’t l’origine remonte à 1830. Il fut également compositeur et auteur lui-même et publia “Cowboy Lore”, contenant une trentaine de chansons sur sa vie de cowboy en 1933 qui fut réédité à plusieurs reprises, la dernière fois en 1971, soit quelque 26 ans après sa mort.

Discographie

Quelques titres en compilations comme :
« Cow boy’s lament » (Western Cow boys ballads and songs 1925-1939)

THE ALLMAN BROTHERS

2008-09-24T10:11:00.000-07:00

Biographie

Le groupe se forme pour la première fois à Jacksonville (Floride) le 26 mars 1969. Il rassemble alors six musiciens: deux frères, Duane Allman (guitare mélodique, slide guitar) et Greg Allman (chant, orgue), Dickey Betts (guitare soliste, chant), Berry Oakley (guitare basse), Butch Trucks (percussions) et Jay Johanny Jaimoe Johanson (batterie).
Les frères Allman, Duane et Gregg, appartenaient précédemment à un groupe amateur The Escorts rebaptisé Allman Joys puis finalement The Hour Glass qui sortit deux albums médiocres chez Liberty Records: Hour Glass et Power of Love en 1967 et 1968. Liberty rompit le contrat avec tous les membres, sauf Gregg Allman susceptible, d'après Liberty, d'avoir quelque potentiel commercial. Duane, de son côté, participe à quelques enregistrements aux studios de Muscle Shoals (Alabama) en particulier sur l'album Tonton Macoute de Johnny Jenkins. Il commence alors à taper le bœuf dans les environs de Jacksonville au côté de Dickey Betts, Butch Trucks et Berry Oakley. Duane invite Jay Johanson, un batteur avec lequel il avait eu l'occasion de jouer, à se joindre au groupe qui commence à prendre forme. Gregg est alors à Los Angeles pour Liberty Records mais Duane le fait revenir à Jacksonville car il est à la recherche d'un chanteur pour son tout nouveau groupe.

The Allman Brothers Band se produit à de nombreuses reprises dans le Sud avant de sortir un premier album blues-rock, salué par la critique mais qui ne trouve qu'une audience limitée. Leur second album, Idlewild South (1970), rencontre un énorme succès critique et permet pour la première fois au groupe de vivre de sa musique. Les titres Revival et Midnight Rider illustre la tendance du groupe à réaliser des morceaux plus courts, plus proches du format radio. La même année, Duane Allman enregistre le désormais classique Layla and other assorted love songs avec le groupe d’Eric Clapton Derek and the Dominos.
En 1971, le groupe réalise son premier album live, At Fillmore East enregistré les 12 et 13 mars dans ce temple du rock de l’époque. L'album rencontre un énorme succès. Il contient ce mélange unique de blues, de rock et de jazz qui devient l'identité musicale du groupe.
The Allman Brothers reçut l'honneur d'être le dernier groupe à se produire sur la scène du Fillmore avant sa fermeture en juin. L'ultime spectacle qu'ils délivrèrent devint légendaire, notamment parce que le groupe joua littéralement toute la nuit. En 2005, Gregg Allman racontait comment les musiciens avaient perdu toute notion du temps, ne réalisant qu'il était l'aube qu'à l'ouverture des portes du Fillmore.
Peu après que « At Fillmore East » ne soit disque d'or, Duane Allman, victime d'un accident de moto, décède le 29 octobre 1971 à Macon (Géorgie). L'album se répand progressivement sur les ondes, certaines stations diffusant même des morceaux de 13 ou 23 minutes, alors que la plupart des auditeurs ignore le décès du leader du groupe. Dickey Betts remplace Duane à la guitare pour achever le dernier album auquel il a participé: Eat a peach. Le groupe joue quelques concerts à cinq, puis décide d'engager Chuck Leavell, un pianiste, afin d'ajouter un nouveau soliste sans remplacer directement Duane. Peu après, le 11 novembre 1972, Berry Oakley décède à son tour dans un accident de moto, à seulement trois pâtés de maison du lieu où Duane s'est tué. B. Oakley est remplacé par Lamar Williams à la fin de 1972, juste à temps pour achever l'album Brothers and sisters (1973). L'album marque un changement de cap vers la musique country. La séparation avec Tom Dowd, et l'influence grandissante de Dickey Betts au sein du groupe en sont les principales causes. Brothers and Sisters comporte les deux plus célèbres titres du groupe Ramblin' Man et Jessica; le premier se classe n°2 au Billboard, quand le second devient un tube entièrement instrumental. L'album est accessible et plaît, le groupe est alors à l'apogée de sa popularité.
À cette époque, The Allman Brothers Band est l'un des meilleurs groupes de scène. Au Summer Jam de Watkins Glen, le 28 juin 1973, ils partagent la scène avec Grateful Dead et the Band devant près de 600 000 personnes. Dans leur sillage, de nombreux groupes de rock originaires du Sud font leur apparition comme Marshall Tucker ou Lynyrd Skynyrd. Malheureusement, des conflits de personnalités commencent à déchirer le groupe. Gregg Allman et Dickey Betts se lancent dans des projets solos parallèles. Allman épouse la chanteuse Cher ; ils se quittent rapidement puis se réconcilient pour finalement se séparer, le tout abondamment couvert par la presse à scandales. L'usage de drogue au sein du groupe ne facilite pas la situation. D'un point de vue strictement musical, Betts et Leavell partent dans des directions opposées que G. Allman essaie tant bien que mal de concilier. Cette tension déteint sur l'album Win, lose or draw (1975) auquel certains membres ne participent que de loin, voire pas du tout. Le groupe explose en 1976, après l'arrestation de Gregg Allman pour possession de stupéfiants et surtout après que celui-ci accepte de témoigner contre un ami et employé du groupe. Leavell, Johanson et Wiliams forment un nouveau groupe Sea level, tandis que Betts se consacre à sa carrière solo. Tous les quatre jurent publiquement ne plus vouloir travailler avec G. Allman.
Le groupe se reforme en 1978 et enregistre Enlightened rogues(1979). De nouveaux membres font leur apparition: Dan Toller (guitare) et David Rook Goldflies. Ils remplacent Leavell et Wiliams qui préfèrent se concentrer sur Sea Level. L'album n'aura qu'un succès mineur, la popularité du groupe s'essouffle et des ennuis financiers menacent Capricorn Records qui fait faillite en 1979. Polygram rachète le catalogue et The Allman Brothers Band signe chez Arista Records. Le groupe sortira encore quelques albums, tous descendus par la critique et renvoie Johanson. Le groupe se sépare à nouveau en 1982.
Le groupe se reforme en 1989. Ils font la tournée des festivals estivaux aux États-Unis et regagnent peu à peu leur popularité perdue. Warren Haynes (guitare, chant), Johnny Neel (clavier et harmonica) et Allen Woody (guitare basse) rejoignent le groupe. De nouveau, C. Leavell et L. Williams ne participent pas au projet: le premier part en tournée avec les Rolling Stones, quant à L. Williams il est terrassé par un cancer en 1983. Le groupe signe chez Epic Records et sort dans la foulée Seven Turns (1990) qui s'attire de très bonnes critiques. J. Neel quitte le groupe qui enchaîne une série d'albums bien reçus par la critiques mais dont les ventes resteront modestes. Les albums Shades of Two Worlds (1991) et Where It All Begins (1994) reçoivent le concours d'un nouveau percussionniste Marc Quinones. W. Haynes et A. Woody créent un projet parallèle Gv’t Mule en 1994. En 1995, le groupe est admis au prestigieux Rock and roll Hall of Fame et en 1996 il se voit décerner le Grammy Award de la meilleure performance instrumentale rock pour leur titre Jessica. Lorsque Haynes et Woody décident de se consacrer à plein temps à leur groupe, ils sont remplacés respectivement par Jack Pearson et Oteil Burbridge. Derek Trucks remplace Pearson en 1999.
En 2000, le groupe refusa que Dickey Betts se joignît à la tournée estivale pour des raisons personnelles et professionnelles. Il fut donc remplacé par Jimmy Herring. Betts intenta un procès au trois autres membres et la séparation estivale tourna à la rupture définitive. Le groupe sortit tout de même un nouveau CD live Peakin' at the Beacon enregistré au Beacon Theater de New York. La même année, l'ancien bassiste Allen Woody est retrouvé mort le 26 août. On demanda à Warren Haynes de rejoindre le groupe et après un passage réussi au Beacon Theatre, il décida de mener de front à la fois The Allman Brothers et Gov't Mule. L'album Hittin' the Note, produit par W. Haynes, sortit en 2003 et conquit à la fois critiques et public, tout comme le DVD Live at the Beacon Theatre (2003). Le CD live One Way Out (2004) clôtura les sessions au Beacon Theatre.
The Allman Brothers Band obtient deux nominations aux Grammy Award de la meilleure performance instrumentale en 2003 et 2004 pour le même titre Instrumental Illness issu des albums Hittin' the Note et One Way Out. En 2003, le magazine Rolling Stone sélectionne Duane Allman, Warren Haynes, Dickey Betts et Derek Trucks pour leur classement des 100 meilleurs guitaristes de tous les temps. Duane Allman s'y classe à la seconde place, tandis que Derek Trucks est le plus jeune guitariste classé. Le groupe dans sa nouvelle composition a su renouveler son public en partageant la scène avec des groupes plus jeunes, dont les prestations scéniques font la part belle à l'improvisation tels que Moe ou String cheese incident. The Allman Brothers Band constitua une des attractions majeures du festival de Bonnaroo en 2003 et 2005. En 2005 et 2006 ils occupèrent pendant deux jours la scène du festival de Wanee à Live Oak (Floride) au côté de leurs propres groupes dérivés Gov't Mule et Derek Trucks Band, ainsi qu'avec la nouvelle génération du rock sudiste comme Northern Mississippi Allstars, Robert Randolph and the Family Band, Medeski, Martin and Wood, etc.

Discographie

Albums originaux :
1969: The Allman brothers band
1970: Idlewild south
1972: Eat a peach
1973: Brothers and sisters
1975: Win, lose or draw
1979: Enlightened Rogues
1980: Reach for the Sky
1981: Brothers of the Road
1990: Seven Turns
1991: Shades of Two Worlds
1994: Where It All Begins
2003: Hittin' the Note
Albums live :
1971: At Fillmore east
1976: Wipe the windows, check the oil, dollar, gas
1991: Live at Ludlow Garage: 1970
1992: An Evening With the Allman Brothers Band: First Set
1995: An Evening With the Allman Brothers Band: Second Set
2000: Peakin' at the Beacon
2003: One Way Out Live a the Beacon Theater
Live at the Atlanta international pop festival July 3&5 1970
Rééditions et compilations :
1973: Beginnings (réédition des deux premiers albums)
1975: The Road Goes on Forever (compilation)
1989: Dreams (coffret 4 CDs)
1991: A Decade of Hits 1969-1979 (compilation)
1994: Legendary Hits (compilation)
2004: The Essential Allman Brothers Band: The Epic Years (compilation)
2005: Gold (compilation, réédition complétée de The Road Goes on Forever)

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=WfM6nRVBvGs
http://www.youtube.com/watch?v=G1jpQu6qR1E
http://www.youtube.com/watch?v=0WGVW7byRCA&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=6EkJRy3gIS4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=JToo3iwTOso&feature=related

ALABAMA

2008-09-01T11:17:00.000-07:00

Alabama est un groupe de country rock américain formé en 1977 et qui s'est séparé en2004. Influencé autant par la country traditionnelle (Merle Haggard) que par le rock, Alabama fut le premier groupe de l'histoire de la country à rencontrer un réel succès, la notion de groupe étant plutôt propre au rock and roll. Il était composé de : Randy Owen, chant, guitare rythmique, Teddy Gentry, chant, basse, Jeff Cook, guitare solo, chant, claviers,fiddle, Rick Scott, batterie (jusqu'en 1979) et de Mark Herndon, batterie (après 1979).

Biographie
A la fin des années 60, deux cousins Randy Owen et Teddy Gentry découvrirent qu’ils partageaient le même ontérêt pour la musique. Rejoints par Jeff Cook, ils commencèrent à jouer de façon régulière. Ils travaillaient le jour pour gagner leur vie et essayer de jouer partout où ils pouvaient la nuit, n’ayant que peu de temps pour composer et travailler leur unique style plein d’harmonie vocale et musicale. En 1973, Randy ayant terminé ses études à l’Université d’Etat de Jacksonville, le groupe dit adieu à ses boulots alimentaires et à ses petits spectacles de week-ends. Courageusement, le groupe appelé alors « Wildcountry » quitta Lookout Mountain et Fort Payne pour se lancer sur les scènes de la Côte de Caroline du Sud et des environs.
Au cours des années suivantes, alors qu’il commençait à jouer sur des scène célèbre comme The Bowery de Myrtle Beach, le groupe changea de nom, et de batteur avec l’arrivée de Mark Herndon en 1979 et commença à avoir des vues du côté de Nashville. Après un passage dans le New Faces Show sur la Radio country Seminar en 1980 où figurait également Reba McEntire, Joe Galante de RCA les remarqua et leur signa un contrat avec cette prestigieuse maison de disques qui transforma Elvis Presley en superstar le 21 avril 1980.
Le label diffusa rapidement la chanson autobiographique d’Alabama : "My Home's in Alabama" en single. Puis ce fut le tour de "Tennessee River" qui fut leur premier hit et le début d’une série de 21 consecutifs. 21 autres suivirent, récompensant le groupe 42 fois au total. Alabama devint une référence de la musique country la faisant changer pour toujours.
Ils entrainèrent cette musique dans de nouvelles directions et diversifièrent énormément leur public parmi lequel certains n’avaient jamais rien écoutédans ce style. Il en rajeunit l’imafe un peu vieillotte. Alabama jouait à guichets fermés à tous les concerts où et quand que ce soit. Leur approche particulière de la country attirait les fans de tous ages et c’est toujours frai aujourd’hui. S’inspirant de la country, du gospel, du bluegrass, du rhythm and blues, du rock n’ roll et du southern rock, ils sont capables de tout jouer sur scène d’ Acuff à ZZ Top. Ils frayèrent la route à une grande quantité de nouveaux groupes. Et en meme temps, ils réussirent à faire reculer les frontières de la musique, Joe Galante, le patron de RCA se souvient : « C’était énorme. Ils avaient vraiment un langage différent des autres. Je suis encore étonné de voir comment, avec une tournure de phrase toute simple et un petit riff de guitare, ils arrivaient à rendre une mélodie complètement différente. Sans oublier l’énergie et l’originalité qu’ils y mettaient. C’est un groupe don’t on parlera longtemps.”
Alabama a atteint les 73 millions de disques vendus. Cela les place parmi les dix meilleurs vendeurs de toute l’histoire de la pop music devant des groupes aussi fabuleux que Led Zeppelin, The Doors, Queen, Pink Floyd ou les Who. Alabama a eu plus de No. 1 et a vendu plus de places de concert qu’aucun autre groupe de toute l’histoire de la country-music. 17 albums de platine. « Mountain Music”, sorti en 1982, est quintuple disque de platine tout comme leurs Greatest Hits (1983). Roll On (1984), The Closer You Get (1983) et Feels So Right (1981) sont tous quadruple disque de platine. Christmas (1985), Greatest Hits III (1994), 40 Hours Week (1985) et My Home's In Alabama (1980) sont double disque de platine.
33 titres ont été N°1 au Hit parade, de 1980 à 1993.

Discographie

My Home's in Alabama (1980), Feels So Right (1981), Mountain Music (1982), The Closer You Get... (1983), Roll On (1984), 40 Hr. Week (1985), Alabama Christmas (1985), Greatest Hits (1986), The Touch (1986), Just Us (1987), Alabama Live (1988), Southern Star (1989), Pass It On Down (1990), Greatest Hits Vol. II (1991), American Pride (1992), Cheap Seats (1993), Greatest Hits Vol. III (1994), In Pictures (1995), Alabama Christmas Vol. II (1996), Dancin' on the Boulevard (1997), For the Record (1998), Twentieth Century (1999), When It All Goes South (2001), In The Mood: The Love Songs (2003), The American Farewell Tour (2003)

Liens

http://www.youtube.com/watch?v=i019fwYM_Pw
http://www.youtube.com/watch?v=JqhkFyuPjNc&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=-kJ6pNu2Vrs&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=DDHdIMudZdE&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=38b3RVg7Jpo&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=bKgD3uiw0pg&feature=related

ROY ACUFF

2008-08-29T10:57:00.000-07:00

Roy Claxton Acuff (15 septembre 1903- 23 novembre 1992), né à Maynardville (Tennesse), est un auteur compositeur interprète et violoniste. Il a été le roi de la musique country durant 50 ans, jouant sur la scène du Grand Ole Opry de Nashville pratiquement jusqu'à sa mort, à 89 ans.

Biographie
Dans sa jeunesse, il a souffert d'allergies solaires, l'empêchant d'atteindre son rêve et de devenir joueur de baseball professionnel. Il a appris à jouer du violon et a rejoint un spectacle musical qui se produisait dans sa ville, Nashville car il ne pouvait travailler qu'après le coucher du soleil. Dans ses spectacles, il présentait un numéro composé de vieilles chansons chantées avec un accompagnement d’instruments à cordes, d’hymnes religieux et de quelques chansons populaires de l’époque. Il proposait également des sketches comiques (notamment avec un yo-yo). En 1933, il a formé le groupe Tennessee Crackerjacks avec lequel il a joué sur la radio de Knoxville. L'année suivante, le groupe devient les Crazy Tennesseans et commence à enregister en 1936. Cette année-là, Roy Acuff obtient ses deux plus grands succès: Great Speckled Bird et Wabash Cannonball.
En 1938, nouveau changement de nom : les Smoky Mountain Boys. Ils commencent à faire des apparitions au Grand Ole Opry de Nashville où Acuff se démarque comme artiste solo au sein du groupe. Quelques succès remarquables où l'on peut entendre sa voix aiguë et sèche datent de cette époque : Night Train to Memphis, Fire Ball Mail et Wreck the Highway. Il a aussi joué dans des films des années 40, tel The Grand Ole Opry.
En 1942, avec Fred Rose, il fonde sa propre maison de disques, Acuff-Rose Music Publishing Company. Bien qu'il continue à enregistrer, ses succès ne sont rien comparés à son talent de producteur. Cette compagnie va grossir jusqu'à devenir la plus grosse compagnie de Country au monde. Sa popularité était telle qu'il a fait campagne pour le poste de gouverneur du Tennessee en 1944 et en 1948. Il a parcouru le monde pour divertir les soldats lors de la Seconde guerre mondiale et de celle du Viet Nam.
En 1962, il rejoignit le Hall of Fame de la musique Country. Ses plus prestigieuses récompenses furent le Grammy Lifetime Achievement Award, en 1987, la médaille Nationale de l'Art et le Kennedy Lifetime Achievement Award, en 1992. Il a enregistré son dernier single en 1974. En 1983, il a déménagé dans une maison située dans le parc d'amusement d'Opryland où il est mort d'un arrêt cardiaque.

Discographie
Roy Acuff Sings Hank William (1966)
Best of Roy Acuff (1970)
The Great Roy Acuff (1970)
Songs of the Smoky Mountains (1970)
The Voice of Country Music (1970)
Roy Acuff: Columbia Historic Edition (1985)
The Best of Roy Acuff (1989)
The Essential Roy Acuff 1936-1949 (1992)

Liens
http://www.youtube.com/watch?v=8ggvZJRx4G0
http://www.youtube.com/watch?v=gvPqgN7LddM&feature=related

Toute la musique populaire américaine...

2008-08-28T13:59:00.000-07:00

... country, hillbilly, rock, blues, cajun, folk, boogie, shuffle, rockabilly depuis les tous débuts des tous premiers enregistrements sur 78 tours... avec Fiddlin' John Carson (1923) aux tous derniers de... allez disons, Gretchen Wilson (2008) pour être galant, mais cela pourrait être Alan Jackson, Garth Brooks ou Toby Keith au travers de bios, d'infos et d'extraits musicaux.

Toute la musique qu'on aime... Vivante, authentique, dynamique... Merveilleux résultat du mélange des ballades irlandaises, des danses celtes et des rythmes noirs venus du delta, une musique populaire agréable et accessible. Et même si elle est quelquefois produite comme des savonnettes dans les usines de Nashville, Memphis, L.A ou Frisco, elle n'en demeure pas moins "Toute la musique que j'aime"

LET THE GOOD TIMES ROLL...